Desde el otro lado del cuadro

The Last of England - Ford Madox Brown

2012-02-22T21:07:00.000Z

A principios de la década de 1850 se inició un movimiento migratorio provocado por la llamada “fiebre del oro” a raiz del descubrimiento y explotación de unas minas de oro en Australia y que atraería a este continente a un elevado número de inmigrantes procedentes de Gran Bretaña e Irlanda huyendo de la escasez y la falta de trabajo en sus paises. Entre ellos iban trabajadores manuales y agrícolas pero también artistas como fue el caso de Thomas Woolner, escultor inglés y uno de los fundadores en 1848 de la "Hermandad Prerrafaelita" el cual, había decidido emigrar a Australia atraído también por la prosperidad económica que nacía en ese continente, embarcándose hacia el mismo en 1852.

Se cuenta que el pintor Ford Madox Brown, (Calais 1821- Londres 1893), muy relacionado con la "Hermandad Prerrafaelita" aunque nunca llegase a pertenecer a ella, quedó impresionado con la marcha de su amigo Woolner pues, el propio Madox, llevaba algún tiempo dándole vueltas a la idea de emigrar a la India juntándose a esos miles de emigrantes ingleses que estaban abandonando Inglaterra en busca de nuevos paraisos. Ford Madox se imaginó a si mismo, embarcado, acompañado de su mujer y sus dos hijos y saliendo de su tierra natal como el último inglés que la abandonaba, el último de Inglaterra. De esa idea nació el cuadro que hoy visitamos "The last of England".

En este cuadro, Ford Madox se autorretratará a sí mismo acompañado de su mujer y modelo habitual en muchos de sus cuadros, Emma Hill, representando la escena en la que una pareja de emigrantes abandona las costas inglesas a bordo de un barco repleto de pasajeros, entre ellos sus hijos.

La escena, vista como si el espectador la observase con un catalejo, gira entre lo dramático y lo satírico o esperpéntico. El drama del viaje aparece reflejado en las caras de circunstancias de ambos sentados en la cubierta del barco, tal vez en la popa, mientras la fuerza del viento agita con fuerza el pañuelo o cinta rosa de Emma y levanta el ala del sombrero de Ford - amarrado este con una cuerdecita al boton del abrigo - encrespando amenazadoramente el verdoso mar. A su alrededor, cuelgan de las barandillas coles o lechugas -tal vez para mantenerlas más frescas durante el viaje - añadiendo la nota cómica o grotesca al cuadro, aunque, algunos, hayan querido ver una indicación del pintor de que el viaje será largo. También añaden una nota esperpéntica a la escena los dos individuos que se divisan al fondo, uno de ellos desdentado y con chistera, riendo y haciendo unos gestos tal vez de odio a la tierra que abandonan y que contrastan con la pose hierática y ceremoniosa de la pareja.

La niña rubia que come una manzana a la espalda de Ford es su hija Katty, fruto de su primer matrimonio con Isabel Bromley fallecida unos años antes con solo 27 años. La manita que aparece asomando por el chal o capa de Emma y que ella agarra con su mano corresponde a Oliver, el otro hijo de Madox y que solo tenía unos meses cuando este pintó el cuadro. Este detalle aporta una nota de ternura y nos indica la preocupación que en el fondo trasmite Madox en su cuadro a embarcar en ese viaje a toda su familia. Su hijo Oliver moriría muy joven, con solo diecinueve años, cuando ya empezaba a prometer como artista y poeta.

El cuadro es minucioso y resulta francamente entretenido revisarlo con calma y descubrir los acantilados blancos de Dover que aparecen al fondo y el vapor con su larga estela de humo y esa larga pipa de arcilla de alguien que está fumando y también, al individuo pelirrojo que coloca las verduras en ese bote salvavidas blanco en cuyo casco figura el irónico nombre del barco, "El Dorado".

Ford Madox contaba que pintó este cuadro casi totalmente al aire libre - anticipándose por tanto algo a los impresionistas - para intentar reflejar la sensación de frío en las manos y la cara así como la luz proyectada sobre el mar en los días lluviosos. Iniciado en 1852 lo terminó en 1855 cuando - ironías del destino - su amigo Thomas Woolner había regresado a Inglaterra una vez que el paraíso australiano comenzaba a desaparecer.

El director británico Derek Jarman le robaría a Madox en 1987 el título del cuadro para su poética película "The Last of England" (1987) basada en la pérdida de la tradicional cultura inglesa, indicando que unos de sus antepasados también habían realizado un viaje similar.

Este cuadro se conserva en el Museum and Art Gallery de Birmingham y una copia del mismo en el Fitzwilliam Museum de Cambridge. Una réplica en acuarela realizada en 1864 se conserva en la Tate Britain. Del 25 de febrero al 3 de junio de este año se puede visitar en el Museum of Fine Arts de Gante con motivo de la exposición: "Ford Madox Brown - Pionero de los Prerrafaelitas".

Pulsando aquí puedes ver un agradable video con una muestra de la obra de Ford Madox Brown.

La Gioconda del Prado - Anónimo

2012-02-06T11:31:00.002Z

El mundo del arte anda revolucionado desde hace unas semanas después de un artículo aparecido en el "The Art Newspaper", periódico británico mensual dedicado al mundo del arte y en él que se afirmaba que "La Gioconda" de Leonardo da Vinci tenía una hermana gemela en el Museo del Prado.

Todo comenzó cuando Martín Bailey, colaborador habitual de dicho periódico, se coló físicamente en un congreso londinense de expertos en la pintura del Renacimiento que se celebraba simultáneamente con la exposición de la National Gallery denominada "Leonardo da Vinci: Painter at the Court of Milan" exposición que se clausuró ayer día 5 de febrero. En este congreso, la especialista y conservadora del Museo del Prado, Ana González Mozo, presentó una ponencia en la que se relataban los trabajos de limpieza a los que se había sometido el cuadro existente en el Museo del Prado conocido como "La Gioconda de Madrid" o "La Gioconda del Prado" y la evidencia, después de realizados esos trabajos de limpieza de que, ese cuadro, había salido del estudio de Leonardo da Vinci y era obra de alguno de sus discípulos que lo habrían pintado a la vez que su maestro ejecutaba su célebre "Mona Lisa".

Esta noticia, que el equipo directivo del Museo del Prado pensaba comunicar próximamente, fue pisada hábilmente por Martín Bailey - quién desdeña este botín - y a partir de ese momento, todas las conjeturas y posibles historias sobre la ejecución del cuadro están servidas.

Se ha hablado de una hermana de "La Gioconda" pero, más bien tendríamos que hablar de su hermanastra. Ambas serían hijas de la misma madre, La Pintura, pero engendradas por distinto padre, Leonardo da Vinci el de una y desconocido el de la otra.

Los sabios no han tardado en hacerse oír y las apuestas están en el aire.

Así, mientras los conservadores jefes de el Museo del Prado, Matías Díaz Padrón y Miguel Falomir, así como el conservador jefe en el Centre de Recherche et de Restauration des Musées de France, Bruno Mottin, estiman que el cuadro debió salir de las manos de algunos de sus dos discipulos florentinos, Andrea Salazi o Francesco Melzi, Alessandro Vezzosi, director del Museo Ideale Leonardo Da Vinci y el profesor Pietro Marani, considerado uno de los mayores expertos en la obra de Leonardo, sostienen que el cuadro fue pintado por uno de sus dos discipulos españoles, bien Fernando de Llanos o bien Fernando Yáñez de la Almedina descartando ellos a los dos florentinos por cuestión de fechas, edad y estilo.

Ya en catálogos antiguos del Museo del Prado y antes de que se eliminase el fondo negro que tapaba ese paisaje que se dice corresponde a La Toscana italiana, "La Gioconda del Prado" se atribuía a Hans Holbein “El joven” o a Fernando Yañez de la Almedina.

La verdad es que, cuando uno contempla el rostro de "Santa Catalina", obra de este último pintor, conservada en el Museo del Prado y que llegó a ser atribuida a Leonardo da Vinci o repara en el de las mujeres, casi clónicas, que pintó en varios de los doce grandes cuadros que adornan las puertas del retablo de la catedral de Valencia, le parece estar viendo el de la misma mujer, el de la que se ha denominado "La Gioconda" y que según afirman los sabios, correspondería a una tal Lisa Gherardini (Mona Lisa), la mujer de un comerciante llamado Francesco del Giocondo.

Dicen que durante este mes de febrero, el Museo del Prado nos la presentará en sociedad. Ella, que durante 500 años ha permanecido en el anonimato, se ha convertido en famosa de la noche a la mañana y dentro de unos días viajará a París, al Louvre, para pasar unos días con su hermanastra en la exposición "L'ultime chef-d'œuvre de Léonard de Vinci, la Sainte Anne" (29 marzo-25 junio). Allí, los afortunados podrán ver a las dos juntas por el precio de una. De una entrada.

También dicen que esta "Gioconda" no es una obra maestra, ni se puede comparar con la del genio florentino pero, a mí me gusta. Es como ver a Lisa Gherardini rejuvenecida, con diez años menos, sin esa ictericia provocada por los oxidados barnices y con sus cejas todavía algo pobladas. No sé. La encuentro más guapa, más arreglada, mejor peinada y además - eso es lo mejor - sigue dibujándose en sus labios esa sonrisa enigmática que siempre nos hechizó.

Bienvenida de nuevo.

La Vucciria - Renato Guttuso

2012-01-27T13:23:00.001Z

Renato Guttuso (1911-1987), uno de los pintores más importantes y también uno de los más cotizados en el mundo artístico del siglo XX italiano, nació en el seno de una familia acomodada en la localidad siciliana de Bagheria aunque sería registrado en Palermo por problemas administrativos. Estudiante de Bellas Artes en Palermo, a los diecisiete años ya participó con éxito en su primera exposición colectiva. Influido principalmente por Courbet, Van Gogh y Picasso pronto su pintura sería conocida en toda Europa.

Desde sus comienzos, la pintura de Guttuso tiene una fuerte carga de manifiesto social característica del movimiento artístico “Corrente”, movimiento formado por un grupo de pintores italianos entre los que él se encuentra y desde el que se pretende criticar la cultura oficial y mantener una fuerte oposición al fascismo que dominará Italia hasta el final de la Segunda Guerra Mundial. Guttuso se afiliará al clandestino Partido Comunista italiano, partido al que sería afín hasta el final de sus días. Su obra más polémica y casi motivo de excomunión fue el lienzo titulado “Crucifixión” en el que la figura de Cristo está medio tapada por uno de los ladrones y por una María Magdalena desnuda mientras, en primer plano, aparecen unas siniestras botellas de vinagre, un martillo y los clavos usados en la crucifixión. Guttuso escribiría en su diario: "este es el símbolo de todos los que soportan ultraje, cárcel y tortura por sus ideales".

Casado en 1947 con Mimisse Dotti a la que amó hasta el final de sus días, su pasión por las mujeres, hizo que le fuera infiel toda su vida, primero con una tal Caria Piro esposa de un político democristiano y luego durante casi 20 años con Marta Marzotto, la esposa de un conde y empresario textil y que sería para él además de su amante, su musa y la modelo a la que retrataría en infinidad de sus lienzos.

Uno de los cuadros por los que es más conocido Renato Guttuso es por el cuadro que hoy traemos a este blog, “La Vucciria”.

Escribía Peter Robb en su libro "Medianoche en Sicilia" que: "Llegar al Vucciria saliendo de un callejón estrecho y sinuoso es como salir de entre bastidores al escenario en mitad de la representación" y realmente, no le faltaba razón. Todo el que pasa por la ciudad siciliana de Palermo y visita "La Vucciria", aunque este mercado ya no es lo que era cuando el pintor Renato Guttuso lo plasmó en el lienzo del que hoy hablamos, queda impresionado por el ambiente, el vocerío, los olores y el color que estallan en este antiguo mercado de la carne situado en una de las zonas más deprimidas de la ciudad y sometida hoy día a un lento proceso de rehabilitación.

El cuadro "La Vucciria" al que su amigo Leonardo Sciascia definió como "el sueño de un hombre hambriento", ejerce sobre el espectador una atracción imposible de reprimir y hace que se sienta como uno más de los personajes que recorren ese estrecho pasillo entre puestos atiborrados de pescados, hortalizas, quesos o embutidos mientras los vendedores vocean su mercancia o el carnicero despieza la ternera suspendida de un gancho.

Guttuso fue un pintor realista expresionista pero su pintura está también cargada de símbolos. De "La Vuciria" el dijo que: "Es una naturaleza muerta en la que los seres que por ella se mueven también serán algo muerto algún día. Es un cuadro negro, que parece pintado sobre un fondo negro. Quiero decir, en algún momento, mientras pintaba, me di cuenta de todo lo que contenía, una abundancia de la vida, y al final, un sentimiento destructivo."

En "La Vucciria" varios de los personajes que aparecen en el cuadro son conocidos. Así, el pescadero que sujeta la cabeza del pez espada es el propio Guttuso, la mujer de negro con una bolsa en la mano es su mujer Mimisse y el hombre del jersey amarillo es un escultor amigo de Guttuso. La mujer de espaldas, la figura central del cuadro y sobre la que recae la atención a primera vista del espectador, se trataría de su amante, Marta Marzotto.

Guttuso murió solo y multimillonario en la ciudad de Roma donde vivía y donde tenía su estudio, en el llamado Palacio del Grillo. Su mujer Mimisse había muerto poco tiempo antes y a su amante, la condesa Marta Marzotto, liada con un destacado miembro del partido comunista llamado Lucio Magri, se negó a recibirla antes de su muerte. Por los derechos a su herencia se entablaron querellas y juicios entre la condesa Marzotto, hoy en dia octogenaria y diseñadora de joyas y un hijo adoptivo de Guttuso pero, esa larga historia es demasiado larga para contarla en tan pocas líneas.

El cuadro de La Vucciria pintado en 1974, fue donado por el pintor a la Universidad de Palermo, pudiéndose contemplar en el Palacio Steri, antigua sede de la Inquisición española y hoy en día, sede del rectorado de la Universidad.

En este video se puede contemplar una detallada visión de este magnífico cuadro.

Melankoli - Edvard Munch

2012-01-17T19:08:00.015Z

“Lo que esta arruinando el arte moderno es el comercio, al exigir que los cuadros se vean bien una vez que se los cuelga en la pared. No se pinta por el deseo de pintar o con la intención de pintar una historia.” Así se expresaba Edvard Munch en 1892 después de recibir las más agrias críticas en la Exposición de la Sociedad de pintores berlineses a la que había asistido como invitado ese mismo año.

A esa exposición, Munch había presentado, entre algunas otras obras, la primera versión de “Melankoli” (Melancolía) realizada un año antes y que se puede considerar como la obra inicio de su ciclo pictórico denominado por él mismo como “El Friso de la Vida: un poema sobre la vida, el amor y la muerte”, un ciclo que Munch cerrará en 1902 y que recoge una parte de la historia de su vida en la que se mezclan sus vivencias como pintor, sus amores frustrados, su miedo a la vida o su contacto cercano con la muerte. A “El Friso de la Vida” pertenecen sus cuadros más conocidos tales como “Pubertad”, “El Beso”, “Madonna”, “El grito”, “Angustia”, “La danza de la vida”, “La muerte en la habitación de la enferma” o las diferentes versiones de “La muerte de Marat”.

En “Melankoli”, Munch pintó una situación vivida en el verano de 1891 en el fiordo noruego de Asgárdstrand, lugar donde él solía pasar los veranos y a donde también llegarían ese verano sus amigos Oda Krogh, Jappe Nilssen y Hans Jaeger, todos ellos pertenecientes al movimiento Kristiania Bohemen, un movimiento formado por un grupo de bohemios intelectuales y artistas de Christiania, la antigua capital de Noruega, y que preconizaban, entre otras cosas, la exaltación del amor libre.

Oda Krogh era una pintora noruega, divorciada de su anterior marido y casada con el también pintor y escritor Christian Krohg del que había sido alumna. Oda estaba considerada como una figura dentro del movimiento en el que llegó a recibir el apelativo de “La Princesa Bohemia”. Jappe Nilssen era un escritor y crítico de arte, muy unido a Munch y hombre enamorado profundamente de Oda Krogh que lo había convertido en su amante a ratos. Hans Jaegger era otro escritor noruego, conocido activista político de ideas anarquistas y miembro fundador del Kristiania Bohemen y con el que también había mantenido o mantenía relaciones sentimentales Oda Krogh.

Parece ser que al poco de llegar todos a Asgárdstrand, Oda Krogh se insinuó una de las noches llamando medio desnuda a la puerta de la habitación de Munch con la excusa de charlar sobre una posible y futura colaboración pictórica entre ambos. Munch, aquella noche, no llegó a tener una relación sexual con Oda pues, pesaba en su mente el recuerdo de su anterior experiencia amorosa con una mujer casada y de la que había salido mentalmente tocado pero, el enredo amoroso y el mundo de los celos al que él asistía ese verano le hizo proponer a Jappe Nilssen que posase para él con el fin de poder reflejar ese sentimiento que él pensaba que debía estar sintiendo su amigo luchando por el amor de una mujer tan demandada.

Munch pintó a Jappe Nilssen en una esquina del cuadro, sentado en la playa de Asgárdstrand y con una expresión melancólica mientras, al fondo, se puede divisar a una figura vestida de blanco, seguramente Oda, que se dirige hacia una barca amarilla acompañada de otros dos seres, tal vez su marido Christian Krohg y Hans Jaeger, alguno de los cuales, tal vez, se la llevará en la barca para ir a hacer el amor en alguna isla cercana del fiordo.

La estructura del cuadro, situando en primer plano a su amigo Jappe y al fondo, casi imperceptibles, a las otras tres figuras, hace comprender que Munch ha querido indicar que la escena, el conflicto sentimental, se está desarrollando en el interior del cerebro de Jappe, cerebro que Munch disecciona magistralmente para describir la historia al espectador.

La primera versión de "Melankoli" se conserva en el Munch-museet de Oslo. La segunda versión pintada en 1892 y que es la que vemos en esta entrada pertenece al Nasjonalmuseet/Nasjonalgalleriet de Oslo existiendo una tercera versión en el Bergen Kunstmuseum además de otras varias pintadas sobre madera y que se encuentran repartidas por varios museos del mundo. La primera version se denominó originalmente “Den gule båten” (El barco amarillo) y las dos siguientes se las ha denominado también como “Sjalusi” (Celos).

Algo más sobre la historia de Asgárdstrand en este video.

Die Toteninsel III (La isla de los muertos) - Arnold Böcklin

2011-12-14T23:46:00.000Z

Cuando en abril de 1880 Marie Berna visitó al pintor Arnold Böcklin en su estudio de Florencia, no se podía imaginar el simbolista suizo lo que aquella visita representaría para su futura obra y su prestigio como pintor.

Marie Berna-Christ era una viuda burguesa residente en Büdesheim, un municipio de la Renania-Palatinado y que acababa de formalizar sus relaciones con un conde alemán, el conde Waldemar von Oriola, y con el que iba a casarse en diciembre de ese mismo año.

Propietaria del castillo de Büdesheim que había heredado de su antiguo marido el Dr. Georg Berna, muerto hacía quince años a causa de una difteria cuando solo llevaban casados un año, había acudido al estudio de Arnold Böcklin, atraída por la fama que este pintor había ido adquiriendo en Europa a través de sus pinturas inspiradas en temas mitológicos, oníricos y fantásticos y con la idea de encargarle "un cuadro para soñar" -según sus palabras- y que le sirviese para redecorar alguna de las habitaciones de su mansión de Büdesheim donde viviría con su nuevo amor.

Una vez en el estudio, Marie reparó en una obra sobre la que estaba trabajando Böcklin y que representaba un misterioso islote que surgía en medio del agua y en el que parecían existir estancias dentro de la roca medio cubierta por unos gigantescos cipreses que crecían en el centro de la isla. Entusiasmada con el cuadro le pidió a Böcklin que le hiciera uno igual o parecido y quedó en volver dentro de unas semanas después de una gira que estaba realizando por Italia.

Böcklin aparcó el cuadro sobre el que estaba trabajando y que era un encargo de su mecenas en Frankfurt, Alexander Günther, y se puso a trabajar en uno de dimensiones algo más pequeñas pero con el mismo tema variando ligeramente los tonos y el tipo de estancias en la roca. A la vuelta de su clienta Marie Berna, esta quedó contenta con el esbozo del cuadro pero algo se debió de gestar en esa reunión pues Böcklin añadió posteriormente al cuadro una embarcación con un remero y una misteriosa figura de pie vestida de blanco ante un ataúd colocado de través en la embarcación.

¿Fue Marie la que dió la idea a Böcklin de añadir al cuadro ese traslado ceremonial de un difunto hacia aquella misteriosa isla?

Hans Holenweg, uno de los mayores estudiosos de la obra de Böcklin, en su articulo para el catálogo de la exposición que se celebró esta pasada primavera en el Palazzo Comunale de Fiesole con el nombre de "Isole del pensiero” en la que se mostraba una selección de obras de Arnold Böcklin, Giorgio de Chirico y Antonio Nunziante, indicaba que la idea de introducir en la barca una figura de pie y vestida de blanco y un ataúd atravesado en ella debió de surgir de Marie Berna como un recuerdo a su difunto marido. La figura blanca de espaldas no puede ser otra que la joven viuda en cuestión en el acto de rendir homenaje al difunto acompañándolo a su última morada, una isla con cámaras mortuorias donde reposar eternamente. Con este cuadro, Marie tendría un último recuerdo para el que fue su primer marido antes de iniciar su nueva vida con otro hombre.

Se sabe que Böcklin una vez terminado el cuadro para Marie, retomó la primera versión y le añadió la misma escena de la barca dirigiéndose hacia la isla, escena que repitió en otros tres cuadros similares a los dos primeros y que fueron pintados posteriormente y a los que denominó siempre como “La isla de los muertos” según queda testimoniado en una carta que Böcklin mandó a su mecenas Alexander Günther al terminar la primera versión desmintiendo así las teorías que atribuían a otros el título del cuadro

La tercera versión de “La isla de los muertos” es la que hoy hemos traído a este blog y en ella aparecen, como detalle curioso, las iniciales del pintor (AB) situadas sobre la entrada a una de las cámaras mortuorias, la situada en el extremo derecho del cuadro. Esta versión, la de tonos más claros de las cinco versiones pintadas por Böcklin, fue realizada a finales de 1883 ante la reiterada insistencia de Fritz Gurlitt, su marchante en Berlín, el cual la vendió al año siguiente a un particular pasando a manos de Adolf Hitler - un enamorado de la pintura de Arnold Böcklin - en 1936. La pintura permaneció en Berlín, en la antigua Cancillería del Reich, y al final de la Segunda Guerra Mundial, estuvo extraviada hasta que en 1980, Rusia la ofreció a la Alte Nationalgalerie en Berlín que la adquirió y donde se puede contemplar.

La cuarta versión, pintada sobre una lámina de zinc, era propiedad del barón Heinrich Thyssen-Bornemisza y fue destruida durante la Segunda Guerra Mundial, durante un bombardeo alemán sobre la ciudad de Rotterdam al estallar una bomba en la residencia del barón. Se tiene referencia de ella gracias a unas fotos en blanco y negro. La quinta y última versión fue pintada en 1886 para el Museum der Künste de Leipzig.

Podríamos escribir mucho sobre estos misteriosos cuadros y su misteriosa isla pero necesitaríamos muchas páginas y mucho tiempo. Son miles los artículos que se han escrito sobre estas pinturas y mucha la influencia que ha ejercido el tema sobre pintores, escritores, compositores y cineastas. La isla de los muertos inspiró a Emil Nolde, Giorgio de Chirico, Max Ernst, Salvador Dalí, Ernst Fuchs, Fabrizio Clerici, Mauro Falzoni, Antonio Nunziante, August Strindberg, Sergei Rachmaninov, Max Reger y un largo etcétera de personajes ilustres desde 1880 hasta nuestros días.

Puedes ver algo más de la obra de Arnold Böcklin en este vídeo.

Gabriele Münter - Kandinsky y Erma Bossi sentados a la mesa

2011-12-03T01:44:00.002Z

Nacida en Berlín en el seno de una familia pudiente, Gabriele Münter (1877-1962), pintora representante del expresionismo alemán, es casi más conocida por su relación personal con el pintor Wassily Kandinsky que por su obra pictórica, cosa harto frecuente entre las mujeres pintoras de su época.

Formada artísticamente desde muy joven a través de las enseñanzas de maestros privados puestos por su padre marcharía con veinte años a Düsseldorf para continuar sus estudios asi como a Estados Unidos donde pasaría otros dos años al cabo de los cuales volvería a Alemania instalándose en Munich y apuntándose en 1901 a la escuela de Arte Phalanx, una escuela creada por una asociación de pintores que aprovechaban dicho lugar para aprender y exponer en él y en la que expondría ese mismo año y por primera vez en su carrera pictórica, Wassily Kandinsky.

Kandinsky estaba casado por esas fechas con su prima Ania Tchimiakin pero, de su continua relación con Gabriele en la Phalanx, acabaría surgiendo entre ellos una atracción que hará que a los pocos meses de conocerse, Gabriele Münter se convierta en su amante con la promesa por parte de Kandinsky, once años mayor que Gabriele, de romper su matrimonio con Ania Tchiamiakin, promesa que irá demorando manteniéndose su relación adúltera durante más de diez años.

Desde 1903 viajan juntos por toda Europa exponiendo ambos en ciudades como París, Varsovia, Túnez o Berlín, y en 1908 compran una casa en la localidad de Murnau a orillas del lago Staffelsee, un lugar del que se habían enamorado en un viaje anterior por la Baviera.

En esta casa, bautizada por los lugareños como la "Russenhaus" (La casa rusa) pasarán grandes temporadas y allí prepararán parte de su proyecto de formación de la "Neue Künstlervereinigung" (Nueva Asociación de Artistas) un movimiento al que darán vida en 1909 en Munich junto a los pintores Alexei von Jawlensky, Marianne von Werefkin, Adolf Erbslöh y Alexander Kanoldt y que tratará de expresar la verdad espiritual a través de un arte intuitivo, espontáneo y símbólico, movimiento que se excindiría dos años después para formar el que se denominaría "Der Blaue Reiter" (El jinete azul) y que estaría encabezado por Kandinsky, Franz Marc, Macke y también Paul Klee.

Sería en 1912, en plena ebullición de este movimiento, cuando, aprovechando unos días de descanso en su casa de Murnau, pintaría Gabriele Münter el cuadro que hoy visitamos "Kandinsky und Erma Bossi am Tisch" (Kandinski y Erma Bossi sentados a la mesa).

En él, se ve a Kandinsky ataviado con una chaqueta o chaleco azul y unas curiosas tobilleras o calcetines cortados de color verde, sentado en la mesa del comedor de su casa mientras charla tomando un café con una amiga de la pareja, la pintora italiana Erma Bossi, una mujer comprometida también con el movimiento "Neue Künstlervereinigung" y que vivía a caballo entre Milán, París y Mónaco, visitando muy a menudo a sus amigos en especial cuando estos residían en Murnau. Desgraciadamente, solo unas pocas pinturas de Erma Bossi han llegado hasta nuestros días mostrando en su obra conocida una sucesiva influencia de artistas como Seurat, Matisse y Derain así como de los propios, Kandinsky y Münter.

El cuadro es un apunte, casi biográfico, de un momento íntimista destacando en él, su colorido, fruto de la influencia en Gabriele de Matisse y otros fauvistas, estilo que luego derivaría hacia la abstracción.

La primera Guerra Mundial hará que Münter y Kandinsky marchen a Suiza pero la condición de ciudadano ruso de Kandinsky le convierte en un potencial enemigo del país por lo que regresa a Moscú en 1914. Kandinsky, quién ya había obtenido el divorcio de Ania Tchimiakin en 1911, se casará en 1916 con la rusa Nina Andreyevskaya. El golpe para Gabriele Münter será dolorosísimo y ya no volverá a ver jamás a Wassily Kandinsky.

Gabriele Münter donó unos años antes de su muerte a la Galerie im Lehnbachhaus de Múnich una ingente obra consistente en obras de Kandinsky, Marc, Klee y de ella misma así como la correspondencia mantenida durante los años de relación con Kandinsky. Toda esta obra donada generosamente fue salvada del posible expolio del Naciolsocialismo durante la segunda Guerra Mundial gracias a ella que la conservó escondida en el sótano de su casa de Murnau a sabiendas del peligro que corría si hubiera sido descubierta por los nazis.

Gabriele Münter moriría en 1962 en Murnau y su casa, la "Münter-Haus", rehabilitada hace algunos años, se ha convertido en un museo en recuerdo de esta gran pintora y mujer.

Este cuadro se conserva en la Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau, München.

Puedes ver más obra de Gabriele Münter en este agradable video.

Le Berceau - Berthe Morisot

2011-11-24T21:38:00.002Z

“Dado el talento natural de sus hijas, mi instrucción no las convertirá en simples pintoras de salón, sino en auténticas artistas. ¿Se da usted cuenta de lo que esto puede significar? Será revolucionario, e incluso diría que catastrófico en un entorno burgués y elitista como el suyo¿Está segura de que no llegará a lamentar el día en el que permitió que el arte entrara en su casa, hoy un hogar respetable y apacible? ¿Se da cuenta de que el arte puede llegar a regir el destino de sus dos hijas?”

Con estas palabras se cuenta que se expresó el pintor Benoit Guichard cuando se dió cuenta del talento que para la pintura tenían sus dos alumnas, Edma y Berthe Morisot, a las que su madre, la Sra Morisot, había decidido convertir unos años antes, en 1858, en unas buenas pintoras con el objeto de que le hicieran un cariñoso regalo de cumpleaños a su padre.

No eran para menos las palabras de Guichard debido a los progresos que había observado en aquellas dos jóvenes y que ya reclamaban un profesor menos clasicista que Guichard, alguien que las formase en la pintura al aire libre, en una pintura que fuera capaz de reflejar en pocas sesiones lo que sus ojos veían a su alrededor.

Abandonados los estudios academicistas en el Louvre de la mano de Guichard, conocerían con tan solo 20 o 21 años a Camille Corot, un renombrado paisajista de la Escuela de Barbizón y máximo representante de ese tránsito en la representación del paisaje clásico al paisaje realista y que se estaba produciendo al margen de todas las escuelas. Corot las admitiría como alumnas suyas recibiendo de él sus enseñanzas durante unos años en los que empezarían también a tomar contacto con los círculos artísticos parisinos.

A partir de 1864, Edma y Berthe Morisot son admitidas en el rígido Salón de París, exponiendo a partir de entonces con regularidad y con una buena crítica por parte de su jurado.

1868 cambia la trayectoria profesional de ambas hermanas al enamorarse Edma de un tal Adolphe Portillon, un oficial de marina y antiguo amigo de Edouard Manet cuando ambos se preparaban para ingresar en la Academia Naval Francesa y, por otra parte, Berthe conoce, curiosamente, a Edouard Manet a través del pintor Fantin-Latour, el cual se lo presenta en el Louvre.

Un año después, Edma Morisot se casa y abandona el mundo de la pintura, mundo en el que seguirá su hermana Berthe, muy influenciada en esos primeros momentos a través de su relación con Manet con el que le llegará a unir una gran amistad y para el que posará en numerosos retratos. Esa influencia irá cambiando progresivamente de lado siendo Berthe Morisot la que acabe aconsejando a Manet que exponga con el movimiento impresionista del cual ella se convertirá en miembro y partícipe incondicional en todas las exposiciones de la llamada "Sociedad Anónima de pintores, escultores y grabadores", sociedad que celebrará su primera exposición en París en 1874 y en la que se bautizará a ese grupo de pintores como los impresionistas.

En esa exposición presentó Berthe Morisot el cuadro que hoy traemos aquí, “Le Berceau” (La Cuna).

En “Le Berceau”, Berthe Morisot retrata a su hermana Edma contemplando amorosamente a Blanche, su segunda hija, nacida unos días antes, mientras parece correr el velo de la cuna aumentando así el momento intimista entre las dos. El cuadro, destila esa dulzura que inspira la maternidad y que solo una mujer puede ser capaz de pintar. Un bellísimo cuadro que como indica el Museo d'Orsay en su comentario al mismo, fue considerado por la crítica como un cuadro elegante y con gracia pero que no tuvo mayor repercusión.

El cuadro permaneció en la familia Portillón y fue comprado en 1930 por el Museo del Louvre a la niña del cuadro, Blanche Portillón, (de casada Mme Forget), pudiéndose contemplar en la actualidad en el Musée d'Orsay, Paris,

Berthe Morisot se casó en 1874 con Eugene Manet, un hermano de Edouard Manet y siguió pintando hasta su muerte dejando más de 600 obras entre óleos y dibujos siendo uno de los mayores representantes del impresionismo pero no suficientemente valorada ni reconocida.

Una pequeña muestra de la obra de Berthe Morisot se expone estos días en el Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Puedes ver algo más de su obra en este video.

Nighthawks - Edward Hopper

2011-11-20T18:49:00.002Z

Hoy he vuelto a pasar por delante del bar de Hopper y camuflado entre las sombras de la calle, observo que siguen ahí los mismos cuatro personajes solitarios, serios y silenciosos de ayer. Refugiados, tal vez encerrados en ese bar sin puerta al exterior, expuestos como en una vitrina a la vista de todos los que curioseamos en sus rostros y en su aspecto intentando penetrar en sus vidas a través de ese oculto escudriñamiento.

En todos los barrios de las grandes ciudades hay siempre un bar semejante al de Hopper. En el de la ciudad en la que ya no suelo habitar, existe uno casi igual a este.

Suele cerrar hacia la una de la mañana y los fines de semana algo más tarde. A lo largo de las casi dos décadas que he vivido en ese barrio, siempre que pasaba delante de él observaba a sus cíclicos personajes con un irreprimible voyeurismo.

Digo cíclicos porque, a mis ojos de voyeur, todos han tenido un ciclo más o menos largo pero suficiente para poder ir tejiendo una historia sobre ellos. Alcohólicos irredentos, matrimonios por compromiso, comerciales abatidos por los malos días, cirujanos camuflados, solitarios aburridos, amantes, busconas……..

Todos llegaban un día y desaparecían al cabo de días, meses o años. Todos dejaban una historia para inventar.

Yo también llegué a entrar en ese bar muchos días a lo largo de muchos años. Seguramente, cuantos me vieron fabricaron su historia sobre mi posible vida.

Quién sabe cuantos Hopper me pintaron durante ese tiempo.

El poeta Wolf Wondratschek en uno de los versos de su poema – "Nighthawks: After Edward Hopper's Painting" - basado en este cuadro, decía refiriéndose a la pareja que aparece en él: «No dicen una sola palabra, pero, por qué deberían hacerlo? /Ambos fuman, pero no hay humo/Apuesto a que ella le escribió una carta / Dijera lo que dijese, él ya no es el hombre que volvería a leer las cartas de ella»

Cuentan los estudiosos de Edward Hopper que este cuadro, "Nighthawks" (Los halcones de la noche), ha sido motivo de inspiración para poetas como Wondratschek, directores de cine como Sam Mendes o Ridley Scott, dramaturgos como Douglas Steinberg, músicos como Tom Waits, escultores como George Segal y pintores como Gottfried Helnwein que llegó a calcar el cuadro sustituyendo únicamente el rostro de los cuatro anónimos personajes de Hopper por los de Elvis Presley, James Dean, Humphrey Bogart y Marilyn Monroe.

El éxito y la trascendencia de Hopper estriba en su capacidad para generar el voyeurismo que late en el ser humano y que explota con cada uno de sus cuadros. Todos picamos el cebo y nos inventamos una historia para sus solitarias imágenes con lo cual, estas pasan a formar parte de nuestra memoria involuntaria haciéndonos casi protagonistas de ellas.

Mañana o pasado, volveré a pasar otra vez por el bar de Hopper y recordaré el comienzo del poema de Wondratschek:

It is night/ and the city is deserted. /The lucky ones are at home…….

Este cuadro, pintado en 1942, se conserva en el The Art Institute of Chicago. Puedes ver algo de la obra de Hopper en este recomendado y agradable video.

Dibujos 81 - Yolanda E. (In Memorian)

2011-11-18T00:04:00.001Z

Yolanda E. (Madrid, 1951 - Valencia, 2010) fue una pintora a ratos. No fue la pintura su profesión pero si fue su válvula de escape, su hobby y su sillón del psiquiatra cuando lo necesitó.

A través de sus dibujos, óleos y acuarelas se pueden leer como en un diario sus momentos felices y sus momentos bajos, depresivos. Los naifs alegres y coloristas alternan con su sombría serie de las botellas, unas botellas deformadas en las que se dibujan unas almas prisioneras dentro del oscuro cristal.

También su vida fue así, un poco naif y un poco alma prisionera dentro de un cuerpo que se negó a obedecerla en los últimos años de su vida.

Estos cuatro dibujos, pintados por ella en 1981, quieren ser un pequeño recordatorio en el primer aniversario de su muerte.

La Fille du “Rat Mort” - Maurice de Vlaminck

2011-11-13T18:57:00.002Z

“Le Rat Mort” era un café-cabaret situado en plena Place Pigalle y a poca distancia del “Moulin Rouge”, del “Chat-Noir”, del “Tambourin”, del “Café des Arts” y de otros antros de diversión parisinos ubicados a la orilla de Montmartre y en los que se reunía toda la sociedad cultural y bohemia del París de final y principios de siglo.

Inaugurado en 1886 en el nº 7 de la Place Pigalle con el nombre de “Café Pigalle” y separado por la Rue Frochot de "La Nouvelle-Athènes", otro café muy ligado al grupo impresionista, cambiaría de dueño unos años después así como de nombre, achacándosele el nuevo - según algunas crónicas irónicas - al hedor a rata muerta que reinaba en la zona.

Lugar de encuentro y de almuerzo matinal de intelectuales, políticos y de honorables padres de familia, se convertía por las noches en centro de reunión de la bohemia golfa del todo París, en el prostíbulo frecuentado por las “cocottes” de lujo y tal vez en el primer lugar de la capital parisina junto con el “Le Hanneton” y el “Souris La” en el que se podía ver a damas respetables comprando los servicios carnales de otras mujeres.

Maurice Vlaminck (París, 4 de abril de 1876 - Eure-et-Loir, 11 de octubre de 1958) pintó este cuadro que hoy vemos a finales de 1905, en plena eclosión fauvista. Acababa de celebrarse la Exposición del Salón de Otoño de París a la que él había presentado 8 de sus obras y en la que el crítico Louis Vauxcelles había bautizado al grupo formado por Matisse, su amigo Derain y él mismo como las bestias salvajes: "...mais c'est Donatell parmi les Fauves", dando así nombre al movimiento Fauvista.

Este cuadro forma grupo con otros dos similares pintados en el “Rat Mort” por Vlaminck y no porque Vlaminck fuera un golfo o un mujerigo amigo de prostitutas como lo era Lautrec sino porque sencillamente, Vlaminck trabajaba en esas fechas como violinista en la pequeña orquesta que animaba las veladas del “Rat Mort” y servía de acompañamiento a las depauperadas y somñolientas “danseuses” del cabaret, lo cual le permitía contemplar y tomar apuntes de aquel pintoresco lugar.

Hijo de músicos, Vlaminck había estudiado música de la mano de sus padres convirtiéndose en un buen violinista aunque no tardaría en reconocer que la música no era lo suyo y que su verdadera pasión era la pintura, pero, de su relación con la joven Suzanne Berly con la que se había casado en 1896, les habían ido naciendo tres hijas a las que había que alimentar por lo que, tenía que olvidar aquella pasión a ratos y buscar algo que les diera de comer. Por este motivo, Vlaminck alternó sus primeros años de pintor con la profesión de músico y con la de corredor ciclista, boxeador y novelista de historias eróticas, una de las cuales sería ilustrada por Derain. Cualquier cosa en la que se pudiera ganar dinero pues, con la pintura y hasta el famoso Salon de Otoño de 1905, no había visto ni un franco. A raíz de esta Exposición y a pesar de las malas críticas recibidas, la cosa cambió pues a los pocos meses el marchante Ambroise Vollard le ofrecía 6000 francos por toda la obra que tuviese en su estudio.

“La fille du Rat Mort” es, más que un cuadro, una caricatura inundada de ese color puro, como recién salido del tubo y que solo los fauvistas supieron dar a sus cuadros y en la que se nos muestra el sórdido mundo que se escondía tras las paredes de aquellos celebres antros representado en esa mujer de mirada triste, a medio desnudar o a medio vestir, con sus medias negras y sus ligas rojas y adornada con ese enorme y florido sombrero.

Al parecer, de las paredes del "Rat Mort" colgaban cuatro cuadros en los que aparecían escenas en las que los protagonistas eran ratas. Así en uno de ellos se veía el nacimiento de la rata, en otro la celebración de su matrimonio, en otro la orgía del banquete de boda y en el último de la serie, la muerte de la rata debido a la indigestión provocada por los excesos del banquete.

La moraleja se puede entender a través de la idea de que el hombre siempre es víctima de los placeres cuando se entrega a ellos de forma descontrolada.

Un vídeo sobre parte de la obra de Maurice Vlaminck pulsando aquí.

Helene Berg (Helene Nahowski) - Arnold Schoenberg

2011-11-06T01:07:00.001Z

De Arnold Schoenberg dijo una vez el pintor Wassily Kandinsky: "Schoenberg no pinta para representar algo bonito o seductor sino que pinta sin ni siquiera pensar en la propia pintura".

Esta afirmación de Kandinsky no deja de ser cierta si nos atenemos a que Arnold Schoenberg (Viena, 1874-Los Ángeles, 1951), compositor ilustre y padre de la música dodecafónica, empleaba la pintura como una forma de relajación, como una expresión de sus sentimientos que él convertía en pinceladas de la misma forma que, en otros momentos, los trasformaba en notas músicales que se añadían lentamente a sus geniales composiciones sinfónicas.

La obra pictórica de Schoenberg tiene una base autodidacta aunque él recibiría clases durante algún tiempo de su amigo, el pintor vienés expresionista Richard Gerstl, pintor que había realizado varios retratos de la familia del compositor y del que acabaría enamorándose la mujer de Schoenberg lo que provocaría el abandono de ella, su posterior vuelta y como consecuencia, el suicidio de Gerstl en 1908.

Entre la producción de Schoenberg figuran una serie de autorretratos que el pintará desde 1906 a 1936 y en los que destaca la profunda mirada con que él se va retratando a lo largo de los años. Otra parte interesante de su obra la constituye la inquietante serie "Visión", un grupo de pinturas en las que insiste en plasmar también la mirada pero, en este caso, la de unos ojos solitarios que parecen escudriñar y penetrar en el espectador. También pintará a su familia y a varios de sus amigos de la Viena de principios de siglo entre los que estarán Gustav Mahler, Anton Weber, Richard Mandl, Alban Berg y su mujer Helene Berg.

En el cuadro que hoy traemos, Schoenberg retrata de soltera a Helene Nahowski, una estudiosa del bel-canto e hija ilegítima fruto de las relaciones del emperador austríaco Francisco José con una burguesa llamada Anna Nahowski. Unos meses más tarde de pintado este cuadro Helene Nahowski casaría en 1911 con el discipulo aventajado de Schoenberg, el también compositor Alban Berg.

Por su matrimonio con Berg se introduciría Helene en el mundo cultural, depravado y burgués de la Viena de los años 20 y tomaría contacto con los personajes que en él se movían tales como el escritor Peter Altenberg para cuyos escritos compondría Alban Berg una obra, los arquitectos Walter Gropius y Adolf Loos, los pintores Gustav Klimt y Oscar Kokoschka, el escritor y periodista satírico Karl Kraus, el compositor Alexander von Zemlinsky y la viuda de Gustav Mahler, Alma Mahler.

Será Alma Mahler casada nuevamente, esta vez con un escritor checo llamado Franz Werfel, la que introduzca la desestabilización en las relaciones entre Berg y su mujer Helene al presentarle en 1925, con motivo de una representación musical celebrada en Praga, a su cuñada Hanna y de la que Berg se enamorará profundamente. Su amor permanecerá en el secreto durante años y Berg llegara a escribir la famosa "Suite Lírica" concebida de un modo programático para relatar musicalmente y en clave todo lo vivido por él desde que conoce a Hanna hasta la depresión que le provoca vivir separado de ella. En dicha suite Berg utiliza sus iniciales y las de Hanna para realizar sus claves melódicas cifradas.

Al parecer, Helene llegó a conocer en vida de su marido el secreto de su relación gracias a ciertas informaciones relacionadas con la citada suite y que le trasmitiría un medico amigo de ambos llamado Martin Rothe, el cual, se estima, sentía una especial debilidad por Helene.

En diciembre de 1935 moría Alban Berg debido a una septicemia y después de unos meses de tratamiento por parte del doctor Martin Rothe para mitigar los efectos de un cuadro alégico generado por la picadura de una abeja. Se sabe que estuvieron acompañándole hasta el último momento, su mujer Helene y el citado Martin Rothe.

Con su muerte, Alban Berg dejó inconclusa una ópera llamada "Lulú" - aunque sí resuelto el esquema musical - en la que al parecer también expresaba en clave sus sentimientos hacia su secreto amor.

Helene Berg, se negó rotundamente a que la obra fuera terminada y hubo que esperar a su muerte en 1976 para que la completase el compositor austríaco Friedrich Cerha siendo estrenada en la Ópera Garnier de Paris en 1979. Como cuenta Santiago Martín Bermúdez en su magnífico relato "Lulú Angel mío" tal vez el anciano y maquiavélico Martin Rothe era aquel que contemplaba emocionado desde su sombrío palco como la protagonista principal, Lulú, convertida en una prostituta callejera, moría junto a su única amiga, la Condesa Geschwitz a manos de Jack el Destripador.

Este cuadro pintado en 1910 se conserva en el Historisches Museum der Stadt Wien, de Viena.

Puedes ver una selección de la obra de Arnold Schoenberg en este video

Christina’s World - Andrew Wyeth

2011-11-01T21:44:00.007Z

Si se visita New York por primera vez, hay tres cosas que está uno casi obligado a ver antes de nada: la Estatua de la Libertad, la vista desde el último piso del Empire State Building y el cuadro que hoy traemos a este blog y cuyo original cuelga de una de las paredes del Museo de Arte Moderno (MOMA).

Este cuadro, un icono dentro de la cultura popular estadounidense, solo es comparable en popularidad al “Gótico americano”, el cuadro pintado por Grant Wood y sobre el que escribimos algo aquí, hace ya algún tiempo. Baste decir que, en 2006, una retrospectiva de la obra de Andrew Wyeth en el Museo de Arte de Pensilvania, fue visitada por más de 175 mil personas en un período de menos de cuatro meses lo que representa un récord jamás igualado en la obra de un pintor vivo.

“El mundo de Cristina” fue pintado por el pintor de Pensilvania, Andrew Wyeth, en el año 1948 en los alrededores de su residencia de verano en Cushing, en el estado de Maine. En este cuadro, Wyeth retrata de espaldas a una mujer vestida de rosa y que parece arrastrarse por una pradera en dirección a una misteriosa casa que aparece lejana, allí en el horizonte. De la simple observación del cuadro no se puede definir la edad de la mujer ni tampoco averiguar si se encuentra en una situación de incapacidad que la impida llegar hasta la casa que ella parece contemplar. Solo destacan, la tremenda soledad de su entorno y la fragilidad aparente de sus delgados brazos en los que descarga el peso de su torso erguido.

Que hace esta mujer y que nos quería contar el pintor con este misterioso cuadro. Eso, lo explicó al mundo el propio Andrew Wyeth.

En este cuadro, él había querido representar a Christina Olson, una vecina a la que había conocido a través de su mujer y que vivía sola con su hermano Álvaro en la casa que aparece en el cuadro. Christina, era una mujer con una incapacidad motora producida por una poliomielitis que la había afectado en su juventud y que no se resignaba a permanecer sentada todo el día ni a usar una silla de ruedas para sus desplazamientos prefiriendo arrastrarse por el campo de donde recogía pequeños ramilletes de flores para adornar su casa.

Realmente, la mujer que aparece en el cuadro no es la propia Christina Olson. En esas fechas, ella tenía ya 55 años y para el detalle de su torso Andrew Wyeth usó a su esposa Betsy como modelo queriendo mostrar con este cuadro el sentimiento de admiración que él había llegado a sentir por aquella mujer.

A Christina la pintó en numerosos cuadros y también a su limitado mundo formado este por su hermano, por aquellas praderas y por esa grande y destartalada casa en la que los dos hermanos le llegaron a habilitar un estudio y desde el que Wyeth pintaría con ojos de voyeur el mundo que se filtraba a través de aquellas ventanas a las que él definió como unos gigantescos ojos, ojos como pedazos del alma, casi.

Christina Olson murió en 1969, algunos años después que su hermano Álvaro y está enterrada junto a él en el cementerio que existe a espaldas de la casa y en el que también descansa Andrew Wyeth por expreso deseo del mismo. La casa, construida en 1700 y reformada con su aspecto actual en 1871 por un antepasado de los Olson, está declarada desde junio de 2011 Monumento Histórico Nacional y forma parte actualmente del Farnsworth Art Museum, un museo con una de las colecciones más grandes de pintura de la familia Wyeth, toda una saga de artistas.

Puedes ver más obra del pintor realista Andrew Wyeth en este video o visitando su página Web.

Blue umbrella nº 2 - Alex Katz

2011-10-23T20:57:00.002+01:00

El año pasado, con motivo de una visita a la ciudad de Viena allá por el mes de junio, coincidí con la exposición que se celebraba en el Museo Albertina sobre una muestra de la obra gráfica de Alex Katz (New York, 1927) y recuerdo que la profusa propaganda de la exposición colocada en las banderolas situadas por numerosas partes de la ciudad, se inscribía sobre la reproducción del cuadro que hoy visitamos por lo que no puedo evitar asociar aquel viaje a Viena con el rostro de esa mujer de mirada melancólica refugiándose de la lluvia bajo un paraguas azul como si del anuncio de una película de los años cincuenta o sesenta se tratase.

En realidad, algo de anuncio de película tenían los cuadros que Alex Katz pintaba entre los años 60 y principio de los 80, periodo al que corresponde este cuadro. La reciente aportación de la técnica del cinemascope y las grandes pantallas sobre las que se proyectaban las imágenes hacen que Alex Katz comience a fabricar unos lienzos cada vez más grandes en los que la dimensión horizontal dominará en exceso a la vertical. Los temas también estarán influenciados por el mundo del cine y por sus primeros planos. La actriz favorita que él pintará constantemente en todo tipo de papeles será su modelo, musa y también esposa, Ada del Moro.

A Ada del Moro, una eminente oncóloga del Sloan-Kettering de Nueva York, la conoció Alex Katz en 1957 casándose con ella un año después. Desde entonces y hasta la fecha, Alex ha retratado ininterrumpidamente a su mujer en el papel de bailarina, nadadora o como modelo icónico de la elegancia y el glamour. Se estima que Ada aparece en más de trescientos lienzos aunque el propio Alex reconocía desconocer el número aproximado de los retratos hechos a Ada. De ella escribió el crítico Irving Sandler: "Ada es mujer, esposa, madre, musa, modelo, presentadora sociable, mito, icono, y la diosa de Nueva York."

En el cuadro que hoy traemos, Ada aparece con un paraguas azul en una imagen que algunos han querido identificar con un fotograma de la pelicula de Fellini “La Dolce Vita” tal vez, por aquello de que tanto este director como Antonioni, Godard o Fassbinder eran considerados por Alex Katz como sus directores de cine preferidos.

La imagen es un primer plano totalmente cinematográfico y bien podría ser cierto que su inspiración provenga de "La Dolce Vita" pero nada nos puede impedir pensar en "Breakfast at Tiffany’s" o en "Les Parapluies de Cherbourg".

Ada, a través de su imagen, nos acerca a todas aquellas estrellas del maravilloso mundo del cine y podemos ver reflejadas en ella a Joan Crawford, Jeanne Moreau, Catherine Deneuve, Audrey Hepburn, Anita Ekberg o tantas otras con las que disfrutamos y a las que amamos en silencio. Aquí, el cine se convierte en pintura y la pintura nos lleva al cine. Una maravillosa simbiosis de dos artes y que nos devuelve a aquellos tiempos en que las carteleras de los cines eran unas auténticas obras de arte que colgaban gigantescas de las fachadas de los mismos como artístico reclamo para el espectador.

Este cuadro pintado en 1972 pertenece a una colección privada en Nueva York.

Si desea ver un video con una muestra de la obra de Alex Kaz pulse aquí.

La tailleuse de soupe - Francois-Emile Barraud

2011-10-16T18:09:00.000+01:00

Francois - Emile Barraud (1899-1934) fue un pintor suizo nacido en La Chaux-de-Fonds de padres relojeros siendo el mayor de cuatro hermanos, todos ellos artistas.

Después de estudiar Bellas Artes en La Chaux-de-Fonds participó con gran éxito en la Exposición Nacional de Bellas Artes de Basilea lo que le animaría a marchar en 1922 a Reims (Francia) y posteriormente a París donde trabajaría como artista y como artesano. Allí conocería a su futura mujer, Marie, una francesa con la que casaría en 1924 y que sería su modelo en gran parte de su obra.

Estudioso de la pintura en el Louvre, formaría también parte del movimiento Neue Sachlichkeit (La gran Objetividad), movimiento nacido en Alemania como rechazo al expresionismo y del que algunos de su principales representantes han desfilado por este blog (Christian Schad, Georg Scholz, Otto Dix, Otto Griebel, etc).

Su muerte en Ginebra a los 35 años a causa de la tuberculosis que arrastraba desde hacía años, malogró la carrera de este gran pintor del que se conoce muy poca obra y la que se conoce está en manos de coleccionistas privados o en los almacenes de algunos grandes museos.

En este cuadro, pintado en 1933, solo un año antes de su muerte, titulado “La tailleuse de la soupe” y que algunos maltraducen al español como “La sopa de la costurera” o “La costurera de la sopa” olvidando el verbo “tailler” (cortar, tallar), Barraud nos muestra a una adolescente que sentada a la mesa sobre la que humea una gran sopera, mira hacia el espectador con gesto de malhumor mientras su madre (tal vez) sentada enfrente de ella corta rebanadas de pan mientras esboza una indisimulada sonrisa.

El cuadro, tiene ese toque de misterio mezclado con la pizca de surrealismo que envuelve muchos de los cuadros de Barraud. No sabemos que ha sucedido unos momentos antes de esta escena y cuál ha sido el motivo para que la niña-adolescente, tocada con su gran lazo naranja, evite observar el casi descuartizamiento de la hogaza que la madre lleva a cabo llenando sus platos de finas rebanadas sobre las que verterá la caliente sopa dentro de unos instantes.

La modelo que hace de madre aparece en varios de los cuadros de Barraud y es tal vez Marie, su mujer, y con la que él se autorretratará en muchas escenas en las que se le puede ver pintando un desnudo ante su mirada aprobatoria o contemplando unos sellos mientras ella le acaricia el pelo.

De la adolescente no sabemos nada. Su mirada nos recuerda a las de esas adolescentes asomando a la pubertad pintadas por el francés Balthus y que ya se podían ver en la “Gallerie Pierre” de Paris ese año de 1934, el mismo año en que Barraud fallecía demasiado joven.

Parte de su obra más conocida se puede ver en este video.

Travesuras de una modelo - Raimundo de Madrazo

2011-10-06T20:06:00.003+01:00

Yo no sé si la pasión que todo artista debe sentir por su musa o modelo permitirá que esta pueda jugar con las cosas de comer. Creo que no. Una cosa es amar y otra es que te destrocen tu trabajo aunque sea por una pequeña travesura invadiendo tu personal mundo creativo.

Por eso, creo que el pintor Raimundo de Madrazo inventa esta escena, en la que una joven modelo aprovecha la ausencia del pintor para pintar un monigote en el iniciado lienzo del artista, con el fin de generar una tremenda ansiedad en el espectador. Una ansiedad que se siente al observar el terrible desastre que está organizando esta mujer y cuyas consecuencias para ella pueden ser imprevisibles.

Esta ansiedad es la que conseguirá que la imagen quede en nuestra retina y que nunca olvidemos su cara, su travesura y sobre todo el lienzo.

Ella es Aline Masson, la que sería modelo preferida de Madrazo así como su amante durante un periodo importante de su vida.

Aline Masson era una parisina, hija del conserje del palacio del marqués de Casa Riera en París, propietario también este último, de un palacio en Madrid situado al lado del actual Circulo de Bellas Artes y en el que nunca llegaría a habitar - según relata Pedro Repide - ya que siempre vivió en París.

Las relaciones de Raimundo de Madrazo, como retratista de la alta burguesía parisina de finales de siglo, le llevarían a conocer a esta bella mujer a través de sus visitas a la casa del marqués quedando prendado de su belleza lo que le haría contratar a Aline como modelo, una modelo que figurará en una parte destacada de su obra.

Raimundo de Madrazo retratará a Aline Masson en multiples escenas y con diferentes atuendos. Vestida integramente de azul, disfrazada de carnaval, con mantilla blanca, leyendo cartas de amor, tomando un chocolate caliente, vestida de novia, sosteniendo un sombrero, reclinada en un sofá y así en decenas de cuadros destacando en todos ellos sus gruesos y sensuales labios e imprimiéndola siempre un aire hispano-andaluz a pesar de su origen parisino.

Raimundo de Madrazo, pintor del realismo burgués, hijo y nieto de la saga de los Madrazo y cuñado de Mariano Fortuny, nació en Roma en 1841 desarrollando prácticamente toda su actividad artistica en París donde murió en 1920.

Su obra, muy apreciada durante su gestación y comprada por clientes europeos y americanos, está desperdigada por el mundo.

A Aline Masson la podemos ver en dos obras que posee el Museo del Prado, “Aline con mantilla blanca” y “Retrato de Aline Masson” y en esta que hoy hemos traído a este blog y que se encuentra en el Museo Carmen Thyssen Málaga como parte del depósito de la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza.

Un agradable video sobre las mujeres en la obra de Raimundo de Madrazo se puede ver pulsando aquí

Acts of Mercy; Orphans II - Frederick Cayley Robinson

2011-09-27T17:52:00.002+01:00

Frederick Cayley Robinson (1862-1927) fue un pintor inglés nacido en el distrito de Brentford, (Londres), enclave perteneciente a lo que antes era el antiguo condado de Middlesex.

Su obra, no demasiado conocida, recoge influencias de Fra Angélico, Puvis de Chavannes y principalmente de la Hermandad Prerrafaelita a través del pintor Edward Burne-Jones. Sus primeras obras estuvieron dedicadas al mar y a la luz de las zonas costeras y fueron pintadas en un barco en el que estuvo viviendo y navegando a finales de la década de 1880. Se movería después por Europa, estudiando durante tres años en París y después en Florencia y Cornualles para establecerse finalmente en Londres donde pasaría a formar parte de la Real Sociedad de Artistas Británicos y del nuevo Club Inglés de Arte en 1912. La pintura de Frederick Cayley lleva una fuerte carga simbolista, incluidas sus obras dedicadas al mar y se le ha llegado a considerar como uno de los primeros padres del realismo inglés.

El cuadro que hoy traemos a este blog fue pintado por Cayley para decorar el viejo Hospital de Middlesex (Londres) junto con otros tres grandes cuadros comisionados todos ellos en 1910 por Sir Edmund Davis, un rico australiano asentado en Londres, dueño de una serie de compañias mineras establecidas en medio mundo, coleccionista enamorado de los prerrafelitas y un mecenas de los pintores ingleses de principios del siglo XX.

El viejo Hospital de Middlesex (Londres) se construyó en 1745 con el fin de prestar tratamiento médico a los pobres a través de fondos de suscripciones públicas y al que más tarde se le añadiría un ala para maternidad, funcionando posteriormente también como lugar de cobertura hospitalaria a pacientes huérfanos. Más recientemente se convertiría en hospital-centro de enseñanza médica universitaria.

Los cuatro cuadros pintados por Frederic Cayley, dos con motivos referentes a la orfandad y otros dos en los que se toca el tema de la atención a los heridos en la 1ª Guerra Mundial, se colgaron hacia 1915 en las paredes de este hospital, justo en el vestíbulo del mismo, quedando como un símbolo y homenaje a las personas e instituciones que a través de su desinteresada aportación y trabajo ayudaban a todos esos seres dolientes o afligidos que Cayley retrata en estos cuadros.

Este "Orphans II" es un cuadro en el que se refleja la tremenda soledad y la tristeza de un grupo de niñas huérfanas, tal vez acogidas en uno de estos centros, mientras reciben su diario desayuno.

La mirada de una de ellas hacia el espectador parece romper la sensación de incomunicación que existe en el grupo, e intenta trasmitir a través de la seriedad de su rostro el vacío que inunda el que debería ser su bello mundo de la adolescencia. La lámpara, tal vez innecesaria a juzgar por la luz que comienza a colarse por el pequeño ventanal, pone ese toque de misterio y de dramatismo casi teatral al que tan aficionados eran los prerafaelitas.

El Hospital de Middlesex sufrió una serie de reformas y restructuraciones cerrándose en diciembre de 2005. El edificio principal fue demolido en la primavera de 2008. Antes de la demolición del hospital, este cuadro y el "Orphan I" fueron comprados por la Wellcome Trust - fundación destinada a la investigación biomédica - colocándolos en la entrada de su Wellcome Library que es parte de la Wellcome Collection en Euston Road, junto al University College Hospital.

En octubre del año pasado, este lienzo y sus tres compañeros, fueron prestados a la National Gallery para una exposición que tuvo gran éxito al recordar a este gran pintor inglés, poco menos que desaparecido, y a todos los que contribuyeron de alguna manera en aquellas maravillosas Obras de Caridad.

Se puede ver un magnífico video relativo a esta exposición en la página de la BBC pulsando aquí

D'où venons-nous ? Que sommes-nous ? Où allons-nous ? - Paul Gauguin

2011-09-23T18:42:00.003+01:00

El pasado 15 de junio el eminente físico John Ellis, uno de los sabios que trabajan en el CERN de Ginebra, en el Gran Colisionador de Hadrones a la búsqueda de nuestros orígenes, impartía en Grenoble una magnifica conferencia (ver vídeo) con el título “Un universo de partículas: Respuesta a las preguntas de Gauguin”

Han pasado más de cien años desde que Paul Gauguin plantease sus preguntas: ¿De dónde venimos? ¿Qué somos? ¿A dónde vamos? pero, todavía, John Ellis no puede dar respuesta a las mismas, al menos a todas. Tal vez, cuando aparezca esa llamada “Particula Divina” que se busca con ilusión en ese gigantesco acelerador de particulas de Ginebra, el ser humano tenga la respuesta a esas cuestiones que Gauguin rotulaba hace más de cien años en la esquina izquierda de este gigantesco cuadro que él mismo consideró como su testamento artístico.

En 1895 Paul Gauguin había regresado por segunda vez a Papeete, la capital de Tahití, después de haber pasado una temporada en París y de hacer una visita en Copenhague a su primera mujer la danesa Mette Sophie para iniciar los trámites de separación. Su salud era cada vez más delicada resintiéndose de una fractura mal curada producida el año anterior durante una pelea en un bar de Concarneau, de una enfermedad de la piel, de problemas cardiovasculares y de una sífilis contraída poco antes de volver a la Polinesia. A sus dolencias había que unir la mala situación económica en la que se encontraba debido al fracaso de las ventas de su pintura por lo que, la llegada en la primavera de 1897 de la noticia de la muerte de su hija de 21 años, Aline, le llevó primero a la depresión y después a la desesperación llegando a afirmar: "Mi hija ha muerto. Ya no quiero a Dios."

Inicia en diciembre de ese mismo año y sumergido en esa tremenda desesperación, el que quiere que sea su testamento artístico antes de suicidarse, decisión que ha tomado y que confesará meses después en una carta dirigida a su amigo Daniel de Monfreid. En esa misma carta, el describe este cuadro y el significado de los personajes y elementos que integran el mismo y que personifican la vida, el drama, las dudas existenciales y tal vez la esperanza de un más allá, cuestiones que acosan en aquellos momentos de forma brutal a Gauguin.

Según Gauguin, y de acuerdo a lo que también le explica en 1901 a Charles Morice - uno de sus primeros biógrafos - sobre la génesis de su cuadro, este debe leerse de derechas a izquierda pues de esa forma está representada la evolución de la vida: “....la composition qui se lit de droite à gauche, de la naissance à la mort.”

Así, en el extremo derecho, un niño recién nacido duerme al lado de tres jóvenes indígenas simbolizando el origen del ser humano y la etapa de la juventud. A sus espaldas, dos misteriosos personajes vestidos de color púrpura y situados detrás del arbol de la ciencia - según indica el propio Gauguin- parecen conversar, tal vez, sobre los misterios de la vida mientras cerca de ellos, una mujer sentada levanta un brazo y les observa tal vez sorprendida al ver a esos extraños personajes deliberando sobre sus propios destinos y poniendo una nota de preocupación en el entorno paradisíaco.

En el centro del cuadro una figura andrógina - ¿Quienes somos? - coge un fruto del arbol de la ciencia, simbolo del pecado original y del mundo de los adultos. Sentado en el suelo y rodeado de gatos y de una cabra un niño come otro fruto.

Cerrando el ciclo de la vida y de la muerte una vieja, casi una momia, parece taparse los oídos para no escuchar ya la tentación al pecado proveniente de las vanas palabras del pájaro blanco situado a su lado: “Junto a la muerte de una vieja, un pájaro extraño y estúpido lleva todo a su final”. Es la muerte pero también el renacer pues la mujer situada al lado de la vieja y apoyada en un brazo es Vairaumati, la que según la leyenda mahorie engendró al primero de los “arioi”, una sociedad privilegiada dedicada al amor y a la guerra que luego sería divinizada.

Dominando el paisaje idílico al fondo del cual se divisa el mar, el ídolo - el simbolo del Creador o del Más Alla - contempla el ciclo desde su pedestal añadiendo al cuadro ese sentimiento religioso de Gauguin que le inducirá a colocar en sus obras a muchos de los dioses de la cultura mahorie, como hace con la diosa Hina, la diosa de la luna y a la que representará en sus cuadros “Mata Mua”, “Hina Maruru” y “Mahana no Atua”, con Oro el dios del sol y con Tangaroa, el Creador.

Gauguin pintó febrilmente este cuadro durante diciembre de 1897 y enero de 1898 y una vez terminado intentó suicidarse como se había propuesto antes de comenzar su obra: “J'y ai mis là, avant de mourir, toute mon énergie, une telle passion douloureuse dans des circonstances terrible et une vision tellement nette, sans correction, que le hâtif disparaît et que la vie surgit”. Una alta dosis del mismo medicamento que el usaba para sus problemas de piel será la que ingerirá con el fin de matarse, pero, será su estómago el que rechace esa dosis mortal y provoque el vómito salvando a Gauguin de esa muerte deseada.

Paul Gauguin moriría unos años después, en 1903, víctima de un ataque cardíaco.

Esta obra maestra, que hace pensar a los necios y a los sabios acerca de las cuestiones fundamentales de la existencia del ser humano se conserva en el Museum of Fine Arts de Boston.

Pulsa aquí si quieres ver un agradable vídeo sobre parte de la obra pictórica de Paul Gauguin.

Kalitkás (Mujer con una jaula) - Rippl-Rónai József

2011-09-16T10:09:00.001+01:00

En el mismo lugar donde antes se alzaba el palacio real entre cuyas paredes paseaba durante sus estancias en Budapest la anoréxica y amargada Emperatriz de Austria y Reina Consorte de Hungría, Isabel de Wittelsbach, conocida familiarmente como "Sisi", se ubica la Magyar Nemzeti Galeria (la Galería Nacional Húngara).

En la segunda planta de este gran museo y flanqueada por obras de otros dos grandes pintores del movimiento de Secesión húngaro como son Janos Vaszary y Lajos Gulacsy se encuentra esta famosa obra de Rippl-Rónai, reproducida en casi todas las guías de turismo sobre Budapest y en la que aparece una mujer en una habitación en penumbra sosteniendo entre sus manos una jaula en cuyo interior se encuentra un pajarillo, seguramente un canario, que parece mantener la mirada con la de su amorosa carcelera.

El lienzo, de gran tamaño y debilmente iluminado por los focos instalados en la sala, pone de manifiesto y aumenta la negrura base del cuadro perteneciente a la primera época de lo que se definió como el periodo o la “edad oscura” del Art Nouveau. Tan solo, como si de una figura espectral se tratara, destacan las blanquísimas manos así como el rostro de la mujer que parecen iluminados por una luz cenital o exterior al ambiente lo que provoca en el espectador la inevitable concentración en esas partes del cuerpo de la mujer y en el pajarillo que tambien resulta iluminado consiguiendo que el decorado auxiliar consistente en un oscuro y azulado sofá y una olvidada silla pasen totalmente desapercibidos.

La esbeltez de la mujer y en particular la espiritualidad de la escena contrasta con el pesado ropaje que arrastra por el suelo y que parece tirar de la protagonista hacia atrás poniendo en peligro el punto de equilibrio en que parece encontrarse la jaula suavemente sostenida, casi acariciada por las blancas manos de la mujer.

Del cuadro se ha dicho que tiene una alta carga erótica al provocar que las manos y la cara se conviertan casi en objetos del deseo y también que esta imagen representa el descubrimiento del mundo de los sentidos (Jozsef Vadas) pero, lo evidente es que es un cuadro que atrae y del que cuesta apartar la mirada ante la misteriosa imagen que nos presenta. En el museo donde se expone, allí en la colina de Buda, un pequeño banco de dos plazas situado enfrente de él permite sentarse y contemplar con detenimiento esas largas y blancas manos y ese perfil de mujer que observa entre cabizbaja y enigmática a su resignado prisionero.

Esta obra fue pintada en París en 1892 en el periodo que el pintor húngaro Rippl -Rónai József pasó en Francia después de sus años de aprendizaje en Munich y es su obra más importante junto con su “Mujer con vestido de lunares blancos” (Nö feher pettyes ruhában) también pintada en 1892.

Benefits Supervisor Sleeping - Lucian Freud

2011-07-26T16:59:00.001+01:00

El pasado 21 de julio moría en Londres a los ochenta y ocho años de edad el pintor alemán Lucian Freud.

Nieto de Sigmund Freud, era el pintor vivo más cotizado del planeta siendo gracias a su actividad pictórica, solo interrumpida por la muerte, un pintor multimillonario cuya herencia se disputarán sus numerosos hijos reconocidos y seguramente los no reconocidos, los cuales se estima que superan a los primeros.

Considerado el mejor pintor realista de la segunda mitad del siglo XX, es famoso por sus desnudos en los que, al igual que en los de su amigo Francis Bacon, la carne desborda el lienzo y parece ofertarse como género de carnicería con la diferencia de que, el carnicero Bacon nos ofrece una carne púrpura, sangrante y como diseccionada tras una autopsia y Lucian Freud nos la muestra cicatrizada, casi en proceso de regeneración o de crecimiento en placas.

Hombre apasionado, entregado a su arte y a lo que la vida le ofreciese, participó de esta con su tremenda vitalidad, la misma que se refleja en sus cuadros. La bebida, el juego, las mujeres y la pintura fueron sus grandes pasiones a lo largo de su vida siendo la pintura la que realmente mantendría con la misma intensidad hasta el final.

“Benefits Supervisor Sleeping” fue pintado en 1995 y es tal vez su obra más famosa debido a que en una subasta de Christie’s celebrada en el 2008 en Nueva York esta obra alcanzó la cifra de 33,6 millones de dólares, cifra récord para una obra de un artista vivo.

En este cuadro se ve a una gruesa mujer llamada Sue Tilley que dormita acostada sobre un destartalado sofá de flores que parece contener a duras penas la carne desbordante que mana de su vientre y de sus pechos. Su brazo izquierdo aferrado al respaldo del sofá acrecienta esa sensación de inestabilidad produciendo una especie de intranquilidad en el espectador que presagia la inminente caída de la durmiente.

Sue Tilley era, cuando Lucian Freud la pintó, una joven trabajadora empleada en el Departamento de Trabajo y Pensiones inglés en el West End de Londres que alternaba sus jornadas de trabajo con la diversión y la música que le ofrecían las noches de "Taboo" la famosa discoteca de Leicester Square. Allí había conocido en la década de los ochenta a Leigh Bowery un artista australiano y personaje destacado como cantante, modelo, diseñador excentrico, animador y relaciones públicas del club e individuo que se codeaba con personajes del mundo de la moda y el arte de la talla de John Galiano, Alexander Mc Quenn, Boy George y el propio Lucian Freud el cual le retrataría en una serie de desnudos entre los años 80 y 90.

Fue el propio Leigh Bowery, conocedor de los gustos de Lucian Freud por las formas rotundas, el que le presentó a Sue Tilley proponiéndole el pintor que posase para él. Sue Tilley fue modelo de Freud durante más de cuatro años en la década de los noventa quedando inmortalizada en varios retratos. En el que hoy vemos, la propia Sue cuenta que posó durante nueve meses en agotadoras sesiones diarias, varias veces a la semana. Como toda la obra de Freud la gestación fue lenta, rascando lo pintado y volviendo a repintar, añadiendo carne a la carne en una especie de proceso progresivo de trasplantes realizados a base de golpe de espátula.

Cuando en el 2008 el cuadro fué adquirido en la subasta de Christie’s por el magnate ruso Roman Abramovic, Sue comentó en una entrevista de la BBC que: "Yo nunca imaginé que un día uno de mis cuadros sería el más caro del mundo pero se ha convertido en una especie de imagen icónica. Es muy emocionante y como yo no tengo hijos es maravilloso pensar que un poco de mí va a durar para siempre".

Con motivo de la muerte de Freud, Sue decía hace unos días en otra entrevista de la BBC que "Aunque no éramos grandes amigos y no nos habíamos visto desde hace mucho tiempo, me siento como si una parte de mi vida se haya ido con él."

Sue, sigue trabajando en Londres como directora del Departamento de Trabajo y Pensiones y hace unos meses publicó una biografía de su amigo Leigh Bowery titulada "Leigh Bovery: la vida y obra de un icono".

Más obra de este pintor se puede ver en este video homenaje a Lucien Freud.

Agostina Segatori sentada en el Café du Tambourin - Vincent van Gogh

2011-07-19T20:58:00.001+01:00

Vincent Van Gogh estuvo una temporada en París entre 1886 y principios de 1888 antes de marchar a Arlés donde pasaría prácticamente los dos últimos años de su vida.

Durante su estancia parisina, Vincent se alojó en el barrio de Montmartre, en un apartamento cercano al Boulevard de Clichy y que compartiría con su hermano Theo.

Allí, en el nº 62 del Boulevard de Clichy, existía un café-cabaret llamado el Café du Tambourin (El cafe de La Pandereta) regentado por una italiana llamada Agostina Segatori y que se convertiría en lugar de reunión de Vincent con los pintores que vivían en sus proximidades como eran Gauguin, Lautrec y Norbert Goeneutte y con otros tales como Paul Signac Émile Bernard, Pierre Seurat, Pisarro y Paul Cezanne.

Agostina Segatori había llegado a París en la década de los 60/70 de la mano del pintor Jean Baptiste Corot que la había descubierto como modelo durante un viaje suyo a Italia convirtiéndose poco después en modelo favorita de pintores como Jean-Léon Gérôme, Edouard Manet, Edgar Degas y Edouard Dantan entre otros. Con el dinero que fue ahorrando como modelo había abierto en 1885 un cabaret en la calle Richelieu para trasladarse ese mismo año al Boulevar de Clichy y abrir allí el Café du Tambourin.

El local, decorado con la ayuda de sus muchos amigos pintores como Gauguin, Goeneutte, Lautrec y Nemo que habían pintado las mesas y sillas diseñadas en forma de pandereta con hojas, flores y frutos se convirtió pronto en lugar de cita de la bohemia artística del barrio y al parecer, también, en el de gentes de los bajos fondos que utilizaban el local como centro de reunión para preparar sus fechorías y que arrojarían una mala reputación al local.

La Segatori y una joven camarera, ataviadas con trajes regionales de la Ciociaria, lugar del que era oriunda Agostina, recibían y atendían a sus clientes entre los que pronto figuraría como habitual Vincent Van Gogh y del que se sabe que llegó a tener una relación sentimental con La Segatori y también una relación de dependencia alimentaria pues su comida en el Tambourin quedó asegurada a cambio de un número de telas al mes que iban pasando a manos de Agostina.

El Tambourin también fue lugar de exposiciones. Van Gogh realizó una exposición colectiva en 1887 con Èmile Bernard, Paul Gauguin y Toulouse-Lautrec en dicho local pero la exposición fue un fracaso y además terminó con una reyerta en la que Vincent resultó herido por un individuo que se cree, era el nuevo amante de La Segatori y que supuso también el final de la breve relación sentimental entre ambos.

El local fue cerrado y embargado unos meses después y toda la produción pictórica colgada en sus paredes fue tasada junto con el resto del local a un precio ridículo.

Van Gogh pintó a Agostina Segatori en al menos dos ocasiones en 1877, una en el cuadro que hoy visitamos y en otro titulado "La italiana" en la que aparece sentada en una silla con dos claveles en una de sus manos y ataviada con su traje regional de La Ciociaria.

En el del Cafe du Tambourin, Agostina fuma sentada en una de las "mesas pandereta" del local mientras bebe su segunda cerveza a juzgar por el numero de platillos que hay debajo de la jarra. En la pared se adivinan unas estampas japonesas a las que tan aficionado era Van Gogh y de las que también se llegó a realizar una exposición en el Tambourin.

Agostina Segatori murió en 1910 en su casa de la Place du Tertre, en pleno Montmartre, llevándose con ella los secretos de su corta relación con aquel loco genial que fue Vincent Van Gogh.

Este cuadro se puede contemplar en el Van Gogh Museum de Amsterdam.

Más información sobre esta obra en este video.

Retrato de Sonia Klamery - Hermenegildo Anglada-Camarasa

2011-07-15T12:17:00.000+01:00

“Pavos reales azules, con su cola de fuego, legumbres líricas que herborizan entre los árboles, rosas blancas del tamaño de lo monstruoso y guirnaldas desconocidas como collares flojos en el cuerpo de la noche. La bella lleva el pelo en caracolillos sobre la frente, la ropa en una envoltura de objetos, miniaturas y colores, y ha hecho su hamaca de pájaros rayados y flores violeta. La bella lleva los hombros desnudos, los brazos y el torso blancos como la noche, tomados de luz de luna, y los ojos grandes, excesivos, ojos nocturnos que iluminan una nariz breve y una boca roja. La bella es Sonia de Klamery, condesa de Pradère”.

Así describía este cuadro el ilustre Francisco Umbral, allá por el 2003, en uno de sus articulos literarios dedicados al pintor catalán Anglada-Camarasa.

¿Quién era esta bella de los hombros desnudos, a la que tan poéticamente describe Umbral.?

No lo sé. Umbral no nos cuenta nada más sobre ella y yo no encontré más datos sobre su vida para poder incluirlos en esta entrada a excepción de que ostentaba el título de Condesa de Pradere y que Anglada Camarasa la pintó en al menos dos lienzos, en este y en otro en el que aparece de pie tocada con un mantón negro con flecos que la cubre desde la cabeza, estando situada también en un romántico jardín donde floridas enredaderas trepan por los árboles.

Seguramente, a Sonia Klamery la conocería en su época parisina, tal vez en su estudio de Montmartre, estudio que no abandonaría hasta 1914, un año después de pintado el cuadro que hoy comentamos.

Anglada Camarasa pasará por el impresionismo, el modernismo y el fauvismo y en este cuadro se nota fuertemente la influencia del movimiento de la Secesión Vienesa y en especial de Gustav Klimt del que fagocitará su colorista retrato de Adele Bloch-Bauer (ver aquí) en plena ebullición fauvista para trasladarlo a su Sonia de Klamery.

Anglada Camarasa fue el gran pintor olvidado. Instalado en su estudio de Pollensa desde 1914 se dedica a pintar paisajes y bodegones pasando la guerra civil española oculto en Monserrat y la Segunda Guerra Mundial en Pouges-les-Eaux (Francia) muriendo en 1959 en Pollensa.

La valía y el reconocimiento mundial de Anglada-Camarasa aumentan cada día que pasa poniendo de relieve su categoría como pintor. Su retrato de Sonia Klamery (echada), considerado una de sus mejores obras, se conserva en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid. Desde las paredes de este museo, Sonia, vestida con su elegante y colorista traje largo y tocada con sus sensuales medias de seda y sus zapatos de tacón, nos mirará siempre seductoramente. Como escribía Umbral: “La condesa de Pradère puede dormir, blanca y hermosa, en su árbol de suaves collares naturales como en el seno de un árbol macho, intenso, que la protege y le da sombra de luna”.

Puede ver más obra de Anglada-Camarasa en este vídeo.

Pola Negri y Rodolfo Valentino - Federico Beltrán Massés

2011-06-17T17:48:00.000+01:00

Federico Beltrán Massés (1885 – 1949) fue un gran pintor nacido en Cuba de padres españoles y que recogería en sus primeros años de aprendizaje en España las enseñanzas impartidas en Madrid y Barcelona por sus maestros Joaquín Sorolla y Antoni Cabo.

Considerado un pintor del periodo de transición entre el tardo simbolismo y el modernismo o Art decó bebió en las fuentes de sus coetáneos Zuloaga, Romero de Torres y Anglada Camarasa. De Zuloaga y Romero de Torres capta esa esencia de la España Negra y esas mujeres morenas con influencias goyescas a las que aportará su toque erótico desnudándolas y dejándolas solo con su mantilla y la peineta. Majas marquesas, majas malditas, majas lesbianas, majas de luto y majas con abanico, todas ellas con una fuerte carga de sensualidad, poblarán sus lienzos provocando la sorpresa y también la crítica en la sociedad decadente de principios de siglo.

Su paso por París y Londres donde conoce a simbolistas como Rousseau y Whistier son la antesala del éxito al triunfar espectacularmente en la Bienal de Venecia de 1920.

Afincado en París recorre el camino de la gloria exponiendo en Nueva York, Los Ángeles, Londres y recibe condecoraciones de medio mundo cultural: Invitado de honor de la Sociedad Nacional de Bellas Artes de Francia (1921), miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (1924), comisario de la Exposición Internacional de Bellas Artes de Burdeos (1928), miembro de honor de la Hispanic Society of América (1939), etc.

Los aristócratas, los papas, los reyes y los políticos de medio mundo se disputan el honor de ser retratados por Beltrán posando para él personajes como el Sha de Persia, el rey Alfonso XIII, Jorge VI, Humberto II de Italia, el papa Pío XII, Jorge II de Grecia, el Maharaja de Kapurtala y muchos más que añadir a una larga lista de famosos de la época en la que no faltarán los procedentes del mundo de la fiesta y el espectáculo que el reflejará a través de sus cuadros en los que el tema son esas fiestas, los bailes, el lujo, y el erotismo elegante y refinado.

Para él posarán las estrellas del cine, del Hollywood que se estába formando en aquellos años 20 dos de las cuales aparecen en este cuadro que hoy vemos: Rodolfo Valentino y Pola Negri

Rodolfo Pietro Filiberto Raffaello Guglielmi di Valentina más conocido como Rodolfo Valentino era un pobre emigrante italiano que había trabajado en Nueva York como friega platos y jardinero hasta que después de trasladarse a Hollywood había conseguido introducirse en el naciente mundo del cine en pequeños papeles secundarios. El éxito le llegaría en 1921 con su interpretación del papel de Julio en "Los Cuatro jinetes del Apocalipsis" y posteriormente con "La dama de la camelias". A raiz de estas películas su éxito sería imparable y su imagen llegaría a despertar grandes pasiones entre las mujeres y también entre el mundo homosexual masculino de aquellos años. Su muerte cuando solo contaba 31 años, debida a la perforación de una úlcera de estómago, produjo una gran convulsión entre todos aquellos que le amaban o le admiraban.

Entre ellos estaba una mujer llamada Pola Negri.

Pola Negri, era una actriz polaca que había tenido la suerte de trabajar con éxito para el director alemán Ernst Lubitsch lo que le había reportado un jugoso contrato con Hollywood a donde marcharía. Allí conocería a Rodolfo Valentino después de terminado su anterior romance con Charlie Chaplin enamorándose ambos perdidamente.

Se cuenta que en el funeral de su amado, en 1926, se lanzó o se desmayó encima de su ataúd lo que no fue bien visto por la sociedad americana contribuyendo a su declive en el mundo de la cinematografía. Pola Negri volvió a Europa donde trabajó en algunas películas llegándose a comentar que era la actriz favorita de Adolf Hitler. En 1938 salió de Alemania donde las autoridades nazis la estaban empezando a colocar la etiqueta de ascendencia judía volviendo nuevamente a Estados Unidos donde residiría hasta su muerte, acaecida cuando contaba 93 años.

En este romántico cuadro de Beltrán Masses se les ve a ambos a la luz de la luna delante de lo que parece ser un embarcadero con una gran embarcación situada en él. Rodolfo Valentino, canta acompañado de una guitarra, mientras ella, elegantemente vestida, mira a ninguna parte.

Este cuadro, de propiedad particular, se puede contemplar estos días en el Museo Diocesano de Barcelona con motivo de la exposición que con el nombre de "Un pintor en la corte de Hollywood" se dedica a una parte de la obra de este gran pintor olvidado, Federico Beltrán Massés.

Más obra de este pintor se puede ver en este agradable video.

Cléo de Merode - Giovanni Boldini

2011-06-14T19:51:00.000+01:00

Giovanni Boldini (1842-1931) fue un pintor italiano que nacido en Ferrara marcha a Florencia para estudiar Bellas Artes en esta ciudad. Con apenas veintidós años ya se codea con la alta aristocracia florentina para la que realizará numerosos trabajos antes de viajar a París y a Londres donde conocerá a Manet, Sisley yDegas. En 1871 se establece ya definitivamente en París donde se especializará en el tema del retrato plasmando a la plural sociedad parisina de finales de siglo y comienzos del siglo XX, la sociedad del denominado periodo de "La Belle Epoque", período que se interrumpirá con el estallido de la 1ª Guerra Mundial.

En ese periodo de "La Belle Epoque" parisina pinta este cuadro en el que retrata en 1901 a la famosa y bella bailarina Cléo de Merode.

Cléo de Merode tiene en esos momentos 26 años y su fama se ha extendido por toda Europa después de haber actuado ya en los principales escenarios como bailarina y dejado grabada su imagen de la que se llegó a considerar la mujer más bella del mundo, una imagen que recorrerá este en forma de tarjetas postales provocando la admiración y el deseo en los que las contemplan. Sus grandes ojos, su negro pelo siempre recogido atrás con un moño, su aire de chica buena, su fama de mujer deseada, forman parte del imaginario que circula en esas tarjetas postales.

Cléo de Merode, primer icono de la fotografía había sido ya fotografiada por esas fechas por Paul Nadar, Leopold Reutlinger y Henri-Pierre Oger convirtiéndola en un icono de la sensualidad.

A Cleo de Merode la retratarán también los pintores Edgar Degas, - muchas de sus bailarinas son ella - , Toulouse Lautrec, Boldini, Manuel Benedito, Francois Flameng, Georges Clarín y József Rippl-Ronai siendo también modelo de los escultores Alexandre Falguiére y Luis de Perinat.

Cleo de Merode no ha pasado a la historia como una gran bailarina, sino como una obra de arte en si misma, como la encarnación de la belleza femenina. Son muchos los hombres que la desearon, entre ellos el pintor Gustav Klimt, el escritor Marcel Proust, el arquitecto vienés Adolf Loos, el magnate Randolh Hearst y se dice que hasta el mismisimo Sha de Persia pero, solamente dos, según sus memorias plasmadas en el libro "Le ballet de ma vie", fueron sus amores, un conde que murió joven y el escultor y diplomático español Luis de Perinat.

Una historia le acompañó a lo largo de su vida y fue el pretendido romance con el rey Leopoldo II de Bélgica del que se dijo que estaba locamente enamorado de ella y con el que mantenía una relación en secreto que ella siempre negó. El chismorreo y la rumorología hicieron que se pusiera al rey Leopoldo el apodo de "Cleopold", y de ella se dijera que se peinaba siempre tapándose las orejas porque se las había cortado el rey por no amarle, bromas que provocaron que Cleo marchase indignada de París durante una larga temporada.

A pesar de la mala fama de cortesanas que acompañaba a las mujeres que actuaban como bailarinas en aquellos años, ella siempre mantuvo su imagen de mujer casta y jamás actuó ligera de ropa en ningún espectáculo. Era ya septuagenaria cuando ganó una demanda en 1950 contra la escritora Simone de Beauvoir que la había tachado de cortesana en su libro "Le deuxième sexe".

Todavía en 1964 se dejó fotografiar con 89 años por el fotográfo Cecil Beaton, exigiéndole antes coquetamente, que las fotos en las que no saliese favorecida se destruyesen. Murió dos años después en Biarritz.

Este cuadro, perteneciente a una colección particular, se puede ver estos días en la exposición que con el título de "Retratos de la Belle Epoque" se exhibe en el antiguo Convento del Carmen (Centro del Carmen) en Valencia, junto al retrato que le pintó el valenciano Manuel Benedito en 1910.

Más obra del pintor Giovanni Boldini se puede ver en este agradable vídeo y unas bellas imágenes de Cléo de Merode en este otro.

Truman Capote - Andy Warhol

2011-06-13T18:42:00.003+01:00

Escribía Julia Luzán hace ya algún tiempo que: "Warhol, más que pintar, maquilla. No pinta rostros sino que capta la imagen del personaje a través de las polaroids: Marilyn, Liz Taylor, Reagan, Jakie Kennedy y lo hace con la misma asepsia con la que pinta una lata de sopa. Es el distanciamiento absoluto".

Efectivamente, la obra de Warhol es fría, aséptica, sistemática, reiterativa y fabril y sin embargo ha pasado a la historia del siglo XX como la obra de un pintor destacado, cotizado y también, conocido popularmente.

Tal vez el secreto de Warhol estuvo en trasladar lo rutinario, lo popular, la política, el mundo rosa y el glamour a sus lienzos para que el espectador no tuviera que pensar demasiado en que es lo que se le ofrecía porque el producto era un producto conocido, un producto que entraba por los ojos.

En la década de los setenta se sentaron delante de su Polaroid cientos de clientes ricos y famosos. Personajes como Liza Minelli, Grace Jones, Mick Jagger,Yves Saint Laurent, Rudolf Nureyev, Dennis Hopper, Willi Brandt, David Hockney, Farah Dibah Pahlavi, Jane Fonda, Robert Mapplethorpe, Meryl Streep, Jerry Hall, Michael Jackson, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring y muchos más, aguantaron horas de posado para las innumerables fotos que de cada personaje hacía Warhol. Después, cuando él había elegido la que más le gustaba, se la enseñaba al cliente y si a este también le gustaba la foto pasaba a su proceso de conversión al lienzo. Al maquillaje como diría Julia Luzán. Uno de estos personajes que posaron para Warhol fue el escritor Truman Capote.

Para Warhol, Truman Capote fue un ídolo desde su más temprana edad, exactamente desde el año 1948 en que procedente de Pittsburgh, su ciudad natal, y recién llegado a Nueva York en busca de trabajo, tuvo la ocasión de contemplar la foto de Capote tomada por Harold Halma que ilustraba la contraportada de su libro "Otras voces, otros ámbitos" lo que provocó que desde ese momento se propusiera conocerlo en persona. Contaba Capote que estuvo recibiendo cartas de Warhol casi a diario durante un año y que al salir de su domicilio raro era el día que no encontraba a aquel jovencito esperándole a la puerta de su casa con la intención de conseguir un autógrafo y una entrevista.

Cuatro años más tarde, Warhol presentaba su primera exposición individual en la galería Hugo de Nueva York con el título "Fifteen Drawings Based on the Writings of Truman Capote" (Quince dibujos basados en la obra de Truman Capote) que resultaría un éxito y a la que asistiría su gran ídolo y con el que entablaría una amistad que duraría toda la vida.

A lo largo de esa vida, ambos se buscarían para exhibirse y exhibir al otro en las grandes fiestas del todo Nueva York. Así, era fácil ver a Capote como un invitado de excepción en la inauguración del espectáculo lanzado por Warhol, su "Explodin Plastic" con el grupo "Velvet Underground" y el cantante "Nico" interpretando sus canciones sobre la heroína, los transexuales y el sadomasoquismo y a los pocos días ver a Warhol en compañía de Henry Geldzahler en la legendaria fiesta de etiqueta que organizaba Capote en el hotel Plaza, la "Black and White Ball", rodeados por personajes de la talla de Frank Sinatra, Mia Farrow, Sammy Davis Jr., Norman Mailer o Harper Lee.

Warhol fotografió a su amigo en numerosas ocasiones a lo largo de su vida y lo pintó otras tantas siendo uno de esos retratos portada de la revista "Interview", la revista fundada por el mismo Warhol.

El retrato de Truman Capote que hoy contemplamos es una de las muchas versiones en distintos tonos que realizó sobre la base de una foto polaroid que le tomó en 1979, y que nos muestra a un Capote que empezaba a reflejar ya en su rostro los efectos del alcohol y las drogas a las que se convertiría en asiduo en sus últimos años y que le añaden unos cuantos más a los solo 55 que tenía cuando Warhol le retrata. Atrás quedaban los años de fama y sus grandes éxitos como novelista con "Desayuno en Tiffany’s" y "A sangre fría". Este Capote es ya únicamente el alcohólico Capote de las noches de borrachera en la legendaria discoteca Studio 54, rodeado por sus amigos Warhol, Bianca Jagger, Elizabeth Taylor y muchos otros asiduos de las noches neoyorquinas de finales de los 70

Portrait of Lili Elbe - Gerda Wegener

2011-06-07T01:02:00.000+01:00

Gerda Wegener, (1889-1940), fue una pintora danesa, hija de emigrantes franceses y que realizó sus estudios de Bellas Artes en la Escuela de Copenhague viajando después a Italia, Inglaterra y Francia donde fijaría su residencia en París en 1912.

Con ella se estableció también su marido, el también pintor danés, Einar Mogens Wegener, al que había conocido estudiando en Copenhague y con el que se había casado en 1904 y que es el aparece retratado en este cuadro.

Al parecer, a Einar que tenía un cuerpo muy femenino y hasta sus facciones eran suaves y agradables, siempre le había gustado vestirse con ropas de mujer y ya, la propia Gerda, había notado al poco de casarse la tendencia femenina de su marido. Se cuenta que con motivo de un retrato que estaba haciendo Gerda para una conocida actriz danesa llamada Anna Larse, esta le comunicó que no podría asistir durante unos días a las sesiones de posado por lo que Gerda utilizó a su marido como modelo femenino vistiéndole de mujer y de acuerdo a los consejos de la propia Anna Larse que ya le había indicado anteriormente que las piernas de su marido eran francamente bonitas y podían sustituir las suyas en el posado.

Einar era una mujer metida en el cuerpo de un hombre y Gerda aceptó y comprendió su mundo interior animándole a que viviese como una mujer y convirtiéndole en su modelo habitual, una modelo que ilustraría las revistas de moda para las que ella trabajaba como ilustradora tales como la Vie Parisienne, Fantasio, Rire, o La Baïonnette. También en 1925 ilustró el libro del poeta y escritor francés Louis Perceau con doce acuarelas de alto contenido erótico cuyas serigrafías acompañaron a los 350 ejemplares que se editaron del libro. En casi todas estas acuarelas aparece una mujer de pelo oscuro cuyo modelo fue Einar.

La misma Gerda animó años más tarde a Einar a que se sometiese a una operación de cambio de sexo, ante las noticias que llegaban de Alemania relativas a las modernas teorías de la posibilidad de realizar ese tipo de intervenciónes y que abrían una esperanza de poder ser lo que el cuerpo le negaba y la mente le pedía. Así, en 1930, viajó a Berlín para someterse a una primera intervención en la que se le realizó una castración y una remodelación de sus organos genitales, siendo el primer ser humano que era sometido a una operación de cambio de sexo.

A raiz de aquella operación Einar adoptó el nombre de "Lili Elbe" y aunque, su matrimonio fue anulado por el Rey de Dinamarca debido a la conmoción pública creada por la noticia, ellos continuaron vivendo durante algún tiempo juntos hasta su separación motivada por la marcha de Gerda para casarse con un oficial italiano enamorado profundamente de ella.

Lili Elbe también se casaría después, al parecer con un médico, sometiéndose a otras cuatro durísimas operaciones más con la esperanza de poder llegar a cumplir su gran deseo que era el de ser madre y en las que le llegaron a transplantar unos ovarios y un útero. La quinta operación no la soportó y murió en 1931 a consecuencia del rechazo y las graves complicaciones sufridas.

Su vida relatada autobiograficamente por la propia Lili Elbe en su libro "Man into Woman" escrito en 1931, fue recogida y novelada en 2001 en otro libro del escritor David Ebershoff’s titulada "The Danish Girl", novela que servirá de base para el guión del proyecto puesto en marcha hace tiempo de llevar la vida de Lili Elbe al cine, papel que será interpretado por la actriz Nicole Kidman que hace ya varios años intenta producir esta película.

La obra de Gerda Wegener está muy desperdigada y en gran parte desaparecida. La obra que hoy vemos una acuarela sobre papel, pintada alrededor de 1925, pertenece a una colección privada.

The singing butler - Jack Vettriano

2011-06-04T23:32:00.062+01:00

Este pintor autodidacta, un escocés de 59 años y que no ha conseguido ser aceptado por la crítica de su Escocia natal, es una auténtica máquina de generar dinero a través de su obra y de las reproducciones de la misma, reproducciones que se pueden encontrar en decenas de objetos, desde separadores de libros, naipes o posavasos, superando a las de Monet, Van Gogh y hasta las de la propia "Mona Lisa".

Muchos críticos han dicho de Jack Vettriano que no sabe pintar, que su obra es repetitiva, limitada y sin alma o que es una copia de escenas del cine negro pero el caso es que su obra original se la quitan de las manos y eso que esta no baja de las seis cifras.

"The singing butler" (El mayordomo cantante), es una de sus primeras obras realizada en 1992, tal vez la más conocida, un lienzo que alcanzó en una subasta celebrada en 2004 la nada desdeñable cifra de 744.000 libras y de la que se venden todos los meses cientos de reproducciones en forma de litografías.

En el cuadro, una pareja vestida elegantemente baila sobre la arena de una playa mojada por la lluvia mientras una criada y el supuesto mayordomo, que no sabemos si es el que canta para que la pareja dance, se cubren o les cubren con unos grandes paraguas negros.

El cuadro, con un aire algo surrealista, tiene un cierto poder hipnotizador y los ojos del espectador no pueden evitar recorrer la escena de un lado al otro del cuadro, escena dominada por el rojo del vestido de la mujer y la luz que se cuela entre los nubarrones iluminando la arena de la playa y dando al conjunto un colorido que nos trae a la mente el recuerdo de la pintura de Edward Hopper.

En 2005, esta obra fue objeto de polémica pues se acusó a Vettriano de haber copiado las figuras que aparecen en su cuadro de un pequeño manual de pintura denominado "The Illustrator's Figure Reference Manual". Una de las modelos que posó para el citado manual es una tal Orla Brady, una actriz de teatro inglesa que se ganaba la vida en sus comienzos posando como modelo. Ella afirmó haber posado vestida con un traje de noche y también como una sirvienta cobrando 50 libras por su trabajo. El citado manual se había realizado como ayuda para pintores que no tenían medios para costearse modelos y eso mismo es lo que argumentó Vettriano quién en ningún momento desmintió haberse basado en dicho manual. Lo que si indicó Vettriano es que él pudo tomar las distintas figuras del manual pero la composición y la escena, que en realidad eran lo que daba valor o diferenciaba al cuadro, eran suyas.

También en 1992 pintó Vettriano una segunda versión de este cuadro denominada "Dancer in Emerald" en la que no aparece la sirvienta y la bailarina lleva un vestido verde color esmeralda, de ahí el nombre del cuadro. Este lienzo, que él había vendido por esas fechas, tuvo ocasión de recomprarlo en el 2005 pagando una abultada cantidad por él, cosa que hizo, adornando este su estudio desde entonces.

Para saber más sobre Jack Vettriano se recomienda visitar su página web. También puede ver un magnifico video sobre su obra pulsando aquí.

La Dama con l'ermellino - Leonardo da Vinci

2011-06-03T23:56:00.002+01:00

El cuadro "La Dama del armiño", pintado entre 1488 a 1490, no fue atribuido a Leonardo da Vinci hasta finales del siglo XVIII, opinión que fue posteriormente confirmada con los modernos métodos de examen radiográficos.

Conocido el pintor se investigó quién podía ser la retratada llegándose a la conclusión de que debía de tratarse de una mujer que estuvo relacionada en esas fechas con la sede de los Sforza en Milán llamada Cecilia Gallerani.

Al parecer, Cecilia Gallerani, una bella y culta adolescente de poco más de diecisiete años cuando Leonardo la retrató, se había convertido en la amante secreta de Ludovico Sforza "El Moro", gobernador de Milán, a pesar de estar este prometido con otra bella y culta mujer llamada Beatrice d'Este. Ludovico acabaría casándose con esta última en 1491 después de haber dejado embarazada a Cecilia Gallerani la cual, pasaría a engrosar la larga lista de amantes de Ludovico entre las que estarían Lucrezia Crivelli y otra mujer de nombre desconocido denominada como "La Belle Ferroniére" y que en un principio se pensó que era la mujer retratada en "La Dama del armiño". Estas tres mujeres fueron inmortalizadas por Leonardo da Vinci, quién también pintaría a Beatrice d’Este, todas ellas por encargo de Ludovico Sforza.

"La Dama del armiño" inaugura la modernidad en el retrato del Renacimiento. La figura ya no está de perfil, ni mira estáticamente sino que está en movimiento, girándose hacia algo o alguien. Su rostro y el del animal miran casi en la misma dirección, como atraídos por algo, lo que confiere al cuadro una dinámica y pone de relieve que Leonardo da Vinci experimenta ya con la transmisión a su pintura de las sensaciones y la psicología del personaje.

Mucho se ha comentado acerca de si el animal que aparece en el cuadro es o no un armiño aunque se cree que el animal sería seguramente un hurón al ser este un animal más pacífico y fácil de mantener en los brazos de la modelo que un inquieto y agresivo armiño. El simbolismo del citado animal se cree que podría estar en lo que de blancura o pureza trasmite a su dueña o bien, simplemente, en una referencia al propio Ludovico que era miembro de la Orden del Armiño desde 1488.

El fondo del cuadro era primitivamente de un color azulado habiéndose oscurecido posteriormente y también parece que existía una puerta o ventana que es la que daba la luminosidad al rostro de la modelo. Los estudios realizados han descubierto que se han realizado retoques posteriores en algunos dedos así como en los tonos del velo debajo de la barbilla. También la inscripción "LA BELLE FERONIERE" y la firma que aparecen en la esquina superior izquierda están hechas posiblemente por algún restaurador en el siglo XVIII.

Como dato curioso comentar que las huellas dactilares de Leonardo da Vinci aparecen en la cabeza del armiño y en la mejilla y la frente de la modelo lo que demuestra que Leonardo trabajó esas zonas con la punta de los dedos, cosa frecuente en él y que se aprecia en otros de sus trabajos.

El cuadro perteneciente a la Princes Czartoryski Foundation de Cracovia (Polonia) ha sufrido innumerables vicisitudes a lo largo de su historia. La pintura fue adquirida en Italia en 1798 por Adam Jerzy Czartoryski, uno de los miembros pertenecientes a una antigua e ilustrada familia polaca pasando a formar parte de la colección de la familia Czartoryski en 1800. Con motivo de la guerra entre Rusia y Polonia se consiguió llevar el cuadro entre otras obras a París donde estuvo en el Hotel Lambert. Posteriormente el cuadro volvió a Cracovia y al comienzo de la 2ª Guerra Mundial se escondió emparedado entre los muros de un castillo siendo encontrado por los nazis que invadieron Polonia en 1939 y mandado al museo del Kaiser Friedrich en Berlín. Hans Frank, general del gobierno de Polonia se lo llevó a su mansión en Baviera donde fue encontrado por los aliados al terminar la guerra . Por último, en 1946, el cuadro fue llevado de vuelta a Cracovia donde, después de la llegada del comunismo, la colección se convirtió en una sección del Museo Nacional. En 1991, después de los últimos cambios políticos, la Princes Czartoryski Foundation se estableció en el Museo Nacional de Cracovia, que es en la actualidad el encargado de la supervisión de las colecciones.

Este cuadro está de actualidad estos días con motivo de su venida a España para ser exhibido en el Palacio Real dentro de la exposición "Polonia, Tesoros y Colecciones Artísticas", organizada por Patrimonio Nacional, visitable desde hoy día 3 de junio hasta el 4 de septiembre.

Un video acerca de la inauguración de dicha exposición se puede ver pulsando aquí.

Les amants - René Magritte

2011-05-31T19:05:00.001+01:00

Son varios los cuadros pintados por René Magritte en los que los personajes retratados aparecen con su rostro o todo su cuerpo tapado por una tela blanquecina o grisácea.

Este que hoy vemos es similar a otro realizado por Magritte en las mismas fechas y con el mismo título y en el que los misteriosos amantes, posan para el espectador con sus rostros también tapados en un lugar en el que, a diferencia de este, el fondo lo constituye un verde paisaje con el mar en el horizonte. Tampoco se desvela la identidad del personaje del cuadro titulado "La historia central", una mujer que con la cabeza cubierta con un paño, rodea con la mano su cuello como si estuviera sintiendo la falta de aire mientras, delante de ella, reposan sobre una mesa una tuba y un maletín. Igualmente, en el lienzo "La invención de la vida", una mujer nos observa situada en un sombrío paraje en el que se encuentra a su lado otro ser cubierto totalmente con una túnica o sábana y que le da un aspecto de aparición fantasmal.

¿Qué nos quiere decir Magritte en estos cuadros y que es lo que representan esos rostros tapados, rostros que se besan sin besarse o que nos miran sin vernos o sin que nosotros los podamos identificar?

Muchas han sido las interpretaciones que se han dado y muchos los estudiosos que han analizado la obra de Magritte y posiblemente todas sus versiones sean meras conjeturas.

Michael Lloyd & Michael Desmond en su libro "European and American Paintings and Sculptures 1870-1970 in the Australian National Gallery" indican que el origen de estas imágenes puede ser atribuida a diversas fuentes en la imaginación de Magritte y una de ellas podría ser la fascinación que Magritte sentía por el misterioso personaje de la novela de Pierre Souvestre y Marcel Allain, "Fantomas", novela que el director del cine mudo francés, Louis Feuillade había llevado posteriormente al cine en forma de serie entre 1913 y 1914. "Fantomas", según Itzia Fernández Escareño "se apoya en motivos románticos que muchos juzgan fantásticos: mujeres fatales, usurpaciones del poder judicial, retos a la búsqueda razonada y aspectos diabólicos y rocambolescos que fascinaron a los surrealistas".

Otra de las fuentes, según Lloyd y Desmond, podría ser el recuerdo del aparente suicidio de la madre de Magritte. La madre de Magritte, Regina Bertinchamps, después de estar varios días desaparecida apareció muerta flotando en el río Sambre, envuelta la cabeza en su blanco camisón. Se estima que se suicidó pues era conocida su tendencia suicida por haberlo intentado varias veces con anterioridad. Se dice que Magritte, que en esas fechas tenía tan solo 13 años, contempló la recuperación del cuerpo quedando esa imagen grabada en su mente aunque, esta, es una afirmación que algunos estudiosos han descartado y que el propio Magritte nunca quiso comentar.

También el estudioso de la obra de Magritte, David Sylvester opina que este era un gran aficionado a las novelas de detectives y que pudo haber tomado ideas de una revista tipo cómic en que el personaje era un detective llamado Nick Carter, acerca del cual llegó a escribir hasta un artículo.

Como decíamos, es posible que todo sean conjeturas como las que siempre nos hacemos cuando contemplamos un cuadro de Magritte sin querer aceptar lo que él mismo dejó escrito: "La realidad es tan equívoca, incoherente y abstracta como cualquier pintura" o "Mi pintura son imágenes visibles que no tienen nada que ocultar, que evocan el misterio y, de hecho, cuando alguien ve uno de mis cuadros se hace esta simple pregunta: ¿Qué quiere decir ? No quieren decir nada, porque el misterio no significa nada o es incognoscible".

Este cuadro pintado en 1928 pertenece a Richard S. Zeisler, New York.

Pulsa aquí si quieres ver un video con obra de Magritte.

Barbara Gamage and her six children - Marcus Gheeraerts The Younger

2011-05-27T19:43:00.001+01:00

Marcus Gheeraerts El Joven, (1561-1636), fue un pintor flamenco, nacido en Brujas, pero que desarrollaría toda su actividad pictórica en Inglaterra al haberse trasladado allí su padre, el también pintor y grabador, Marcus Gheeraerts El Viejo.

No es mucho lo que se sabe sobre la vida de este pintor pero si que fue el retratista de la alta sociedad inglesa, incluidos la Reina Isabel I, su sucesor el Rey Jacobo I y su mujer Ana de Dinamarca.

A esa alta sociedad inglesa pertenecía Barbara Gamage, la cual, se convertiría en Barbara Sidney, condesa de Leicester, al casar con un galés denominado Robert Sidney y que ostentaba el título de 1er Conde de Leicester, un hombre muy allegado a la corte de Isabel I, un noble y un gran mecenas de la música, la pintura y al parecer, un poeta destacado.

Robert Sydney, conocida la obra desarrollada en su entorno por Gheeraerts le encargó en 1596 este cuadro en el que aparecen retratados su mujer y los seis hijos vivos que la pareja había tenido hasta la fecha, cuatro chicas y dos chicos.

El cuadro, fiel documento de la época y de una familia, sorprende por la uniformidad del vestuario y su tenue colorido que hace destacar sobre un fondo negro, casi fantasmagóricamente, a los siete personajes en él retratados.

Cuando se pinta este cuadro en 1596, Barbara tenía 34 años, y está embarazada de su octavo hijo pues un séptimo niño, Henry, que no aparece en el cuadro, había muerto hacía solo unos años. Barbara tendría todavía otros cuatro hijos más con Robert Sydney estando considerado este cuadro como un estandarte dentro de la sociedad inglesa en cuanto a lo que representa de homenaje a la familia, la madre y la maternidad, tema que Gheeraerts repite con su cuadro "Anne, Lady Pope with her children" y en sus numerosos cuadros de damas en estado de buena esperanza.

Se sabe que el niño pequeño que está sentado, Robert, llegó a ser el 2º Conde de Leicester al heredar el condado pues su hermano mayor, el que aparece en el cuadro con una espada en el cinto y llamado William, moriría con tan solo 12 años, seis años después de pintado este cuadro.

De las niñas que aparecen en el cuadro, Elizabeth, Phillipa, Mary y Katherine, podemos contar que Mary - la mayor de las cuatro - llegaría a ser una famosa escritora y poeta conocida como Mary Wroth, apellido adquirido por su matrimonio con Sir Robert Wroth.

De los doce hijos que tuvo Bárbara Gamage solo tres la sobrevivieron aunque cinco de ellos llegaron a casarse.

Un cuadro inquietante y documental que pertenece a la colección privada del Viscount De L’Isle en la Penshurst Place, Tonbridge, Kent.

Dame Mary Gilmore - William Dobell

2011-05-24T16:51:00.003+01:00

En la entrada del último día comentaba que entre los muchos pintores que retrataron a Helena Rubinstein figuraba un pintor llamado William Dobell el cual había realizado al menos siete retratos de ella.

Wiliam Dobell, (1899- 1970), considerado como uno de los mejores pintores australianos del siglo XX, se inició en la Escuela de Arte de Sydney para marchar después a Londres en 1929 gracias a la concesión de una beca por dos años. Agotada la beca, continuó en Londres casi una década pintando, estudiando, impregnándose de la pintura europea y sobreviviendo, en plena Depresión, gracias a pequeños trabajos consistentes en la realización de carteles, anuncios o ilustraciones para revistas. Se cuenta, humorísticamente, que era tal su escasez de recursos que para disimular los agujeros de sus calcetines se pintaba las piernas con el mismo color de estos.

En 1938, con motivo de la muerte de su padre y la inminencia de la II Guerra Mundial, vuelve a Australia donde realiza una serie sobre la guerra, especializándose después en las escenas cotidianas y posteriormente en el retrato, todo ello con un estilo propio, muy personal y dentro de una pintura que se puede calificar de expresionista.

Sus personajes son figuras estilizadas, de miembros alargados y con los rasgos exageradamente marcados, estilo no demasiado admitido por algunos y que le supuso hasta una denuncia con motivo del retrato que hizo al pintor Josué Smith, retrato que le reportaría el famoso Premio Archivald en 1943 pero que fue objeto de demanda por la familia del retratado por considerar que aquello no era un retrato sino una caricatura.

La idea de la pintura de Dobell está en sus propias palabras: "Se podría decir que estoy tratando de crear algo en vez de copiar algo cuando me pongo a pintar un retrato. Para mí, un artista sincero no es alguien que intenta copiar fielmente en un lienzo lo que está delante de él, sino alguien que trata de crear algo que sea un ser vivo en sí mismo independientemente de la materia."

Esa filosofía empleó en el cuadro que hoy vemos y que está considerado como su mejor obra, el retrato de Mary Gilmore.

Mary Gilmore, (1865-1962), de soltera Mary Jean Cameron fue una gran escritora, poeta y periodista australiana así como una reconocida activista y defensora de los derechos de la mujer trabajadora, de los niños y de los grupos indígenas australianos.

Casada con William Gilmore y considerada un icono nacional fue nombrada en 1937 Dama de la Orden del Imperio Británico convirtiéndose en Dame Mary Gilmore, la primera persona a la que se le concedía este premio por servicios a la literatura.

Con motivo de su noventa cumpleaños, la Sociedad de la Reserva Australiana encargó a William Dobell un retrato de Mary Gilmore como regalo de cumpleaños. Dobell, como era habitual en él, hizo numerosos estudios y apuntes preparatorios de Mary Gilmore y que culminaron en el cuadro que vemos.

La escritora, al contemplar su retrato y en contra de lo que algunos temían, dirigiéndose a un importante crítico de arte que también estaba presente, exclamó: “Dobell es un gran pintor. En este cuadro he visto los ojos de mi padre mirándome. Un retrato que no muestre los ancestros de uno no es un retrato, es una simple fotografía. Esta pintura seguirá llevando mi identidad cuando mi propio trabajo sea olvidado."  

William Dobell y Mary Gilmore pertenecen al imaginario australiano y su recuerdo está en el bolsillo de los australianos desde 1993 en que se lanzó el billete de diez dólares australianos en el que aparecen la cara de Mary Gilmore, tomada de una antigua fotografía de cuando ella tenía solamente 20 años y un grabado basado en el retrato de Dobell.

En 2002 se estrenó en Queensland la obra teatral de Bille Brown, "Bill y Mary", basada en la relación surgida entre el pintor y la nonagenaria durante aquellas largas sesiones en la que Mary Gilmore consiguió transmitir sus ancestros a la paleta de Willian Dobel.

Este cuadro pintado en 1957, fue donado en 1960 por Mary Gilmore a la Art Gallery of New South Wales ,  Sydney, Australia donde se conserva.

La Princesa Arthchild Gourielli-Helena Rubinstein - Salvador Dalí

2011-05-18T23:19:00.067+01:00

Helena Rubinstein, (1871-1965), fue una judía polaca que revolucionó el mundo de la cósmetica levantando un gran imperio basado en los productos para embellecer el rostro de las mujeres y que la convertiría en multimillonaria gracias a su hábil gestión para hacer de su firma una de las más importantes en dura lucha con su competidora, la canadiense Elizabeth Arden y algo más tarde con la neoyorquina Estée Lauder.

Nacida en Cracovia e hija de un modesto comerciante, emigró con solo dieciocho años a Australia donde vivía un tío suyo en una granja en la ciudad de Coleraine, en el estado de Victoria. Cuentan que allí empezó a preparar sus cremas a base de leche de almendras, corteza de pino y hierbas aromáticas a las que le añadía la grasa de la lana de las ovejas que abundaban en la granja de su tío, la llamada lanolina. Su crema la empezó a comercializar de forma vecinal y ante el éxito obtenido abrió una pequeña tienda en Melbourne en la que se vendían diferentes variedades de sus productos.

De ahí a la fama solo pasaron unos cuantos años. Helena Rubinstein creaba en 1902 una sucursal de su firma en Londres, en 1906 en París y en 1912 estaba ya instalada en NuevaYork, todo ello a través de un complejo entramado empresarial formado por institutos, fábricas y laboratorios de cosmética.

Mujer multimillonaria, afincada en Nueva York, fue una gran mecenas y coleccionista de arte. Se cuenta que en su triplex de Park Avenue tenía, solamente en una habitación, siete Renoir colgados encima de una chimenea y que algunas de las alfombras del apartamento habían sido diseñadas por Miró en exclusiva para ella.

Al menos veintisiete retratos de Helena Rubisntein fueron realizados por grandes pintores del momento. A ella la retrataron el australiano William Dobell, que la plasmó en siete lienzos, Marie Laurencin, Graham Sutherland, Raoul Dufy, René Bouché, Marcel Vertés, Edward Lintott y Salvador Dalí entre otros.

De Salvador Dalí es el cuadro que hoy vemos y en el que pinta el busto de Helena Rubinstein integrado en un acantilado y amarrado a él por medio de las joyas y collares que adornan su cuello.

La obra se considera basada en el mito de Andromeda que será salvada por Perseo de morir devorada por un monstruo marino. En una de las rocas al pie del acantilado aparecen unas pequeñas figuras que representan a Venus y Cupido y que aportan el matiz erótico subyacente en toda la obra de Dalí.

Cuando Salvador Dalí pintó este cuadro (1943), Helena Rubinstein tenía ya 72 años pero, sin embargo, la pinta como una mujer joven y con un cierto parecido a Gala, la mujer de Dalí, tal vez para subrayar su joven espiritu y su fuerte carácter.

El titulo de “Princesa Artchild Gourielle-Helena Rubinstein” se lo asignó Dalí como alusión al apellido de su segundo marido, un tal Artchil Gourielli-Tchkonia, un individuo perteneciente a la nobleza georgiana y dentro de la que él mismo se había autoproclamado príncipe de Georgia.

Este cuadro, hasta la fecha perteneciente a la Fundación Helena Rubinstein, fue subastado el pasado día 5 de mayo y adjudicado en 2.658.500 dólares a un comprador anónimo, estando prevista la subasta de varias de las obras de arte existentes en dicha Fundación a lo largo del presente año.

La firma Helena Rubinstein fue adquirida en 1989 por el imperio L'Oréal, la firma de cosmética creada en 1907 por el químico francés Eugène Schueller.

The Colony Room - Michael Andrews

2011-05-17T00:41:00.000+01:00

Michael Andrews (1928-1995), fue un pintor perteneciente a la llamada Escuela de Londres, un grupo expresionista formado por un grupo de pintores entre los que se encontraban, Francis Bacon, Lucian Freud, R.B. Kitaj, Frank Auerbach y Leon Kossoff, pintores vinculados a esta ciudad y de los que, paradójicamente, sólo uno de ellos, Leon Kossoff, era londinense de nacimiento, siendo Freud y Auerbach alemanes, Bacon dublinés, Andrews de Norwich y Kitaj de Cleveland, Ohio.

De los miembros del grupo, Andrews es el que menos proyección pública tuvo en parte debido a su corta producción y en parte a las pocas exposiciones realizadas a causa de haber firmado en 1966 un contrato con la Marlborough Gallery, algo que ya habían hecho previamente Francis Bacon y Lucian Freud y que les aseguraba la venta de toda su producción.

Su obra es una especie de reflexión sobre la imagen, una forma de presentar ideas a través de la pintura. Esta varía desde las escenas familiares de la década de los 50 para dar paso al mundo de las reuniones y las fiestas sociales en los 60 y se vuelve más simbolista a partir de su contrato con la Marlborough, con la realización de su serie de "Las luces", una serie cuyas obras tienen como motivo pictórico el globo, un símbolo del viaje del alma humana en su búsqueda de la paz y el nirvana.

De la década de los sesenta es esta obra que hoy traemos y que Michael Andrews pintó en el "Colony Room".

El "Colony Room" era un tugurio o club privado para bebedores inaugurado en 1948 en la Dean Street, en pleno Soho londinense y que estaba regentado por una tal Muriel Belcher, una mujer de la que se decía que era una "bella judía lesbiana". A este club acudía regularmente Francis Bacon al que, según se cuenta, Muriel le daba 10 libras semanales y la bebida gratis con tal de que fuera trayendo nuevos clientes. A Muriel la pintó Bacon en numerosos cuadros como en su "Mujer sentada" o en sus "Tres estudios para un retrato de Muriel Belcher".

A través de Bacon llegaron al club y se convirtieron en asiduos del mismo sus compañeros de grupo, Lucien Freud y Michael Andrews. Este último pintó un gran mural en una de las paredes del claustrofóbico local y posteriormente, en 1962, pintó este "The Colony Room" en el que se ve a un grupo de personajes charlando en el club y en el que se aprecia a la izquierda el citado mural.

En este cuadro se puede ver en el lado derecho del mismo a Francis Bacon de espaldas al espectador, sentado en un taburete y apoyado en la barra charlando con la propietaria del local, Muriel Belcher. Al lado de esta aparece con una copa en la mano Lucien Freud el cual mira fijamente hacia el espectador. A su lado, también con una copa en la manos, está el editor Bruce Bernard. La mujer que ocupa el centro del cuadro es Henrietta Moraes, mujer famosa por sus numerosos matrimonios, uno de ellos con el actor Norman Bowler y musa y modelo tanto de Bacon como de Freud que la retratarían en numerosas obras. El hombre que aparece a la izquierda y de espaldas es John Deakin, el fotógrafo que se movía en esas fechas en el círculo íntimo de Bacon y para el que tomó numerosas fotografías sobre las que luego trabajaría en su estudio el pintor. También aparece en el cuadro, pegado a un espejo, el alcohólico y bohemio periodista Jeffrey Bernard , el último del grupo en cerrar el club todas las noches.

El "Colony Room" echó el cierre en el año 2008 y el mural de Michael Andrews se vendió en pública subasta unos meses después por 38.400 libras que fueron pagadas por la Galería James Hyman de Londres, galería que representa el patrimonio del difunto James Andrews. El cuadro "The Colony Room" se puede ver en la Pallant House Gallery en Chichester.

Dada Dachatelier (El estudio Dadá de la azotea) - Rudolf Schlichter

2011-05-15T11:51:00.001+01:00

Rudolf Schlichter, el pintor germano y uno de los principales representantes del grupo de la "Neue Sachlichkeit" (Nueva Objetividad), el movimiento pseudo-expresionista fundado en Alemania en 1922, pintó dos años antes este cuadro para la Primera Feria Internacional Dadá celebrada en Berlín en la galería de Otto Burchardt y en la que se expusieron cerca de 200 obras provenientes del movimiento dadaista europeo y que eran una crítica a la política de posguerra, al militarismo y una denuncia de las secuelas que la guerra había dejado en la sociedad en forma de miseria, hambre, prostitución, viudas sin recursos y mutilados sin posibilidad de obtener un trabajo digno.

En el marco de esa crítica artística muchas de las obras presentadas fueron versiones de obras maestras transformadas en obras satíricas en las que se mezclaban corrientes tales como la pintura metafísica, la academicista, el realismo y el expresionismo. Dentro de ese género se puede encuadrar este cuadro de Schlichter cuyo título podríamos traducir como el de "Un estudio Dadá en la azotea".

Unos meses antes de esa exposición celebrada en junio de 1920, el Museo del Louvre colgaba en sus paredes una obra de Gustave Courbet que la Asociación de Amigos del Louvre había comprado por 700.000 francos a su anterior propietaria, la viuda de un tal Victor Desfossés y que había servido como telón de fondo al teatro de aficionados del Hôtel Desfossés en París. La obra en cuestión era el famoso cuadro "El estudio del pintor", cuadro que visitábamos el último día.

La noticia de esta compra y donación al Museo del Louvre debió influir en Schlichter que versionó, a su manera, el citado cuadro. Así, en él, aparece un pintor provisto de gafas y una mascara antigás, elementos usados en la pasada Guerra Mundial y sentado delante de un caballete en el que no existe ningún lienzo. A su lado se encuentra una niña vestida de marinero y un maniquí o modelo situado sobre un pedestal. Este grupo se podría relacionar con el grupo central que figura en el cuadro de Courbet formado por el pintor, la modelo desnuda y el niño que observa el cuadro. Las ambiguas figuras situadas a la izquierda del cuadro se podrían relacionar también con las situadas en ese mismo lado en el cuadro del pintor francés. A ese lado estarían identificados el pueblo, el sufrimiento, la miseria, la riqueza, la prostitución, la indiferencia y la soledad.

El cuadro utiliza los elementos que caracterizan a la pintura metafísica del italiano De Chirico y cuya influencia se había transmitido ya a este grupo de pintores germanos, una pintura en la que abundan los maniquíes, los autómatas y las muñecas o marionetas así como una serie de útiles o figuras geométricas como las que adornan la mesa que aparece en el cuadro.

Los mutilados, las prótesis, los inválidos serían una constante en la obra del grupo de pintores que constituirían el grupo de "La Nueva Objetividad" y cuya presencia en el lienzo representaba una forma de crítica contra los horrores de la guerra y la ineficacia de los gobernantes para solucionar la situación de todos aquellos mutilados producidos por la 1ª Guerra Mundial.

Hay también en el cuadro una cierta dosis de fetichismo y sadomasoquismo representados en ese tipo de botas del maniquí, las máscaras o las gafas antifaz, aspectos equívocos de la sexualidad de Rudolf Schlichter y que aparecerán en muchas de sus obras posteriores.

Un cuadro complicado en el que se siguen los principios que marcaban los dadaístas para los que el arte no debía entenderse como un escape de los acontecimientos diarios, sino que debía hacer visible la violencia, el caos y la hipocresía de la vida contemporánea.

El cuadro, una acuarela y tinta china sobre papel pertenece a la colección de la Galerie Nierendorf, Berlín.

Un buen video para saber más sobre el movimiento Dadá en Berlin pulsando aquí.

L'atelier du peintre - Gustave Courbet

2011-05-13T19:12:00.002+01:00

Es este un cuadro muy conocido y ampliamente explicado pero nada nos impide volverlo a describir y que nos sirva de soporte para el que veremos el próximo día.

Titulado como "El estudio del pintor" goza de otro subtítulo más largo: "Una alegoría real y determinante de una fase de siete años de mi vida artística y moral" y eso es lo que Courbet pretendió al pintar este cuadro, realizar una alegoría que fuera un resumen de los últimos años de la vida artística y del mundo y la sociedad que rodeaba al pintor.

"Todo el mundo viene a mí para ser pintado" dicen que dijo Courbet. Ese mundo que está en el corazón del pintor y que él piensa que debe ser plasmado en el lienzo es el que Courbet pinta en este cuadro. Los amigos, la verdad, la inocencia, la poesía, la crítica, la miseria, los explotados y los explotadores, el amor, la muerte. Todo esto cabe en este gran cuadro del pintor que descubrió y pintó el origen del mundo.

En el centro del cuadro vemos a Courbet sentado ante el lienzo y pintando un paisaje que corresponde al parecer a Ornans, una localidad situada en la región de Franco Condado. A sus espaldas, una mujer desnuda que simboliza la verdad, observa el cuadro, al igual que lo hace un niño situado al otro lado del pintor y que se considera como el símbolo de la inocencia, el espectador puro y verdadero del arte.

A la derecha del lienzo están los amigos de Courbet. El hombre que lee es Baudelaire, simbolizando o representando a la poesía. Sentado en un taburete y observando la escena está Champfleury, el crítico de arte y defensor del realismo. Los cinco personajes situados al fondo corresponden al filósofo y político Pierre Proudhon, al mecenas y coleccionista Alfred Bruyas, al violinista e inquilino habitual del atelier, Alphonse Promayet, al escritor Max Buchon y a su íntimo amigo de la infancia Urbain Cuenot. Al lado de ellos una pareja se abraza simbolizando el amor.

A la izquierda, como si de la representación del Juicio Final se tratara, están los ajenos al arte, las distintas capas y oficios sociales. Allí se puede ver a un cazador, a una mujer dando el pecho y que representaría la miseria, dos judios representantes de su religión y del comercio, un sacerdote, un rico burgués y así hasta completar la relación de los treinta personajes que integran este cuadro según relataba en una carta dirigida a su amigo Alfred Bruyas antes de comenzarlo: "Tiene treinta figuras de tamaño natural. Es la historia moral y física de un taller.....”

Aparte de los personajes, numerosos objetos, animales y hasta una escultura o maniquí representando a un San Sebastian atravesado por las flechas y que se cree, simbolizaría La Academia, completan este famoso cuadro que, pintado en 1855, fue rechazado por el jurado del Salón de la Exposición Universal de 1855 en París y que Courbet expondría a modo de provocación en un pabellón individual situado enfrente de dicha exposición consiguiendo ser la expectación de la misma.

Este cuadro fue adquirido por 700.000 francos en 1920 por el Museo del Louvre gracias a la aportación de Amigos del Louvre, pudiéndose contemplar en el Musée d’Orsay, Paris, donde se conserva actualmente.

Puede ver un video relativo a la obra de Gustave Courbet pulsando aquí.

Retrato de Peter Altenberg - Gustav Jagerspacher

2011-05-10T23:52:00.002+01:00

La intelectualidad de la Viena de finales de la década de 1890 se reunía en los cafés de esta bella ciudad. En el "Griensteidl" y después en el "Central" se dieron cita los motores del grupo "Jung Wien", un grupo formado por hombres como el satírico Karl Kraus, el arquitecto Adolf Loos, el ensayista Egon Friedell, el periodista Anton Kuh, el matemático Leo Perutz, el escritor Stefan Zweig, el futuro golpista León Trotski y el escritor Peter Altenberg entre otros.

El Peter Altenberg de aquellos años era un escritor y poeta judío vienés llamado realmente Richard Englánder, un hombre que había llegado al mundo literario después de intentar cursar los estudios de Derecho y de Medicina, pero que diagnosticado de una "neurasthenia gravis" había decidido dedicarse al mundo de la bohemia y de la farándula vienesa.

Sin empleo fijo, Altenberg convirtió la noche en día frecuentando los burdeles, los teatros de variedades, los salones y sobre todo los Cafés, primero el "Griensteidl", trabando allí relación con Adolf Loos y Karl Kraus, con los que llegó a formar una triple alianza y posteriormente el "Café Central" el cual acabó convirtiéndo en su segunda morada llegándose a decir que, cuando Altenberg no estaba en el "Central" es que estaba de camino.

Con el tiempo llegó a escribir una docena de títulos, todos ellos basados en textos breves. Escribía por encargo, muchas veces a cambio de bajísimos honorarios que ya estaban gastados antes de cerrar el trato.

Peter Altenberg fue un noctámbulo, un alcohólico y un enfermo mental al que las recaídas le hicieron ingresar a menudo en los psiquiátricos, sobre todo en la última década de su vida. Un hombre sin suerte con las mujeres y al que se llegó a acusar de pederasta por su declarada admiración por las jóvenes adolescentes.

Gustav Jagerspacher, otro habitual de las veladas del Central le pintó en este retrato que permaneció durante años en una pared del "Kärtner-Bar", un cafe situado en la Kärtnerstrasse y diseñado en 1908 por su gran amigo Adolf Loos, el mismo que proyectaría y costearía el monumento funerario para su tumba en el Cementerio Central de Viena. En dicho cuadro, Peter Altenberg aparece caminando bajo las estrellas que iluminan la noche de la bohemia vienesa de la que él formaba parte inseparable. En su mirada hacia el espectador se percibe el sentimiento del animal herido por la locura.

Altenberg murió pobre y enfermo en 1919 a los 60 años de edad.

Este cuadro, pintado en 1909, pertenece a la colección de la Neue Galerie en Nueva York.

Just what is it that makes today's homes so different, so appealing? - Richard Hamilton

2011-05-09T21:20:00.000+01:00

El término "Pop Art" o arte Pop aparece por primera vez en Gran Bretaña durante la primera reunión del llamado “The Independent Group” en 1952.

Este grupo formado por jóvenes pintores, escultores, críticos de arte y escritores basaba su nuevo concepto del arte en la cultura popular y la incorporación a este de imágenes tomadas de anuncios publicitarios, comics, películas y todo tipo de material gráfico sacándolas de su contexto original e incorporándolas a una idea irónica, satírica, alegórica o banal.

En esa reunión, el cofundador del grupo, el escultor Eduardo Paolozzi, presentó una charla utilizando unos recortes de periódicos y revistas ensamblados y pegados entre ellos, unos "collages", en uno de los cuales aparecía un revolver de cuyo cañón se desprendía una nube de humo en el centro de la cual se había rotulado la palabra "POP". El término sería acuñado después por John McHale en 1954 apareciendo por primera vez en una publicación impresa en 1956 en un articulo redactado por Alison y Peter Smithson, miembros del Grupo.

En ese mismo año de 1956 se organizó una exposición para la Whitechapel Art Gallery bajo el título “This is Tomorrow” en la que Richard Hamilton un pintor londinense nacido en 1922 e integrante del “Independent Group” colaboró en la contribución de su Grupo a esta exposición presentando su "collage" titulado: "Just What Is It That Makes Today's Homes So Different, So Appealing?" (¿Pero qué es lo que hace a los hogares de hoy en día tan diferentes y tan atractivos?), la obra que hoy vemos aquí.

Este famoso "collage" se nutre de imágenes tomadas de revistas estadounidenses y así, se sabe que la sala que se muestra, aparecía en un anuncio del "Ladies Home Journal" sobre mobiliario moderno. El musculoso individuo que sostiene un gigantesco "Chupa-Chups" con la palabra "POP" era un tal Irwin "Zabo" Koszewski, un culturista que había sido "Mister Los Angeles" en 1954 y cuya imagen la tomó Hamilton de la revista "Tomorrow's Man". La TV corresponde a un anuncio publicitario del modelo "Stomberg-Carlson". También estan pegados en el collage un logotipo de la "Ford", una portada de historieta, una aspiradora, un cartel de cine, un retrato de un viejo antepasado,...

Una curiosa obra y de la que Hamilton haría posteriores versiones incluyendo una en 1992 en la que también aparece una mujer culturista. Considerada una de las obras representativas del arte pop británico pertenece a la Colección de Georg Zundell en la Kunsthalle Tübingen, Tübingen.

Berlin Street Scene - Ernst Ludwig Kirchner

2011-05-08T01:42:00.002+01:00

"Usted quedará realmente impresionado cuando ponga un pie en Berlín. Nos hemos convertido en una familia numerosa y se puede obtener lo que haga falta, alojamiento o mujeres.”

Estas palabras las escribía el pintor alemán Ludwig Kirchner en una carta remitida desde Berlin a Erich Heckel, otro de los fundadores junto con él del “Die Brücke” (El Puente), el grupo expresionista alemán fundado en 1905 en Dresde.

Corría el año 1911 y Kirchner había abandonado la ciudad de Dresde donde se había formado su grupo, había abandonado a su compañera Dorís Groé (Dodo) y estaba empezando a abandonar el estilo pictórico que le había acompañado durante los años pasados en Dresde.

Berlín fue una ciudad que le había subyugado nada más llegar. La modernidad, los escaparates, la sociedad, el tráfico. Kirchner pasaba horas en sus calles realizando esbozos y dibujos de aquella multitud que deambulaba por ellas, multitud formada por elegantes hombres y bellas mujeres entre las que destacaban aquellas que iban adornadas con vistosos y coloristas sombreros de plumas, las “cocottes”, las prostitutas de aquel Berlin preludio de los años veinte.

Entre 1913 y 1915, Kirchner pintó una gran cantidad de cuadros que han quedado englobados en la serie conocida como “Großstadtbilder”, que se podría traducir como imágenes urbanas o escenas callejeras, y de la cual forma parte este cuadro pintado en 1913, uno de los primeros de la serie y tal vez uno de los más conocidos titulado “Escena callejera en Berlin”. En él, dos “cocottes” ataviadas con unos largos y sofisticados vestidos y tocadas con sus llamativos sombreros de plumas de colores pasean entre la multitud esbozando una ligera sonrisa que pone de relieve sus sensuales labios muy marcados por el rojo carmín mientras al fondo, el tranvía de la línea nº 15 acaba de realizar seguramente una parada en su recorrido habitual.

Se cuenta que Kirchner pintó estos cuadros en su estudio basándose en los dibujos que había tomado del natural y sirviéndose de sus modelos que eran, aquí en Berlin, su nueva novia berlinesa, Erna Schilling y su hermana Margarita, ambas bailarinas de un club nocturno de Berlin y a las que retrató como cocottes en el cuadro que hoy vemos.

Este cuadro tiene una larga historia en su haber pues fue comprado al propio Kirchner por un coleccionista alemán de ascendencia judía. Este a su muerte en 1931 lo deja en herencia a su familia la cual se ve obligada a huir de Alemania con la llegada al poder en 1933 del nazismo y dada su condición de judíos. Tres años más tarde, una selección de pinturas de la colección Hess, entre ellas este cuadro, es vendida en Colonia. En 1980, la pintura llega a la venta otra vez, y lo adquiere el Museo Brüecke de Berlín. Anita Halpin, nieta heredera de los Hess, inicia un pleito contra el estado alemán pidiendo la restitución de su cuadro alegando que este había sido incautado a causa de la persecución sufrida por su familia. El pleito se concluye en 2006 cuando los jueces obligan al estado alemán a devolver el cuadro a Anita Halpin. Unos meses después, esta lo subasta en Nueva York alcanzando la nada desdeñable cantidad de 38 millones de dólares que fueron pagados por la Lauder Neue Ronald Galerie de Nueva York donde se encuentra actualmente.

Mas obra de Ludwig Kirchner se puede ver pulsando aquí.

Portrait of Henri Matisse - Olga Meerson

2011-05-06T22:17:00.001+01:00

En 1908 Matisse vivía en en el Boulevard des Invalides en París. Allí se montó una academia de pintura, la Academia Matise, una escuela sin ánimo de lucro destinada a instruir a jóvenes artistas y donde el pintor impartió clases a numerosos alumnos, uno de los cuales fue Olga Meerson.

Olga Meerson era una joven pintora nacida en Rusia que, atraída por la fama de Matisse y del movimiento fauvista había llegado de Munich, ciudad en la que había estado estudiando con Wassily Kandinsky y donde se había relacionado con todo el grupo de pintores y poetas que comandaba el escritor Thomas Mann y con cuya familia llegaría a tener una gran relación.

Durante tres años, de 1908 a 1911, Olga Meerson recibió las magistrales lecciones de Matisse y posó también para él en numerosos cuadros, dibujos y esculturas desconociéndose si entre ellos llegó a haber algo más que una fuerte relación alumna-profesor aunque, la gran estudiosa de la vida de Matisse, la escritora británica Hilary Spurling, ganadora del Premio Whitbread el año 2006 por su biografía sobre Matisse, estima que su relación no debió rebasar ciertos límites aunque si se sabe que Olga estuvo fuertemente atraida por Matisse e intentó iniciar una relación estable con él.

A Matisse, todavía sentimentalmente muy unido a su mujer Amelie, la situación le fue creando un grave conflicto dados los celos que empezaron a manifestarse en esta última y las presiones cada vez más persistentes por parte de Olga por lo que la pidió que se apartase de su vida.

Olga regresó a Munich en 1911 donde se casaría más adelante con un cuñado de Thomas Mann. Como dato curioso y significativo de la amistad que había entre Olga y el escritor, existe una carta entre la correspondencia que en vida recibió Thomas Mann dirigida por Olga desde París en la que le indica el nombre que puede darle al joven protagonista de su novela escrita en 1912 “Muerte en Venecia” llamándolo “Adgiu” nombre que Mann convertiría luego en “Tadzio”.

Olga Meerson, de origen judío, se suicidó en Berlin en 1933 coincidendo con la llegada del nazismo al poder y fruto de una gran depresión producida por su carrera frustrada como pintora.

Es muy poca la producción pictórica conocida o catalogada de Olga Meerson a excepción de algunas pocas obras entre las que figuran un autorretrato suyo pintado en 1911 y el lienzo que hoy vemos y en el que retrató a Matisse con uno de sus habituales “pijamas de trabajo,” tumbado sobre una cama cubierta con una colorida colcha y leyendo apaciblemente un libro.

Este cuadro es propiedad de la familia de Olga Meerson y una reproducción del mismo adorna la cubierta del libro de Hilary Spurling sobre la vida de Matisse.

Il Bacio - Francesco Hayez

2011-05-05T19:57:00.000+01:00

Francesco Hayez, (1791-1882), fue un pintor italiano considerado el máximo exponente del romanticismo y conocido por su pintura de tipo histórico, bíblico o alegórica a hechos políticos o narraciones literarias. Fue discípulo de Magiotto, Matteini y Cánova a cuyo lado estuvo trabajando en Roma hasta 1814 en que se marchó de esta ciudad a causa, según se cuenta, de una agresión motivada por un intento de relación con una mujer casada. Establecido en Nápoles realizaría gran parte de su obra en esta ciudad y posteriormente en Milán hasta su nombramiento en 1850 como director de la Academia de Brera.

Francesco Hayez ha sido recordado este año de 2011 con motivo del 150 aniversario de la unificación italiana, unificación iniciada en 1859 cuando el ejército austríaco invade el territorio piamontés, y llega cerca de Turin. En ese momento y hasta la primavera de 1861 siete diferentes regiones se agrupan y luchan con el apoyo de Francia para echar al invasor austríaco que es derrotado proclamándose, el 17 de marzo de 1861, Vittorio Emanuele II como rey de esa Italia unificada.

“Il bacio” (El beso), el cuadro que hoy traemos de Hayez, es una obra aparentemente de corte romántico o novelesco pero con una gran carga símbolica para el pueblo italiano y principalmente para el de la zona del Piamonte y la Lombardía pués, esta obra aparece en 1859 en Milán coincidiendo con la presencia unos meses antes en esta ciudad de Napoleón III y Vittorio Emanuele antes de partir hacia el combate junto con un gran número de milaneses dispuestos a echar al invasor austríaco de sus territorios. El cuadro muestra a una pareja que se besa apasionadamente, tal vez despidiéndose antes de la partida de él hacia el frente de batalla. El beso se ha querido representar como la alegoría del nuevo estado unificado que nacerá del amor de los jóvenes a su país y también como el abrazo entre los dos paises aliados contra el enemigo. Los ropajes con un cierto aspecto medieval o escénico se han querido identificar en su colorido con los colores de la bandera italiana y francesa y así, podemos observar el color blanco en el encaje en la manga de la joven, (una túnica blanca en el suelo en otra composición previa), el azul en su vestido, el verde en el forro de la capa del hombre (también en otra de las versiones) y el rojo en las calzas de este.

El cuadro encargado en su día por el conde Alfonso Maria Visconti, quien lo donó poco antes de su muerte a la Pinacoteca di Brera en Milán, donde aún se conserva, ha sido expuesto hasta hace unos días y con motivo del 150 aniversario en el Palazzo Isimbardi en Milán y dentro de una exposición titulada “Un Bacio per l'Italia. Hayez. La genesi di un capolavoro” junto con las tres acuarelas que se pueden considerar un antecedente preparatorio al cuadro, tituladas como: “L'addio” o “L'ultimo bacio di Romeo e Giulietta” (1830), “Un pensiero malinconico” (1842) e “Il Bacio” (1859).

Además de esta conocida versión de 1859 hay otras tres versiones creadas entre 1859 y 1861 pertenecientes a colecciones privadas, una de ellas a los herederos de la hermana de la modelo del cuadro, Carolina Zucchi, y que también se han expuesto en este homenaje. En la versión que el regaló a Carolina Zuchi, Hayet sustituye el blanco encaje de la manga de la mujer por una túnica o velo blanco tirada a los pies de ambos y en la última versión, pintada en 1961 la mujer ya no lleva un traje azul sino blanco como dando a entender que la Italia unificada ya no necesitaba a Francia para continuar su andadura.  

Un homenaje en este "150 Aniversario" al pintor que junto con Giuseppe Verdi y Alessandro Manzoni representa un mito dentro del Resurgimiento italiano.

Más sobre la obra de Francesco Hayez pulsando aquí.

El tres de mayo de 1808 ( Los fusilamientos en la montaña del Príncipe Pío) - Francisco de Goya y Lucientes

2011-05-03T13:20:00.001+01:00

España en los primeros meses del año de 1808 vive una ocupación taimada del ejército francés siguiendo las consignas marcadas por Napoleón Bonaparte y destinadas ha hacerse dueño de los reinos de Portugal y España. En marzo, el motín de Aranjuez provoca que Godoy, primer ministro del rey de España, Carlos IV, sea destituido y que el rey abdique en su hijo Fernando VII siendo ambos convocados con engaños a Bayona donde les esperará Napoleón.

El 30 de abril de 1808 Carlos IV y su esposa María Luisa arrivan a Bayona y dos días más tarde los madrileños se agolpan en los alrededores del Palacio Real y la Plaza de Oriente para evitar que salgan los últimos miembros de la familia real, los infantes María Luisa y Francisco de Paula.

Murat al mando del ejército francés establecido en Madrid ordena disparar contra la muchedumbre allí concentrada sucediéndose unos terribles momentos que culminarán con una brutal represalia por parte de Murat consistente en apresar y fusilar indiscriminada y masivamente a un gran número de madrileños en la madrugada del 2 al 3 de mayo en las zonas de la Moncloa, el Paseo del Prado, la Puerta del Sol, la Puerta de Alcalá y la montaña del Príncipe Pío.

Como una apología del martirio vivido esa noche realizó Francisco de Goya seis años después, en 1814, este cuadro, situándolo en la montaña del Principe Pío, cerca del actual Palacio de Oriente y representando este martirio a través del horror plasmado en las caras de los que van a ser fusilados y en la crudeza del pelotón de fusilamiento que dispara a quemarropa y con la bayoneta calada en la oscuridad de la noche. La escena, iluminada por una linterna colocada en el centro del cuadro y que proyecta su luz sobre las víctimas, resalta la figura del hombre de la camisa blanca que espera su final con los brazos en cruz y en el que se puede observar una marca en la palma de su mano derecha que nos trae a la mente las huellas del Cristo crucificado.

Al fondo se divisan unos edificios que parece corresponden a lo que fue el antiguo Cuartel del Prado Nuevo y el Convento de Doña María de Aragón situados en lo que ahora es la actual Plaza de España en Madrid. También se observa gente al fondo que puede corresponder a más soldadesca francesa o grupos de curiosos que contemplan las ejecuciones. Entre estos curiosos se dice que pudo haber estado Francisco de Goya.

Como indica la página del Museo Nacional del Prado, museo donde se conserva este cuadro, el mismo fue realizado a la vez que su pareja, un cuadro titulado “El 2 de mayo de 1808 en Madrid. La lucha con los mamelucos” y ambos pudieron servir para decorar un arco de triunfo durante la entrada de Fernando VII en su retorno a Madrid o como conmemoración en las celebraciones del 2 de mayo.

Con motivo de la Guerra Civil Española, el cuadro fue trasladado a Valencia y después a Ginebra sufriendo un accidente el camión que lo transportaba y produciéndose unos daños en la margen izquierda del cuadro que ha sido sometido a varias restauraciones, la última en el año 2008.

Una información detallada sobre esta obra se puede leer en la página de la enciclopedia on line del Museo Nacional del Prado.

También se puede ver un vídeo de ArteHistoria sobre el cuadro pulsando aquí.

The Awakening Conscience - William Holman Hunt

2011-05-02T20:54:00.003+01:00

William Holman Hunt, uno de los fundadores del grupo del realismo ingles conocido como “La Hermandad Prerrafaelista” pintó numerosos cuadros en los que el tema tratado lleva su carga moralizante incidiendo en el tema del pecado y las relaciones entre el hombre y la mujer como es el caso de este cuadro titulado “El despertar de la conciencia”, un cuadro pintado en 1853 y lleno de simbolismos a través de los cuales intenta advertir de los peligros a los que se expone la mujer que cede al libertinaje moral y su destino trás la caída.

En el lienzo, Hunt representa a una pareja formada por un adinerado joven que se encuentra recostado sobre un asiento situado delante de un piano mientras su joven amante, sentada sobre él, hace ademán de levantarse o escapar mientras mira hacia la ventana por la que penetra la claridad del jardin que se refleja en el espejo situado en la habitación. El joven se deduce que ha venido a visitarla hace un rato a la lujosa casa que él le ha puesto pues su sombrero de chistera descansa sobre la mesa situada en la estancia.

La habitación presenta un gran desorden y así podemos observar un sucio guante de mujer tirado sobre la alfombra, guante que simbolizaría el destino que le espera a la joven si continúa con su amante. También se pueden observar unas hebras de lana de la deshilachada tapicería que indicarían su estado actual y su iniciado camino hacia la perdición.

Debajo de la mesa un desagradable gato negruzco juguetea con un pajarillo que intenta salvarse de los ataques del felino, símbolo este usado para indicar la prostitución que amenaza a la joven cuando el día de mañana el rico y libertino amante la abandone y tenga que buscarse su medio de supervivencia.

También se puede observar como la mujer lleva varios anillos en su mano izquierda a excepción del dedo en que debería llevar su anillo de casada demostrando ser solo eso, una mantenida expuesta a un futuro incierto.

Tanto la partitura caída en el suelo como la que descansa sobre el piano son alegóricas a la inocencia de la infancia y del pasado y al mundo que la amenaza. Es seguramente la letra de la canción de esa última partitura la que se quiere interpretar que ha despertado la conciencia de la joven después de que su amante la haya tocado al piano y tarareado unos momentos antes y por lo que ella trata de incorporarse mientras mira hacia la ventana por la que penetra la luz que representa a Jesucristo - la Luz del Mundo - y a su propia salvación. “La Luz del Mundo” es otro de los cuadros de Hunt que se exhibía junto a este sirviéndole de complemento.

Se cuenta que el primer comprador del cuadro le pidió a Hunt que le cambiase la expresión a la joven que en un principio era de tristeza y Hunt repintó el cuadro años después y poco antes de fallecer.

La joven modelo es Annie Miller, una modelo que llegó a ser su novia y que también fue modelo de Rossetti y de Millais, sus otros compañeros prerrafaelitas y de los que se cuenta que Hunt tuvo celos obligándoles a pintar solo determinados temas y en determinadas épocas. También se comenta que dichos celos eran ficticios pues al parecer Hunt era homosexual aunque también se comentó que Annie había sido la amante de Hunt. El caso es que Annie Miller rompió sus relaciones con él y se casó con un tal Thomas Thomson con el que tendría varios hijos. Murió en 1925 a los noventa años de edad.

Este cuadro pertenece a la Tate Collection, Londres.

Pulsando aquí puede ver más obra de William Holman Hunt.

Mavourneen (Portrait of Kathleen Newton) - James Jacques Tissot

2011-04-27T23:59:00.061+01:00

James Jacques Joseph Tissot, (1836-1902), más conocido como James Tissot fue, en contra de lo que se cree, un pintor francés que por motivos políticos y a raiz de la guerra franco-prusiana emigró a Londres donde adoptaría el nombre comercial de James y donde desarrollaría su labor como grabador, caricaturista para la revista "Vanity Fair" y como pintor especializado en las costumbres y la vida de la alta sociedad victoriana en un mundo refinado y burgués y con la mujer como centro de él.

Es en Londres donde realiza sus mejores obras, todas ellas de una belleza y elegancia exquisitas que le catapultan a la fama en pocos años connvirtiéndose en un pintor aclamado por la crítica y solicitado por esa alta sociedad inglesa.

Es en los primeros años de la decada de 1870 cuando aparece en la vida de James Tissot una mujer llamada Kathleen Newton, una bellísima irlandesa veinte años más joven que él, divorciada y madre de una niña y de la que se desconoce como llega a penetrar en la vida del pintor pero que se convertirá en su amante, su musa y su modelo habitual yéndose a vivir con él en 1876 y teniendo un segundo hijo producto de su relación con el pintor.

Desde la entrada de Kathleen en su vida, la pintura de Tissot gira en torno a esta mujer y la va inmortalizando en prácticamente todos los cuadros que realiza en esa década hasta el fallecimiento de ella unos años después. Se conocen bien los cuadros en que la pinta de forma individual pero también la plasma a ella y se autorretrata él en su compañía en escenas que sugieren un viaje o formando parte integrante del lienzo. Así, aparecen en un albergue o esperando una travesía, en una estación de ferrocarril, al borde del agua o navegando por el Támesis.

En el lienzo que hoy traemos la retrata elegantemente vestida, con un abrigo negro con el cuello y los puños de piel y con un gran sombrero también negro que resalta el bello rostro de Kathleen sobre un fondo claro y difuminado. Es un cuadro en el que se nota la influencia de su gran amigo Manet y del retrato que este había realizado en 1872 a Berthe Morisot en el que ella aparece también vestida de negro con un gran sombrero del mismo color y sobre un fondo claro abstracto aunque el acabado de ambos lienzos sea muy distinto siendo más detallado en el de Tissot y más plano en el de Manet.

Kathleen Newton murió en 1882 con tan solo veintiocho años a causa de una sobredosis de láudano, un opiáceo ingerido para mitigar los padecimientos de una tuberculosis terminal y que ella arrastraba desde hacía años.

Para Tissot la muerte de Kathleen fue un auténtico mazazo después del cual abandonaría su estilo pictórico marchando a París y dedicándose posteriormente a un proyecto consistente en ilustrar la Vida de Cristo y el Antiguo Testamento a través de más de 700 acuarelas que realizaría hasta su muerte en 1902

Este cuadro pintado en 1877 pertenece a una colección privada. Se puede ver más obra de Tissot pulsando aquí.

La femme à l'éventail (Lunia Czechowska) - Amedeo Modigliani

2011-04-26T23:58:00.062+01:00

Modigliani conoció seguramente a la polaca Lunia Czechowska en casa del matrimonio Zborowski en la Rue Joseph Bara, en París, lugar donde ella había aceptado la invitación para vivir una temporada con este matrimonio mientras su marido, gran amigo desde la infancia de Leopold Zborowski, permaneciese en el frente con motivo de la 1ª Guerra Mundial.

Leopold Zborowski, poeta y escritor polaco, había llegado en 1914 a París para estudiar literatura conociéndo un par de años después a Modigliani con ocasión de una exposición de este en la galería de la Rué Huygehns entusiamándose con la obra de él. Dado que Leopold se ganaba la vida vendiendo libros y grabados, se convirtió en el mecenas de Modigliani proporcionándole los medios, las modelos y hasta un estudio en la Rue de la Grande Chaumiére a cambio de quedarse con toda la producción de Modigliani, cosa que este aceptó.

A través de esta relación de amistad, Modigliani pintó entre 1917 y 1919 en al menos diez lienzos a Lunia Czechowska uno de los cuales fue este en que la retrata abanicándose y vestida con un traje color amarillo chillón que contrasta con el fondo oscuro del mueble situado a su espalda. También la pálida tez de Lunia destaca sobre el rojo intenso de la pared provocando en el espectador la sensación de un calor sofocante que, seguramente, es el que sentía Lunia en aquellos momentos mientras era retratada por Modigliani a la vez que este, sonriente, se bebía una botella de vino y lanzaba exclamaciones en italiano tal y como ella relataría posteriormente en sus memorias.

Cuando Modigliani pintó este cuadro en 1919, su último gran amor era Jeanne Hébuterne a la que había conocido en 1916 y con la que había tenido una hija. Atrás quedaban las pasiones y las noches de amor con un sinfín de mujeres tremendamente enamoradas de aquel pobre y bello pintor enfermo de tuberculosis y roto por el alcohol y las drogas al que sus amigos habían bautizado como “Modi” (maldito).

Con Lunia no se sabe si llegó a tener relación sentimental aunque se piensa que ella estuvo secretamente enamorada de él pero no quiso engañar a Jeanne con la que había llegado a tener una gran amistad.

Cuando en 1920, un año después de pintado este cuadro, Modigliani agonizaba, tres mujeres estuvieron a su lado, Jeanne Hébuterne, Hanka la esposa de Zborowski y Lunia Czechowska.

Este cuadro fue robado el 20 de mayo de 2010 del Musée d’Art Moderne de la Ville de París junto con otros cuadros de Picasso, Matisse, Braque y Léger y cuyo valor conjunto superó los cien millones de euros. Hasta la fecha no han sido recuperados.

La Pasión de Cristo - Hans Memling

2011-04-25T19:47:00.000+01:00

La "Pasión de Cristo" fue encargada al pintor flamenco Hans Memling por el representante de la banca de los Médicis en Brujas, Tommaso Portinari, con motivo de su boda, apareciendo retratados él y su esposa en los extremos inferiores del cuadro.

En esta pequeña tabla de solo 55 x 90 centímetros, Memling plasma toda la Pasión de Cristo en diferentes secuencias desde su entrada en Jerusalén que aparece representada en la esquina superior izquierda hasta su Crucifixión y Resurrección que se refleja en el margen derecho de dicha tabla. Así, podemos ver los detalles de la expulsión de los mercaderes del templo, la celebración de la Última Cena con sus discipulos, la oración en el huerto de Getsemaní, el beso de Judas, el juicio ante Pilatos, el camino al calvario, la Crucifixión, el Descendimiento, el Entierro, la bajada al Limbo y la Resurrección, todo ellos sumando más de veinte episodios que se suceden uno tras otro permitiendo al espectador repasar la Pasión desde su inicio hasta el final.

El matrimonio Tommaso Portinari quedó así inmortalizado en esta tabla pintada entre 1470 y 1471, tabla que sería llevada a Florencia y donada al hospital de Santa María Nuova. Después pasaría por las manos de Cosme de Médicis y del papa Pío V quién la cedió a un convento de dominicos en la localidad de Bosco, cerca de Alessandría, donde quedaría escondida con motivo de la invasión napoleónica en 1796 hasta 1814 en que salió de su escondrijo siendo donada al rey Victor Manuel I quién la cedería en 1832 a la Gallería Sabauda en Turín donde se puede contemplar actualmente.

Dos retratos más del matrimonio Portinari, también pintados por Hans Memling, se conservan en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York.

Pulsando aquí se puede ver una recreación de esta tabla escuchando la música de François Couperin.

Retrato de Fernando Pessoa - Almada Negreiros

2011-04-14T22:00:00.000+01:00

José Sobral de Almada Negreiros (1893-1970) fue un pintor, escritor, dramaturgo, poeta y novelista portugués y una figura primordial en el nacimiento de las vanguardias portuguesas de principios del siglo XX.

Una de las pocas imágenes pictóricas que se conocen de Fernando Pessoa es esta que hoy vemos y que Almada Negreiros pintó casi veinte años después de muerto el poeta y escritor portugués.

Gran amigo de Pessoa al que conocería con motivo de una exposición de caricaturas en Lisboa en 1913 le retrata de memoria en este cuadro con un estilo neocubista y con los elementos emblemáticos de Pessoa, es decir, su estilográfica, un cigarrillo y una taza de café. El libro con el número 2 corresponde al segundo ejemplar de la revista "Orpheu" una revista fundada por Almada, el propio Pessoa y una serie de intelectuales entre los que se encontraba el brasileño Eduardo de Guimaraens y Mário de Sá-Carneiro y de la que solo se llegarían a editar dos ejemplares.

Este cuadro, según relata Manuel García Castellón, figuró durante años en "Irmaos Unidos" un restaurante-café que fue durante años una versión lisboeta del madrileño "Café de Pombo". Cuando dicho establecimiento cerró en 1969 el cuadro salió a subasta vendiéndose por un precio superior al que nadie habría esperado para aquellos años.

Ya que hablamos del "Cafe de Pombo", hay que comentar que Almada pasó largas temporadas en España asistiendo a veces a las tertulias de dicho Café ya que llegó a convertirse en un buen amigo de Ramón Gomez de la Serna a raiz de un homenaje que Almada le promoviera en Lisboa en 1925.

En este cuadro póstumo, Fernando Pessoa, elegantemente vestido e iluminado por esa claridad que penetra por la izquierda del cuadro, parece estar escribiendo ese poema suyo:

"Es tal vez el último día de mi vida. 

He saludado al sol levantando la mano derecha, 

mas no lo he saludado diciendo adiós. 

Hice la seña de que me gustaba verlo antes: nada más."

Kiki de Montparnasse a la robe rouge - Moise Kisling

2011-04-13T23:52:00.054+01:00

Alice Ernestine Prin, más conocida como "Kiki de Montparnasse", fue modelo, musa y amante de numerosos artistas, así como cantante, actriz y pintora aficionada en el París de los años veinte.

Hija ilegítima, nacida en 1901 en la localidad francesa de Châtillon-sur-Seine, fue criada por su abuela materna hasta 1913 en que llegó a París , lugar en el que con muy pocos años empezó a frecuentar los cafés del barrio de Montparnasse relacionándose con la colonia de artistas de todo tipo y de todas las nacionalidades establecidos en este barrio, nuevo centro de la renovación artística parisina y que venía a sustituir al ya caduco Montmartre.

En Montparnasse fue modelo de numerosos escultores y pintores posando para Maurice Mendjisky, Alexander Calder, Moïse Kisling, Foujita, Pablo Gargallo, Modigliani, Chaim Soutine y Kees van Dongen, artistas con muchos de los cuales mantuvo una relación sentimental aparte de la meramente profesional.

Su gran amor fue el fotógrafo Man Ray con el que mantuvo una relación amorosa pero intermitente desde 1922 hasta 1929 y que la inmortalizaría en una serie de fotos históricas como el famoso fotomontaje del “Violín de Ingres” realizado en 1924.

Kisling, el pintor polaco, amigo de Jules Pascin y de Modigliani, compartió con ellos en Montparnasse aquella residencia para artistas con pocos recursos denominada "La Ruche" (La colmena) y compartió también con ellos a "Kiki" como modelo y como amante. Kisling la pintó en numerosos cuadros, en casi todos desnuda a excepción de este y otro posterior en que la pintó también con un jersey rojo, pero, en todos ellos, la plasmó sin ninguna carga erótica, con un aire entre melancólico y soñador y con una mirada perdida en algún lugar.

"Kiki de Montparnasse" fue la reina de París. La “Garconne” reina de la noche. Amiga de Picasso, Cocteau, André Breton, Hemingway y tantos otros, se cuenta que dijo: "Todo lo que necesito es una cebolla, un poco de pan y una botella de vino tinto y yo sé que siempre encontraré a alguien que me lo ofrezca”

Sus enormes ojos se cerraron en 1953 y descansa en el cementerio de Montparnase bajo una lápida en la que está grabado únicamente su apodo: “Kiki”

Este cuadro pintado en 1933 se conserva en el Musée du Petit Palais, Ginebra.

Si quiere ver un agradable video referido a Kiki de Montparnasse pulse aquí.

Giovanna Tornabuoni - Domenico Bigordi (Ghirlandaio)

2011-04-12T18:11:00.000+01:00

Este cuadro es la imagen de la belleza en el recuerdo.

Bella y elegante, Giovanna degli Albizzi, murió con solo veinte años dejando viudo a su enamorado esposo Lorenzo Tornabuoni con el que solo hacía dos años que se había casado y del que esperaba su segundo hijo.

Sumido en el dolor, Lorenzo Tornabuoni encargó a Ghirlandaio un retrato de la que había sido su bella esposa para lo que entregó a este el único documento en el que inspirarse consistente en una moneda acuñada por el grabador Niccoló Florentino con motivo de los esponsales y en la que aparecía la imagen de Giovanna representada de perfil, con una joya adornando su cuello y una inscripción con su nombre.

Ghirlandaio que había iniciado los trabajos encargados por el padre de Lorenzo consistentes en la realización de los frescos de la Capilla de los Tornabuoni en la Iglesia de Santa Maria Novella en Florencia, realizó un estudio previo de la imagen de Giovanna pintándola entre 1489 o 1490 en uno de dichos frescos, concretamente el de La Visitación y en el que la representó de cuerpo entero pero idénticamente vestida, peinada y enjoyada tal como luego la pintaría en la tabla que hoy vemos.

Giovanna aparece vestida con un bello traje adornado con brocados de oro, cintas y flores bordadas en las mangas y sujetando un pañuelo con sus manos en las que se aprecian dos elegantes anillos de oro.

Anudado al cuello lleva un cordón del que penden tres perlas y un rubí - adorno que nos trae a la mente los recientes modelos de la joyería actual - una joya similar a la que se observa en la hornacina del fondo formada por un broche con un dragón, dos perlas y un rubí, joyas ambas indicadoras del alto status social que ocupaba Giovanna dentro de la sociedad florentina de la época.

A la derecha del cuadro aparece un libro, seguramente un libro de horas o devocionario de los que tenían las madres de familia y que debían leer cada día para inculcar las buenas costumbres a la familia.

Colgado de un clavo aparece también en la hornacina trasera un collar formado por cuentas de coral, un tipo de collar este que aparece en muchos cuadros renacentistas y anteriores al renacimiento y que solía colocarse como amuleto a los niños recién nacidos para protegerlos de posibles males y de los que se decía que sus cuentas estaban coloreadas por la sangre de Cristo. Tal vez Ghirlandaio lo pintó ahí colgado como un símbolo del niño que nunca llegó a nacer.

El cuadro lleva un letrero con una frase del poeta Marcial que podemos traducir como: “Oh arte, si pudieras pintar las costumbres y el alma, no habría una pintura más bella sobre la tierra” fechado en 1488 año que corresponde al de la muerte de Giovanna Tornabuoni.

Este cuadro, de una belleza increible, es según palabras de Guillermo Solana, Director Artístico del Museo, “la joya entre las joyas” del Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid, museo en el que se puede admirar esta obra.

Si dispone de algo más de una hora y quiere saber casi todo sobre este cuadro a través de un estupendo documental que recoge una conferencia de Guillermo Solana explicando su historia, pulse aquí.

Caféterras (Cafés terraza) - Willem Hofhuizen

2011-04-11T19:11:00.000+01:00

Hofhuizen, aunque nacido en Amsterdam, estaba enamorado del Mediterráneo y de ello son prueba los numerosos viajes que realizó por Egipto, Italia, España, Portugal y Francia, país este último donde permaneció cerca de un año en la ciudad de París.

Ese mundo tan mediterráneo de las terrazas es el que plasmó en una serie titulada “Caféterras” (Cafes terraza) en donde refleja ese mundo cálido y cosmopolita de los cafés con sus mesas al aire libre abarrotadas de clientes que observan y buscan ser observados y que aprovechan esos primeros rayos de sol que anuncian la llegada del buen tiempo para alegrar el alma y el cuerpo.

En las mesas de los cafés pintados por Hofhuizen siempre hay vistosas mujeres de poderosos muslos que quedan a la vista del espectador convertido en voyeur a la fuerza. También aparece en casi todos estos cuadros un camarero elegantemente vestido, con su corbata o pajarita negra y también a menudo un hombre con barba sentado en alguna de estas mesas y que Hofhuizen identifica con él mismo.

Willen Hofhuizen vivió gran parte de su vida en Maastricht, lugar en el que murió en 1986 y en el que era muy apreciado. Muchos vecinos le recuerdan sentado en alguna de aquellas terrazas de esta bella localidad tomando una buena cerveza o pintando una de esas escenas como la que hoy vemos repleta de colorido y sensualidad.

Más cuadros de la serie “Caféterras” en esta página.

Dos mujeres abrazándose - Jan Sluitjers

2011-04-10T23:50:00.002+01:00

Jan Sluitjers (1881-1957) se puede considerar uno de los artistas más importantes del siglo XX dentro del grupo de los pintores figurativos holandeses.

Iniciado en la pintura en Amsterdam donde pasaría la mayor parte de su vida, sus primeros viajes a París y su contacto con los neo-impresionistas y fauvistas le marcaron profundamente, en especial su relación con Toulouse -Lautrec y Kees van Dongen. Un crítico llegó a afirmar que “la influencia del monstruo de Montmartre” (Kees van Dongen) era claramente visible en los contornos y el colorido de sus cuadros.

Junto con Mondrian formaría en 1911 la "Sociedad de Arte Moderno" introduciendo nuevos estilos procedentes de Francia entre ellos el luminismo, experimentando así mismo con el cubismo y el futurismo.  Su tema favorito fueron las escenas provocativas o audaces realizadas por mujeres así como los cuadros de desnudos en los que retrató a sus numerosas modelos y amantes, entre ellas, una mulata llamada Tonia Stieltjes y a la que retrataría en numerosas ocasiones.

Uno de estos cuadros provocativos y que fue motivo de escándalo fue el que hoy vemos y en el que representó a dos mujeres abrazándose mientras se besan efusiva o apasionadamente. Jan Sluijters acababa de ganar en 1906 el Premio de Roma, el premio más importante del arte holandés por el que recibía una beca para estudiar en el extranjero durante cuatro años pero, el conocimiento por parte del jurado de la existencia de esta obra pintada unos meses antes durante su estancia en París, hizo que se le denegase la continuidad de dicha beca tachándose dicha obra de provocativa e inmoral.

Con respecto al catálogo de la obra de este pintor, se sigue trabajando para intentar valorar el tamaño de la misma que hasta la fecha es desconocida no existiendo además información definitiva acerca de la autenticidad y datación de muchas piezas. En la actualidad se encuentran catalogadas unas 1700 obras.

Jan Sluitjers fue condecorado en varias ocasiones y en 1952 nombrado caballero de la Orden de la Nederlandse Leeuw (una orden real holandesa).

Este cuadro pintado en 1905 se exhibe en el Van Gogh Museum de Amsterdam.

Rabbi With Cat - Natalia Goncharova

2011-04-07T21:12:00.005+01:00

Sobre Natalia Goncharova comentábamos en la última entrada que fue la compañera sentimental y profesional de Mikhail Larionov y una pintora destacada de la "avant-garde" rusa afincada en París a comienzos del siglo XX.

Ambos se influyeron artísticamente el uno al otro, fueron influídos por todas las corrientes pictóricas de ese periodo como el impresionismo, el cubismo y el fauvismo y crearon sus propios movimientos artísticos como los ya citados: “La Cola de Burro”, “La jota de Diamantes” y el “Rayonismo”. Goncharova fue miembro también desde sus comienzos en 1911 del movimiento vanguardista “Der Blaue Reiter” (El jinete azul), el movimiento fundado en Munich por Wassily Kandinsky para la defensa de la igualdad de derechos de las distintas manifestaciones artísticas.

Seguidora del flolklore, lo étnico y el primitivismo, sus viajes por Suiza, Italia y España acompañando a Diaghilev y junto a Larionov, le sirvieron para producir parte de su obra como en el caso de su estancia en España país del que se enamoraría y que le inspiró su serie de las “españolas” entre 1915 y 1916, el mismo año en el que Natalia diseñaría la escenografía y el decorado de los ballets “Triana” (pieza basada en la "Rapsodia española" de Maurice Ravel) y “España” (con música de Isaac Albéniz), obras para Sergei Diaghilev y que no llegarían a estrenarse. Su atracción por lo español sería después una constante en su obra y a lo largo toda su vida artística.

A pesar de su estancia fuera de su país natal, Goncharova nunca olvidaría sus raices y sus vivencias, algo que también le pasó a su compañero Larionov y que quedó reflejado en muchas de las obras de ambos.

Seguramente, una de esas vivencias que a ella la afectarían siendo una niña, serían los sucesivos "pogroms" o persecuciones que los judíos sufrieron en la rusia zarista desde 1881, año en que es asesinado el zar Alejandro II atribuyéndose su muerte a los judíos, hasta 1892 en que son expulsados de Moscú recrudeciéndose posteriormente estas persecuciones durante las dos primeras décadas del siglo XX.

En este cuadro, de clara influencia fauvista, Goncharova pinta a un rabino acariciando a un gato mientras unos hombres salen con unos sacos cargados a sus espaldas. Seguramente, la escena corresponde a uno de esos "pogrom" en el que unos judíos abandonan apresuradamente sus hogares llevándose sus pertenencias mientras el rabino acaricia a su gato por última vez antes de marchar él también. La mano de Dios aparece por la esquina superior izquierda.

El cuadro pretende ser un recuerdo y un mensaje sobre el sufrimiento y la intolerancia religiosa que ella percibiría y que plasmó en 1912.

Se conserva en la Scottish National Gallery of Modern Art, Edimburgo.

Para saber más de Natalia Goncharova pulsa aquí.

La Venus de Katsap - Mikhail Larionov

2011-04-05T16:56:00.002+01:00

Mikhail Larionov (1881-1964) fue un pintor ruso formado en la escuela de Moscú por su maestro Konstantin Korovin a través del cual se introduciría en las fuentes del impresionismo.

En 1906 viajó a París con su pareja, la también pintora Natalia Goncharova para colaborar en la exposición de arte ruso que Serguéi Diáguilev - el que luego sería fundador de los famosos Ballets Rusos - preparaba para presentar en el Petit Palais.

Afincado en París, con su compañera Goncharova, no perdería de vista todo el movimiento pictórico prerevolucionario de Rusia liderando el grupo de vanguardia formado por pintores como Varvara Stepanova, Alexander Rodchenko, Nadezhda Udaltsova, Drevin Alexander, Olga Rozanova, Pestel Vera y Zhegin Lev entre otros.

Con Goncharova, a la que estuvo unido profesional y sentimentalmente toda su vida, fundó movimientos pictóricos tan carácterísticos como fueron “La Cola de Burro”, “La jota de Diamantes” y el “Rayonismo” un movimiento de corta duración pero que fue pionero en la abstracción y una síntesis del cubismo, el futurismo y el orfismo.

A pesar de estos cambios de estilo, Larionov siempre estuvo marcado por la atracción que sobre él ejercía el primitivismo basado en su cultura y en la tradidición. Apoyado en ese primitivismo pintó en 1912 este cuadro “La Venus de Katsap”.

“La Venus de Katsap” tiene una clara influencia de las Venus que hemos visto estos últimos días, la Venus de Tiziano y la Olympia de Manet pero, sin llegar a perder la sensualidad que ambas trasmiten, tiene una clara connotación etnica o primitiva. Es tal vez una prostituta si nos atenemos al simbolismo que representa el gato que aquí aparece en una especie de tapiz o ventanal pero es seguramente una prostituta campesina, una mujer que ejerce en su propio hogar rural.

El apelativo de Katsap no se sabe exactamente a que corresponde y son varios los estudios y las opiniones que se han elaborado sobre esta palabra. Katsap es una palabra ucraniana que se usaba como un epíteto contra los soldados del ejercito ruso por lo que, tal vez, se podría interpretar que la mujer del cuadro era una prostituta a la que acudían dichos soldados.

Esta obra se conserva en el Nizhny Novgorod State Art Museum y forma parte de la serie de las numerosas "Venus" que pintó principalmente ese mismo año de 1912 presentando muchas de ellas una composición similar a esta como es el caso de la Jewish Venus (La Venus de los Judíos), cuadro que se conserva en el Museo Estatal Ruso de San Petersburgo.

Para ver un vídeo sobre la obra de Larionov pulsa aquí.

Olympia - Edouard Manet

2011-04-04T23:45:00.002+01:00

Siguiendo la huella de la "Venus de Urbino", cuadro que veíamos ayer, pintó Edouard Manet su "Olimpia".

Si la "Venus" pintada por Ticiano resultaba claramente erótica y sugerente, Manet no solo no se quedó atrás sino que buscó que el espectador percibiese que la mujer allí tumbada era una mujer dispuesta a ofrecer su cuerpo, una prostituta al alcance de todo el que la desease a diferencia de la cortesana de Ticiano, una mujer que parece esperar a un solo hombre, su amado o su reciente marido, y al que desea seducir con su sensual pose.

Manet carga a su modelo con elementos que aumenten y manifiesten la sensualidad o la riqueza vulgar. Ella lleva una gran orquídea en el pelo, un brazalete de oro, pendientes de perlas y un cordón anudado al cuello del que pende un adorno así como unos zuecos dorados uno de los cuales descansa sobre la cama. Al borde de esta, una mujer negra que parece inspirada en un cuadro de Ingres, le ofrece un ramo de flores que ella no mira como si despreciase al donante de las mismas, flores que, según cuentan los textos, era corriente su entrega por los clientes a las prostitutas de lujo. El perrillo tranquilo y sumiso que aparecía enroscado sobre la cama a los pies de la "Venus" de Tiziano es sustituido en esta escena por un gato negro del que se aprecia el brillo de sus ojos y su lomo arqueado, reflejo de una actitud defensiva y cuya presencia, se estima, simboliza la promiscuidad o la idea de la prostitución.

La modelo que dió vida a "Olympia" se llamaba Victorine Meurent y fue modelo de Manet desde 1862 hasta 1874 siendo principalmente conocida por este cuadro y por otro famoso cuadro pintado también en 1863, “Déjeuner sur l'herbe”. Victorine fue además una buena pintora que llegó a exhibir su obra en el Salón de París en 1875 y de la que se ha conseguido recuperar recientemente parte de su olvidada obra.

El cuadro de "Olympia" fue presentado por Manet en el Salón de 1865, dos años después de pintado, y las críticas que recibió fueron despiadadas. "Están lloviendo insultos sobre mí. Alguien debe estar equivocado", escribió el artista a su amigo, el poeta francés Charles Pierre Baudelaire. El crítico Jean Ravenel escribió en un articulo sobre el cuadro que cuando los visitantes contemplaban el cuadro era como estar viendo, la viciosa extrañeza de una joven de los suburbios de París o una mujer de la noche del “Paul Niquet” - un cabaret o burdel de París que gozaba de una pésima reputación -, una flor del mal o una pesadilla de Edgar Poe. Solo Emile Zola, amigo y defensor de Manet, consideraría esta obra como una obra maestra, cosa que el pintor le agradecería retratándole unos años más tarde, sentado, leyendo en una estancia en una de cuyas paredes está colgada una reproducción de la "Olympia".

En 1889 fue presentada en la Exposición Universal de París, donde la pretendió comprar un coleccionista americano. El pintor Sargent advirtió a Claude Monet el cual inició una suscripción popular para comprar la Olympia y donarla al Estado cosa que se consiguió siendo trasladado este cuadro al museo del Louvre en 1908.

En la actualidad se puede contemplar en el Musée d’Orsay, París.

La Venus de Urbino - Tiziano Vecellio

2011-04-03T23:56:00.003+01:00

Este cuadro se conoce como “La Venus de Urbino” por haber sido encargado a Tiziano por Guidobaldo II della Rovere el mismo año en que este se convertía en Duque de Urbino debido al fallecimiento de su padre, Francesco María della Rovere, el cual ostentaba dicho título.

Mucho se ha especulado acerca del motivo por el que el nuevo Duque de Urbino encargó en 1538 el retrato de esta mujer completamente desnuda y con una fuerte carga erótica en la pose y la mirada. Algunos han llegado a decir que fue un retrato de su primera mujer, Giulia da Varano, lo cual no es cierto, ya que esta modelo, bellísima y de nombre desconocido, es la misma que posó para Tiziano en otros cuadros anteriores como en el “Retrato de muchacha con pelliza” (1535), en “La Bella” (1536) o en el “Retrato de muchacha con sombrero de plumas” (1536). Los expertos e historiadores se basan más bien en el carácter decorativo o nupcial que tenían un cierto tipo de cuadros semejantes a este pintado por Tiziano y que se usaban para decorar los dormitorios después de una boda, cuadros en los que predominaban las Venus, los Cupidos y una serie de símbolos como flores, flechas, ropajes o animales relacionados con el amor sensual o conyugal.

Se estima que Tiziano se inspiró para este cuadro en la "Venus dormida" (Venus de Dresde), un cuadro pintado en 1510 por Giorgio Barbarelli, cuadro inacabado al fallecer este pintor ese año y que terminaría el propio Tiziano por lo que es evidente que este le debió servir casi como estudio previo para su posterior obra.

Aunque de composición similar en cuanto a la colocación y pose de la modelo, el cuadro de Barbarelli no presenta el carácter erótico y algo misterioso del cuadro de Tiziano. En la "Venus dormida", la modelo duerme en plena naturaleza con un paisaje bucólico-rural a sus espaldas mientras que en la "Venus" de Tiziano la modelo está tumbada sobre un revuelto lecho en una estancia palaciega y observa al espectador sugerentemente.

El cuadro parece componerse de dos cuadros que quedan diferenciados por la cortina situada a la espalda de la modelo y que llega hasta la línea del pubis. Un cuadro sería el de una voluptuosa imagen de una mujer desnuda, una cortesana oferente en la que se proyecta la luz que proviene de fuera del propio cuadro y el otro, el que representa una escena casi doméstica en que dos mujeres buscan o guardan ropajes en unos grandes arcones, situados en otra estancia en la que penetra la luz a través de un gran ventanal.

De esta composición existen los seguidores y los detractores, los que opinan que Tiziano se cargó el cuadro al colocar esa segunda imagen y los que opinan que sin esa segunda imagen el cuadro no tendría la carga y la fuerza de lo renacentista.

Un cuadro mágico, lleno de simbolísmos y que se puede contemplar en la Galleria degli Uffizi, Florencia y en el que se inspirarían numerosos pintores para la realización de nuevas obras maestras, algunas de las cuales veremos más adelante.

Aquí un poco de música de Claudio Monteverdi mientras observamos a la "Venus de Urbino."

Retrato de Olga - Francis Picabia

2011-04-01T23:55:00.004+01:00

Hablar de Francois Marie Martínez Picabia (1879-1953) como pintor resulta complicado pues es imposible encasillarle en ningún estilo. Tocó todos los palos y todos los ismos que le rozaron y de todos recibió su influencia. Picabia fue impresionista, nabi, fauvista, abstracto, cubista, orfista, dadaista, realista y al final de su vida, casi casi, hasta precursor del pop-art.

De ascendencia burguesa, nació en París donde su padre era agregado consular de la embajada de Cuba. Una primera herencia de su abuela en 1900 le permitiría montarse una vida relajada en pleno Montmartre con su primer amor Ermine Orliac y empezar a tomar contacto con el mundo de los impresionistas, los nabis y los fauvistas.

A Hermine Orliac la dejaría en 1909 para casarse con Gabriele Buffet, una joven músico con la que llegaría a tener cuatro hijos. Este matrimonio coincidió con la relación de Picabia con Marcel Duchamp y Jacques Villon y su integración en el grupo cubista cercano a la abstracción llamado el “Grupo de Puteaux”.

Despues llegarían el éxito de sus cuadros en Nueva York en 1913, la guerra mundial, Cuba, los viajes y las largas estancias en Barcelona, el Caribe, otra vez Nueva York, sus cuadros sobre "mecanismos" y su incursión en el dadaismo, todo ello llevando siempre una vida bohemia pero rodeada de lujo y que incluiría la separación de su mujer Gabrielle en 1919 para establecerse en un apartamento en París con su nueva amante, Germaine Everling con la que tendría un hijo un año después y al que llamarían Lorenzo.

A partir de 1921, Picabia se iría separando cada vez más del movimiento Dadaista rompiendo definitivamente con ellos después de la entrada de Breton y su fundación del movimiento surrealista. A todo esto, una segunda herencia percibida en 1923 por la muerte de su tío le permitiría continuar con su ritmo de vida de alto nivel convirtiéndose en un enamorado de los yates y los coches deportivos y de lujo de los que llegaría a tener cerca de un centenar. También esta herencia le permitiría abandonar París y establecerse en Mougins, una localidad situada en la vertical de Cannes en plena Costa Azul y donde se construiría una vivienda conocida como el "Chateau de Mai".

A este Chateau llegaría una joven suiza llamada Olga Moehler - la mujer del cuadro que hoy visitamos - contratada como niñera para cuidar al pequeño Lorenzo y que acabaría apartando a Germaine de la vida de Picabia para convertirse en su mujer al casar con él en 1940.

Picabia pintó a Olga Moehler en 1934 dentro de su vuelta pictórica al realismo de acuerdo con las directrices que pregonaba su amiga Gertrude Stein pero, todavía, bajo el efecto de las transparencias, un recurso consistente en superponer imágenes unas sobre otras y que Duchamp definió como “la tercera dimensión sin el recurso de la perspectiva”.

Olga Moehler sobrevivió a Francis Picabia, mantuvo un largo pleito de más de treinta años con los hijos del artista y obtuvo de los tribunales franceses la autoridad moral sobre su obra.

Murió en el año 2002.

Un video relativo a su obra se puede ver pulsando aquí.

La tertulia del Café de Pombo - José Gutierrez Solana

2011-03-31T01:33:00.000+01:00

El "Café de Pombo" fue un modesto y sombrío Café situado en el número 4 de la calle Carretas, a escasos metros de la Puerta del Sol en Madrid.

En este Café montó su tertulia literaria en 1912 el escritor y periodista Ramón Gomez de la Serna, el inventor de las famosas "greguerías", un juego literario consistente en la construcción de una frase corta e ingeniosa para definir algo. A esta tertulia que se celebraba todos los sábados por la noche y que duraba hasta bien entrada la madrugada acudían un grupo de intelectuales amigos del escritor que se convirtieron en asiduos de lo que se denominó “La Sagrada cripta del Pombo” ya que, esta tertulia se celebraba en un pequeño reservado ubicado dentro del Café y a nivel inferior del mismo lo que le daba un auténtico carácter de cripta.

Al pintor Gutierrez Solana, amigo de Gomez de la Serna, le encargó este en 1920 que hiciera un retrato dentro del local en el que apareciesen los asiduos a dichas veladas y así nació este cuadro en el que si no están todos los que eran, si aparecen muchos de los que se reunían allí todos los sábados. En él están retratados de izquierda a derecha y rodeando a Gomez de la Serna que es el que se encuentra de pié, el escritor, periodista y crítico teatral, Tomás Borrás; el también escritor y periodista además de crítico literario y de arte, Manuel Abril; el ensayista, poeta y dramaturgo representante de la Generación del 27 y hombre de fuertes convicciones republicanas que le valdrían el exilio despues de la guerra civil, José Bergamín; el pintor santanderino discípulo de Puvis de Chavannes y gran amigo y protector de Solana y al que este pintaría en otro de sus lienzos, José Cabrero Mons; el poeta, ensayista y catedrático de filosofía, Mauricio Bacarisse; el propio Solana; el escritor y diplomático venezolano, Pedro Emilio Coll y el escritor y dibujante creador del semanario infantil Pinocho y gran amigo de Manuel Abril, Salvador Bartolozzi.

Todos los personajes aquí retratados muestran una expresión hierática y ausente adoptando una postura rígida y forzada y hasta la naturaleza muerta formada por los objetos esparcidos sobre la mesa parece tener más vida que los propios personajes. El predominio del color negro crea la atmosfera clásica de la obra pictorica de Solana, su inconfundible aspecto que él recrea en su serie de "La España Negra".

Este lienzo, una de las obras más emblemáticas del pintor y escritor José Gutiérrez Solana, ha sido noticia hace unos días al informar el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, museo en el que se conserva este cuadro, de la aparición de una pintura de motivo religioso existente bajo la ya conocida y consistente en el interior de una iglesia con un altar barroco y una figura arrodillada delante de él. Dicho descubrimiento fue realizado durante los trabajos de restauración de dicho cuadro al apreciarse la aparición de grietas y craquelados y ser sometido a unas pruebas radiográficas y ultravioletas previas.

Este cuadro estuvo colgado en el "Cafe de Pombo" hasta la desaparición de la tertulia debido al comienzo de la Guerra Civil Española pasando el cuadro a manos de Ramón Gomez de la Serna.

Seguramente, durante todo el tiempo que el cuadro estuvo presidiendo aquella tertulia, solamente el pintor sabía que debajo de aquellos personajes existía otro motivo pictórico, motivo que la técnica acabaría descubriendo casi cien años después de pintado.

Para más información sobre esta noticia pulse aquí.

Noche de verano en la playa de Skagen - Peder Severin Krøyer

2011-03-29T21:02:00.004+01:00

A finales del siglo XIX Skagen era un pequeño pueblo de osados pescadores situado en la zona más septentrional de Dinamarca en la peninsula de Jutlandia, una zona bañada por el mar del Norte al oeste y el Báltico al este y que en los veranos se convertía en lugar de veraneo de escritores y artistas, principalmente daneses, enamorados de la belleza natural del lugar formado por playas kilométricas y dunas gigantescas en constante movimiento.

Allí se daban cita, entre otros, Severin Krøyer y Michael Ancher con sus respectivas mujeres, las pintoras, Marie Krøyer y Anna Ancher, los también pintores Carl Locher, Viggo Johansen, Laurits Tuxen y el noruego Christian Krohg, así como el poeta y pintor Holger Drachman - hoy enterrado en la playa de Skagen en un sepulcro que diseñó Severin Kroyer - los compositores Carl Nielsen y Hugo Alfven, el escritor y poeta Hans Christian Andersen, y el novelista Henrik Pontoppidan, escritor que alcanzaría el Premio Nobel de literatura en 1917.

El noruego Severin Krøyer y su mujer eran grandes amigos de los Ancher, los cuales, vivían durante todo el año en Skagen por lo que cuando se juntaban en los veranos aprovechaban para pasar largas veladas reunidos y para retratarse entre ellos.

En el verano de 1893 pintó Severin Krøyer este cuadro en el que se ve a su mujer Marie paseando a la caída de la tarde por la playa de Skagen en compañia de su amiga Anna Ancher, un cuadro al estilo de la serie que Krøyer pintó en los años 90 y en los que retrató a sus amigos, esposa y a él mismo vestidos generalmente de blanco y caminando a lo largo de aquellas playas de Skagen a esa hora del crepúsculo veraniego que allí, en Skagen, no termina nunca de llegar aportando al entorno un color azulado que iguala el cielo, el mar y la arena.

En esta obra se nota el encuadre fotográfico y la profundidad de campo fruto del pase de una escena fotografíada al lienzo, detalle que se manifestará en la composición de sus cuadros a raiz de la compra hecha por Krøyer en 1885 de una cámara fotográfica.

Este cuadro se puede contemplar en el Skagens Museum, Skagen, Dinamarca.

Pulsa aquí si deseas ver un vídeo sobre la obra de Krøyer.

Sylvia von Harden - Otto Dix

2011-03-28T23:59:00.004+01:00

Que el director Bob Fosse estudió hasta el más mínimo detalle en su maravillosa película "Cabaret", lo prueba el plano que la cámara recrea unos breves segundos durante la actuación del Maestro de Ceremonias del "Kit Kat Club" cantando su "Willkommen, Bienvenue, Welcome", plano que recuerda a una mujer cuya apariencia y pose inmortalizara Otto Dix en su cuadro, dedicado a la periodista Sylvia von Harden.

Sylvia von Harden (1894, 1963) nacida en Hamburgo, fue realmente más famosa por la pintura que de ella hizo Otto Dix que por su labor como poeta y periodista limitada a una columna que escribía mensualmente en una revista literaria y a dos volúmenes de poesía.

El aspecto andrógino de Sylvia, su pelo a lo garçon y su monóculo, hicieron que, según relató la propia Sylvia en un articulo que escribió sobre la génesis del retrato, este la abordase en la misma calle pidiéndola que le dejase pintarla alegando que era una representante de toda una época.

Para Otto Dix, uno de los integrantes de la Nueva Objetividad, representar lo que era la Alemania de entreguerras, con sus tullidos y mutilados de guerra, sus prostitutas y cabarets y su nueva sociedad generada durante la República de Weismar, constituía un medio de espantar, como él decía, el fantasma de la guerra del que no se había podido deshacer.

A Sylvia la pintó en 1926 en el "Romanischen Cafe", un lugar de encuentro de intelectuales y artistas de aquellos años, bebiendo un martini y fumando como solo lo sabían hacer las mujeres que jugaban a ser observadas por ser distintas a su tiempo.

Este cuadro se conserva en el Museo Nacional de Arte Moderno Centro Georges Pompidou de París.

Si se quiere entretener en localizar a la doble de Sylvia en el fragmento de "Cabaret" pinche aquí.

Nameless and Friendless - Emily Mary Osborn

2011-03-25T22:09:00.000Z

El titulo no puede ser más significativo “Sin nombre y sin amigos”. Efectivamente, eso es lo que debe estar pensando esa joven enlutada mientras el anticuario sopesa el posible valor del cuadro que ella le ha traído acompañada por su hermano pequeño.

Si uno no es famoso, se es mujer y se tienen pocos o ningún amigo dentro del mundo del arte es difícil que el excéptico observador de la obra vaya a ser muy generoso. No importa que en casa sean un montón de bocas que se han quedado huérfanas y que ella esté dispuesta a malvender su arte. Ni al marchante ni a los dos libidinosos que la escrutan, igual que al grabado que tienen entre manos, les importará seguramente demasiado.

Mary Osborn, una pintora inglesa nacida en 1834, en plena era victoriana, fue miembro de la Sociedad de Mujeres Artistas, una formación nacida en Inglaterra con el objeto de reivindicar los derechos de las mujeres artistas y la necesidad de que su obra fuera valorada y considerada igual que la de los pintores del sexo masculino. El cuadro “Nameless and friensless,” pintado por ella en 1857, fue presentado en la Exposición Internacional de 1862 obteniendo un gran éxito y aumentando la popularidad y cotización de esta pintora.

Se dice que la escena representada en el lienzo se basó en la novela “Self Control” de la escritora inglesa María Brunton en la que se relatan las luchas de una pintora para conseguir vender sus cuadros y poder así salvar a su padre de la ruina financiera.

Este cuadro, el más conocido en la obra de Osborn, se exhibe en la Tate Britain de Londres. De él hizo Osborn un estudio previo que se conserva en la York Art Gallery.

La Fuensanta - Julio Romero de Torres

2011-03-24T20:10:00.000Z

Mucho es lo que se conoce y mucho lo que se ha escrito sobre las mujeres que posaron para el pintor cordobés Julio Romero de Torres, un pintor en el que la mujer ocupó siempre un lugar principal en su pintura, una pintura altamente simbólica y en el que ella representará la dualidad. La mujer será la inocencia y la provocación, la castidad y el pecado, lo sagrado y lo profano.

A lo largo de su vida como pintor, Julio Romero buscará un tipo de mujer que se corresponda con su modelo de mujer española y que encaje con el carácter casi étnico de sus cuadros en los que aparecen objetos tales como guitarras españolas, mantones de manila, sombreros cordobeses, cántaros y rosarios y que se pueden considerar símbolos de esa cultura andaluza que él siente y que extiende a lo español.

Sus modelos serán cetrinas, algo agitanadas, potentes, de largos y negros cabellos y grandes ojos y adornadas de una alta dosis de sensualidad en la mirada.

Estas características reunía la mujer que aparece retratada en “La Fuensanta”, una conocida modelo de Julio Romero llamada María Teresa López González, una argentina hija de emigrantes españoles regresados a España y afincados en Córdoba.

Teresa empezó a posar para Julio Romero con solo 12 años debido a la vecindad que tenía con el estudio del pintor en Córdoba y que hizo que él reparase en aquella niña a la que iría pintando en numerosos cuadros y por la que llegó a sentir una atracción irresistible. Cuando Julio la retrató en este cuadro Teresa tenía 16 años y de ella se llegó a decir que había sido su amante, relación que ella siempre negó y que ratificó poco antes de su muerte en el 2003 en una olvidada residencia de ancianos.

En este cuadro, aparece apoyada sobre un cántaro plateado y al lado de una fuente que dá nombre al cuadro y que debe corresponder a la del Santuario de La Fuensanta, en Córdoba, un lugar donde la tradición sitúa la aparición de la Virgen y a cuyo manantial se le atribuyen propiedades curativas. Como en toda la obra de Julio Romero, se entroncan los símbolos, la tradición, la religión y la sensualidad.

Como anécdota, citar que este cuadro pertenece al imaginario español ya que, su imagen figuró reproducida en los billetes de 100 pesetas que se emitieron en España en 1953 y estuvieron en circulación hasta 1978. Curiosamente, este lienzo estuvo desaparecido desde 1930, en que fue vendido por Julio en la Exposición Iberoamericana de ese año a un coleccionista de arte, hasta el 2006, año en que apareció en Buenos Aires en manos de un coleccionista argentino. Sacado a subasta por Sotheby's en Londres, en 2007, se vendió por la nada desdeñable cifra de 1,173,000 euros, todo un récord para el artista. La pintura fue comprada por un coleccionista desconocido que pujó por teléfono.

Este cuadro fue pintado en 1929 y junto con el de "La Chiquita Piconera" - cuya modelo también fue María Teresa López - fue uno de los últimos cuadros de Julio antes de su muerte en 1930.

Bocca Baciata - Dante Gabriel Rossetti

2011-03-23T20:14:00.002Z

Dante Gabriel Rossetti (1828-1882), fue un poeta y pintor inglés fundador en 1848 junto con William Holman Hunt y John Everett Millais de la “Hermandad Prerrafaelita”, un movimiento pictórico que surge a la búsqueda del estilo pre-renacentista intentando recuperar un arte más espontáneo basado en el simbolismo, la naturaleza y la técnica de los pintores flamencos e italianos de ese período.

Las modelos jugarán un papel importante en la obra de estos prerrafaelistas a la búsqueda de un cánon determinado de mujer que una vez encontrada, compartirán para inspiración de su obra.

Son varias las mujeres que trabajarán como modelos para Dante Gabriel Rossetti. Las primeras serán su madre y su hermana Cristina, dos mujeres que ya aparecen juntas en el cuadro de “La Niñez de la Virgen María”. Después, será una bella costurera de buena familia, descubierta por Millais para su cuadro “Ofelia”, Elizabeth Eleanor Siddal, la que que se convertirá en su musa y modelo y con la que llegará a casarse. Con la muerte temprana de Elizabeth penetra en su vida una prostituta pelirroja de carnosos labios y algo entrada en carnes llamada Fanny Cornforth, a la que ya había conocido y pintado en vida de Elizabeth y que se convertirá en su modelo favorita, retratándola en más de sesenta obras, así como en su amante y amiga hasta el final de sus días. Junto con Fanny, otras mujeres serán retratadas y amadas por Rossetti, como es el caso de Alexa Wilding, Jane Burden la mujer y modelo del también pintor y escritor William Morris, Annie Miller, amante y modelo de su compañero de "Hermandad" Holman Hunt, María Zambaco, el amor del pintor Edwar Burne-Jones y Marie Spartalli Stilman, una bella pintora griega adscrita al movimiento prerrafaelista.

En "Bocca Baciata" (Boca besada), también titulado “La canción de la alcoba” y pintado en 1859, Rossetti usa como modelo a la pelirroja Fanny Cornforth para pintar un cuadro sensual en el que hace destacar los labios de la modelo colocando una manzana en primer término como símbolo bíblico de la tentación.

El cuadro, un óleo sobre tabla, marca un inicio en la obra de Rossetti en lo que respecta a sus voluptuosos retratos con un marcado estilo veneciano. En el revés del cuadro existe una inscripción realizada por Rossetti basada en el Decamerón de Boccaccio, que dice:

“Bocca baciata non perde ventura, anzi rinnova come fa la luna.” que podríamos traducir como “La boca besada no pierde su frescura sino que se renueva como la luna.”

Este cuadro se puede contemplar en el Museum of Fine Arts de Boston.

Si desea ver un agradable video en el que se muestra la relación mujeres - retratos en la obra de Rossetti pulse aquí.

Las luchadoras del Tabarin - Kees Van Dogen

2011-03-22T19:48:00.001Z

El "Bal Tabarin" fue un cabaret parisino situado en la zona de Pigalle célebre por sus atracciones de coristas, acróbatas y números subidos de tono tales como como el espectáculo con influencia javanésa de las "luchadoras" y que daría nombre al cuadro.

El ambiente de este local fue pintado por numerosos pintores como Jules Pascin, Touluse Lautrec, George Rouault, Alexandre Grun, Abel-Truchet y el propio Kees van Dongen entre otros.

1907, el año en que Kees van Dongen pintó este cuadro, entra dentro del período en que él vive y tiene su estudio en el destartalado y ruinoso apartamento del Bateau-Lavoir, en la parte alta de Momtmartre, teniendo como vecino a su amigo Picasso y con el que visitará asiduamente los locales de la zona tales como el "Circo Medrano", el "Folies Bergères", el "Moulin de la Galette" y el "Bal Tabarin" y en los que se inspirará para su serie de cuadros de payasos, acróbatas y bailarinas.

El cuadro muestra a diez mujeres, a diez “lutteuses” estáticas, colocadas simétricamente como para una fotografía y en actitud oferente. No muestran sus habilidades sino que parecen ofrecer al espectador sus rotundos y musculosos cuerpos embutidos en unas mallas rosas como si de mujeres de un harén o prostíbulo se tratase.

Presentado en el Salón de los Independientes de 1907 recibió las críticas de Guillaume Apollinaire, el redactor del manifiesto cubista y protector del fauvismo, el mismo que luego le ensalzaría dos años después, lamentando que usase los más bellos colores en mostrar la prostitución o las “desgracias urbanas”.

“Las luchadoras del Tabarin” se estima que está inspirado en las “Demoiselles d’Avignon,” cuadro que Picasso acababa de pintar y ambos a su vez en el de “Las bañistas” de Cezanne, obra de la que también Matisse y Derain habían hecho sus versiones.

Picasso con su obra fundaba el cubismo y Kees van Dongen, por su parte, comandaba con Matisse el movimiento que el crítico Louis Vauxcelles bautizara en el Salón de Otoño de París en 1905 como el fauvismo.

Este cuadro, se conserva en el Nouveau Musée National (NMNM) en Mónaco, lugar en el que Kees van Dongen vivió desde el año 1949 hasta su muerte en mayo de 1968.

American Gothic - Grant Wood

2011-03-18T21:26:00.000Z

“Gótico americano”, la obra del pintor de Iowa, Grant Wood (1891-1942) se estima que es la pintura mejor conocida por los estadounidense y un auténtico icono del llamado regionalismo norteamericano.

Pintura criticada, alabada y caricaturizada desde su creación, fue gestada en 1930 a la vuelta de Wood de uno de sus viajes a Munich donde pasó temporadas en su primera época como pintor ya que, ciertos trabajos, consistieron en el diseño de murales y vidrieras para grandes ventanales que eran fabricados en dicha ciudad. En Alemania se debió impregnar Wood del movimiento pictórico de entreguerras existente en aquellos momentos formado por el grupo de Otto Dix, Max Becman, Christian Schad y George Gros (La Nueva Objetividad), así como de la arquitectura de las catedrales y de las pinturas góticas y renacentistas que pudo contemplar en los museos. Según el propio Wood, Alemania le había influido poderosamente para la creación de este cuadro.

Al parecer, Wood descubrió, en uno de sus paseos, el edificio de madera que figura en el cuadro en un lugar cerca de Eldon, Iowa, sorprendiéndole vivamente y tomando unos apuntes de él. Una vez en su estudio, pensó en colocar dos personas, dos americanos, hombre y mujer, con aire de granjeros. La labor de encontrar quién quisiera posar para aquél cuadro fue complicada ya que nadie se quería prestar por lo que al final fueron la propia hermana menor de Wood, Nan y su dentista, el señor McKeeby, los que se animaron a quedar retratados con la promesa de que no serían reconocidos, promesa que Wood no cumplió.

Al dentista le vistió como a un auténtico granjero de la zona y armado con una horquilla de largas púas y a Nan, le colocó el mismo medallón o camafeo que lucía su madre en un retrato anterior titulado, “Woman with plants”.

Ambos aparecen en un primer plano, muy estilizados y con la imagen de la granja a sus espaldas de la que destaca su ventana ojival. La expresión de ambos es seria y no se puede evitar mirarles a los ojos, los de ella clavados en algún punto indeterminado y los de él mirando sin ver al espectador.

El cuadro, una vez pintado, sufrió todas las críticas imaginables y se le reprochó a Wood que hubiera intentado ridiculizar a la gente del campo a lo que Wood adujo que él solo había querido representar la auténtica imagen del americano, de lo que él veía a su alrededor.

De este cuadro se han realizado cientos de versiones de todo tipo e intención. La pareja ha sido versionada como una pareja de pijos, terroristas, drogatas, atletas o como los Reagan, los Nixon o los Clinton.

Wood consiguió vender este cuadro en 300 doláres al The Art Institute de Chicago donde se puede contemplar. Hoy en día, Grant Wood es un pintor bastante más cotizado que cuando vendió este cuadro. Sotheby’s subastó hace algún tiempo uno de sus paisajes en la nada desdeñable cifra de siete millones de dólares.

Marina maquillando a Luciano - Franz Gertsch

2011-03-17T20:20:00.000Z

Viendo este cuadro de Franz Gertsch, el pintor suizo hiperrealista, uno casi espera escuchar el solo de saxofón que sonaba - suena - al final de “Walk on the wild side”, la canción amarga dedicada por Lou Reed a los travestis que él conoció en “El Dom”, el club de la "Fábrica Warhol" o, tal vez, la voz de la asexuada Patti Smith - a la que también retrató Gertsch - y su desgarrada versión de “Hey Joe”. Uno percibe, ve, el equívoco mundo de la androginia, del quien es quien y el cual de los dos es él o ella.

A Luciano Castelli, pintor también suizo, lo pintó Franz Gertsch en una serie de trece cuadros en los que aparece en varios de ellos junto a los amigos comunes de ambos.

En este, el fotorrealismo de Gertsch nos muestra la ambiguedad de la sexualidad de los personajes representados, ambiguedad que se manifestó con toda su fuerza en la que fue segunda mitad del siglo XX. ¿Es Marina la que maquilla a Luciano?. ¿Quién es el hombre, quién es la mujer? Queda la duda y el espectador, al otro lado del cuadro, se siente tremendamente voyeur.

Pintado en 1975, se puede contemplar en el Museum Ludwig,Köln.

Maiko - Kuroda Seiki

2011-03-16T19:42:00.001Z

Kuroda Seiki, (1866-1924), fue el seudónimo de un pintor japonés llamado realmente Kiyoteru Kuroda, un pintor famoso por haber introducido el modelo de pintura occidental en Japón rompiendo los moldes y reticencias existentes en la cultura pictórica nipona.

Hijo de un samurai, fue adoptado por su tío paterno, hombre muy relacionado con las esferas cercanas al emperador, recibiendo una buena formación académica y linguística que le permitiría marchar a Francia con diecisiete años a estudiar la carrera de Derecho. Aficionado a la pintura, entra en París en contacto con los pintores Hosui Yamamoto y Fuji Masazo, así como con el marchante y especialista en ukiyo-e, Tadamasa Hayashi, los cuales le intentan convencer de que deje los estudios de Derecho y se dedique a la pintura, lo que al final hará, entrando en el estudio de Rafhaël Collin, un joven pintor académicista vagamente influido por el impresionismo y formado por Bouguereau y Cabanel y que ya había tenido como alumno a Fuji Masazo. En 1890 conoce a la que será su mujer y modelo en muchas de sus obras, María Billault.

En 1893, después del exito obtenido con una de sus mejores obras - luego destruída- “Aseo matinal”, en el que representa a una muchacha desnuda, emprende el viaje a Japón con su obra bajo el brazo, encontrando un gran rechazo por parte de la sociedad nipona opuesta a la exhibición de desnudos en el arte.

En 1895 obtiene un gran exito con este mismo cuadro en una exposición en Kioto consiguiendo la admiración de muchos pintores japoneses seguidores en ese momento de la "Bijutsukai Meiji", un movimiento de pintores de estilo occidental en el que llegará a provocar la escisión formándose dos grupos de distinta tendencia o conservadurismo.

Con los años, su pintura es reconocida y superados los tabues existentes ocupa el puesto de director de la Universidad Nacional de Tokio de Bellas Artes y Música convirtiéndose posteriormente en pintor de la Corte Imperial. En 1922, es nombrado jefe de la Imperial Academia de Bellas Artes. y en 1923 galardonado con la Gran Cruz de la Legión de Honor.

El cuadro “Maiko” lo pintó Kuroda en 1893 a su regreso a Japón. Después de tantos años fuera de su país y formado en la cultura occidental, quedó sorprendido con el mundo que encontró iniciando un viaje por el país en el que plasmaría con su técnica occidental, parte de aquellas costumbres orientales. Así, surge este cuadro en el que pinta a una joven “maiko”, una aprendiz de “geisha”, ataviada con un colorido “kimono” ceñido con el ancho “obi” y bajo el cual asoma el “nagajuban” de color rojo como corresponde a una "maiko". Seguramente, la mujer que está a su lado es su maestra, su "geisha" mentora o "onee-san". Ambas charlan junto a un gran ventanal de la que debe ser su escuela u “okiya”, su hogar en el que permanecerá hasta que se convierta en una “geisha”.

Un bello cuadro que nos devuelve a momentos más serenos que los que vive Japón en estos momentos y que se puede contemplar en el Tokyo National Museum de Tokyo.

Isabel Rawsthorne standing in a street in Soho - Francis Bacon

2011-03-15T20:50:00.001Z

Pintora, diseñadora y modelo de innumerables artistas, la británica Isabel Rawsthorne (1912-1992) vivió un siglo en el arte, con el arte y para el arte sin despreciar los goces de lo mundano.

Casada tres veces, primero con el periodista Sefton Delmer, corresponsal que fue del Daily Express durante la Guerra Civil española y la invasión de Polonia por la Wehrmacht en 1939 y del que se divorciaría durante la 2ª Guerra Mundial; después, en 1947, con Constant Lambert, un compositor y director de orquesta famoso por sus trabajos para el ballet ruso de Serge Diaghilev’s y, tras la muerte de este en 1951, con el también compositor británico Alan Rawsthorne.

Su vida a caballo entre París y Londres le permitió establecer una buena relación con sus contemporáneos André Derain, Jacob Epstein, Alberto Giacometti, Balthus, Eduardo Paolozzi, Pablo Picasso y Francis Bacon entre otros y dar a conocer su obra en los círculos pictóricos europeos. También mantuvo una relación social en los ambientes cultos en que se movían Simone de Beauvoir, Sartre, Jean Wahl, René Leibowitz y Georges Bataille con quién se dice que mantuvo relaciones al igual que con su gran amigo, Alberto Giacometti.

A Francis Bacon le conoció en Londres, durante su segundo matrimonio, formando con él y el pintor Lucian Freud un grupo puntero en la pintura figurativa.

En su relación pictorica con Francis Bacon, ella le sirvió como modelo en numerosos retratos y en la relación personal, tal vez como amante, a pesar de ser Bacon, un conocido homosexual. De Francis Bacon se cuenta que dijo durante una entrevista a una famosa revista francesa: "Tú sabes, yo también hice el amor con Isabel Rawsthorne, una mujer muy hermosa que fue modelo de Derain y novia de Georges Bataille."

En este enigmático cuadro titulado “Isabel Rawsthorne, de pie en una calle en el Soho”, Francis Bacon retrató a Isabel basándose en dos fotografías que John Deakin, un fotografo inglés ligado al grupo de Bacon, había hecho a Isabel por encargo de este.

Ella estaba de pie delante de un escaparate con un automóvil a sus espaldas, automóvil que Bacon transforma en un toro-automóvil situando a Isabel en una especie de ruedo y en la línea entre sol y sombra, esta última de un azul intenso.

De sus manos parece pender lo que puede ser un capote y su postura, altiva, recuerda la figura del matador. A la derecha y sobre esa especie de espejo cóncavo, una serie de espectadores contempla la faena.

Bacon fue un enamorado de España y de la fiesta de los toros a la que asistió con frecuencia y de la que realizó su serie de “Tauromaquias”. Este cuadro pintado en 1967 pudo ser un avance o estudio para dichas tauromaquias.

Esta obra se conserva en el Staatliche Museen zu Berlin, Nationalgalerie.

El bufón Don Sebastián de Morra - Diego Velázquez

2011-03-13T23:51:00.002Z

Los bufones fueron personajes que debido a sus habilidades y características físicas o mentales con algún grado de deficiencia o minusvalía que los hacía más llamativos, nutrieron las cortes para distracción o compañia de reyes y cortesanos. En España, fue con los Austrias donde alcanzarían su máximo apogeo abundando entre estos bufones los enanos, los hidrocefálicos, los cretinos y también algunos sin ningún tipo de tara congénita desapareciendo de las cortes palaciegas con la llegada del primero de los Borbones.

Sebastián de Morra formó parte de aquel numeroso grupo de individuos con esta denominación que circulaban por la corte de Felipe IV y entre los que se encontraban personajes cuyas identidades nos han llegado gracias a los retratos de muchos de ellos a los que pintó Velázquez como pintor de la corte que era.

Este personaje, un acondroplásico pero dotado de una inteligencia normal, había servido al Cardenal Infante don Fernando de Austria - hijo de Felipe III - durante su estancia en Flandes y a la muerte de este en 1641 regresó a España entrando al servicio del príncipe Baltasar Carlos, en la corte de Felipe IV, con el que permanecería hasta la muerte del príncipe en 1646. Al parecer, este le tuvo un gran cariño y respeto habiéndole dado el tratamiento de "don" y colocado un criado para su servicio. Se sabe también que en su testamento le legó su excelente equipo de caza a la que era muy aficionado.

Velázquez le retrata sentado en el suelo, con sus piernas estiradas y los puños cerrados y con una expresión en el rostro entre melancólica y grave pero dotada de una gran elegancia así como una profundidad en la mirada que consigue magnificar al personaje frente a su pobreza física. La indumentaria que viste, consistente en un traje de paño verde con cuello y puños de encaje de Flandes y una ropilla púrpura con galones de oro sobre los hombros dan idea de su alta condición ya que estos eran ropajes más propios de un príncipe que de un simple servidor.

Su mundo estuvo al lado del de los otros enanos y bufones que conocemos a través de Velázquez como fueron Nicolasito Pertusato, enano que aparece junto a la también enana María Bárbara de Asquin (Maribárbola) en el cuadro de "Las Meninas", el cretino Francisco Lezcano (El niño de Vallecas), Pablo de Valladolid, Juan Calabazas ( Calabacillas), un hidrocéfalo al que retrataría en dos ocasiones y Diego de Acedo, otro enano de inteligencia normal, funcionario de palacio y encargado de la estampilla con la firma del rey y al que se conocería como “El Primo.”

A todos ellos los pintó Velázquez con una gran dignidad y sin ánimo de ridiculizarles, dejándolos retratados para la posteridad como parte que fueron de aquel mundo palaciego de Felipe IV.

Don Sebastián de Morra murió en 1649, cinco años después de pintado este retrato, el cual, se puede contemplar en el Museo Nacional del Prado, Madrid.

Retrato de Jaime Sabartés - Pablo Picasso

2011-03-12T23:49:00.002Z

Nacido en Barcelona en 1881, Jaime Sabartés fue un escritor, escultor, comerciante, marchante, periodista y profesor de instituto antes de pasar a convertirse en el secretario personal de Picasso, su gran amigo desde que tenía dieciocho años y al que permanecería ligado hasta su muerte en 1968.

Picasso y Sabartés se habían conocido en "Els Quatre Gats", un local de Barcelona en el que se reunía toda la intelectualidad de la época y del que ambos eran clientes habituales. Su amistad continuó al marchar Picasso a París, ciudad a la que iría Sabartés a pasar una temporada hasta su marcha a Guatemala a la búsqueda de nuevos horizontes laborales.

En 1934, Jaime estaba atravesando una grave crisis económica por lo que Picasso le ofreció el hacerse cargo de sus asuntos personales a lo que Sabartés aceptó instalándose en París junto a Picasso.

Se comenta que este, no era excesivamente generoso con el sueldo que le pagaba pero si le iba regalando pinturas, grabados y dibujos que Sabartés fue juntando hasta llegar a tener una abundante muestra de la obra del pintor malagueño.

En 1960, Jaime Sabartés decidió donar todas sus obras a una institución y siguiendo los consejos de Picasso donó toda su colección al que luego sería el Museu Picasso de Barcelona y cuyos fondos ampliaría el mismo Picasso unos años más tarde.

A lo largo de su vida, Picasso retrató en numerosas ocasiones a Jaime Sabartés y uno de sus primeros retratos fue este en el que se ve a Jaime sentado delante de una gran cerveza y con cara de aburrimiento. Se cuenta, que Sabartés estaba recién llegado a París en 1901 y había quedado con Picasso en el "Café de La Lorena", cerca del Museo de Cluny. Sabartés que había llegado antes, a pesar de padecer una severa miopía se había quitado las gafas con lo cual, su rostro, presentaba un gesto entre aburrido y adormilado que provocó una gran hilaridad a Picasso cuando llegó al café acompañado de sus amigos y sorprendió a Jaime en esa pose con la que luego le pintaría reviviendo su expresión.

Al parecer, Jaime, al ver el cuadro una vez pintado exclamó que el allí retratado era “el fantasma de su soledad”. Sin él saberlo había servido de modelo durante su ensoñación.

Este cuadro se conserva en el Pushkin State Museum of Fine Arts, Moscow.