Children Reading Comics - Peter Blake

Este cuadro pintado en 1954 fue la primera obra importante del pintor Peter Blake, realizada cuando solo tenía 22 años y mientras estudiaba en el Royal College of Art en Londres.

Basada en una fotografía de él junto a su hermana Shyrley, la cual lleva un parche en el ojo, los muestra sentados en un banco y sosteniendo cada uno, unas páginas del "Eagle" (Aguila), un cómic lanzado en 1950 y diseñado para entretener y educar a sus lectores jóvenes pero con un formato adulto y con algunas secciones en cierto modo sensacionalistas.

Los personajes sostienen el cómic pero, realmente, su mirada se dirige hacia el espectador con una expresión entre tímida y recelosa, como sorprendidos en una instantánea fotográfica.

Peter Blake fue un pintor y artista gráfico británico que se convirtió en uno de los exponentes del Pop Art. Según autores, Blake se anticipó a los artistas POP americanos tales como Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg y Andy Warhol.

Entre sus obras más conocidas está la portada que diseñó en 1967 para la cubierta del legendario disco de los Beatles "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" y en el que situó a los Beatles rodeados por personajes famosos como Marilyn Monroe, Oscar Wilde, Allan Poe, Marlon Brando y muchos otros .

Peter Blake, fue nombrado "caballero" (Sir) por la Reina de Inglaterra en 1981.

Esta obra fue incluida en la exposición que se hizo en la National Gallery de Londres en el año 2000 con el nombre de "Pintando el siglo: 101 obras maestras del retrato 1900-2000"

Forma parte de la Colección del Royal College of Art, London

Luna de miel en Taormina - Gregorio Prieto Muñoz

Cuando la noche se echa y los almacenes y tiendas apagan sus luces y cierran sus puertas, seguramente los maniquíes cobran vida y abandonan su estático reposo y charlan, pasean, y se aman entre los mostradores.

Los más afortunados viajan en grandes contenedores y hasta pueden llegar a tener una luna de miel en Taormina aprovechando una fastuosa exposición de modelos para los humanos.

Mientras duran, su belleza es siempre igual y su amor constante para envidia de los mortales.

Ya lo escribió Vicente Aleixandre: "Luna de miel en Taormina. Un paisaje saturado de azules cargados, sobre un asomo de pámpanos o floresta, de todo lo que en el amor se consume o se agosta. Y dos maniquíes, dos sucintas esencialidades, despojados de todo lo que despierta, sumidos en la violenta pasión que no se termina. Amor para siempre."

Este cuadro pintado en 1936 representó a España en el Pabellón Internacional de la Exposición de París de 1937 desapareciendo misteriosamente durante dicha exposición y siendo encontrado 50 años más tarde en los sótanos del palacio Albéniz de Barcelona.

Se encuentra expuesto en el Museo de la Fundación Gregorio Prieto, Valdepeñas.

Quappi con suéter rosa – Max Beckmann



Mathilde von Kaulbach, apodada Quappi debido a la similitud de su apellido con la palabra alemana Kaulquappe (renacuajo), era hija del pintor alemán Friedrich August von Kaulbach y de la violinista Frieda Scotta.

Quappi, mujer culta y preparada para ser una gran violinista como su madre, abandonó su carrera y sus estudios para casarse en 1925 con Max Beckmann, hombre veinte años mayor que élla, y que se convertiría en su Pigmalión, además de su retratista en numerosos cuadros de su obra pictórica.

Este cuadro y según relataba Guillermo Solana, director artístico del Museo Thyssen-Bornemisza, fue pintado en dos periodos, un primer periodo en Frankfurt en 1932 en la que Quappi aparecía con una expresión más sonriente y un segundo realizado en 1935 tras su marcha a Berlin y en el que añadió una mayor seriedad a su rostro.

A Quappi, a la que también llamaron "La Americana" por su estilo muy moderno en la forma de vestir o de fumar, la utilizó como modelo en 17 retratos y en al menos otros 50 cuadros en los que se la puede identificar dentro de los distintos personajes que aparecen en los diferentes temas de dichos cuadros.

En este, según relata la propia Mathilde en su autobiografía "Mein Leben mit Max Beckmann" publicada en 1983, el modelo que luce es un suéter rosa entretejido de gris acero y un gorro del mismo material que compró en una tienda de Frankfurt. Al parecer, Max Beckmann, nada más verla así vestida, comenzó a retratarla de inmediato.

Hay un detalle extraño de ejecución en la obra y es el relativo a la mano izquierda de la figura, la cual, parece no corresponder a la postura adoptada o más bien, da la impresión de un defecto de construcción en el trazo de los dedos meñique y pulgar.

Este cuadro se expone en el Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid.

Pravda II - Elinore Schnurr

A él le encantaba encerrarse de vez en cuando en el Pravda, aquel bar-cueva de Nueva York en pleno Soho. Tenía la sensación de estar cometiendo una actividad ilegal o prohibida. Tomarse un vodka en un bar que se llamaba igual que el antiguo periódico del Partido Comunista y decorado con ese cierto aire de clandestinidad le resultaba fascinante.

Bueno, la auténtica realidad es que preparaban unos cocteles de vodka con zumo de limón y unas hojas de menta que estaban deliciosos.

La última vez, él decidió tirar la casa por la ventana y compartimos una ración de "Sevruga del Caspio" para acompañar el segundo vodka.

Una buena noche, un buen lugar y un buen caviar.

Más obra de este pintor en su página web http://www.elinoreschnurr.com

The Daughters of Edward Darley Boit - John Singer Sargent

Este misterioso cuadro fue pintado en 1882 por el estadounidense John Singer Sargent durante el periodo en que vivió en Paris y fue un encargo hecho por Edward Darley Boit, otro pintor americano residente en París y hombre acaudalado.

El cuadro, de grandes dimensiones, presenta a las cuatro hijas de Boit en el piso que este tenía en Paris, ataviadas con unos delantales blancos y colocadas como para posar para un fotógrafo, mirando a la cámara, a excepción de la hija mayor que aparece retratada de perfil apoyada en uno de los dos grandes jarrones que presiden la entrada a la estancia.

El cuadro, me trae a la memoria la pélicula de Stanley Kubrick, "El resplandor", debido a la sensación inquietante que produce su contemplación. Hay quienes han querido ver en este cuadro el paso de la niñez a la adolescencia y otros han dicho que la escena es simplemente la de unos niños en un instante de su vida en común.

En lo que si concuerdan todos los entendidos es en que John Singer Sargent, se inspiró para este lienzo en "Las Meninas" de Velázquez, cuadro que copió en una de sus muchas visitas realizadas al Museo del Prado como copista.

El cuadro ha sido objeto de un libro escrito por la historiadora y restauradora Erica Hirshler en el que describe todos los entresijos del cuadro.

Las hijas de Boit, Mary Louisa, Julia, Jane  y Florence, nunca se casaron y donaron en 1919, en memoria de su padre, el cuadro y también los jarrones al Museum of Fine Arts de Boston. 

Este cuadro fue expuesto como obra invitada en el Museo Nacional del Prado, Madrid desde marzo a mayo del pasado año.

Retrato corto de Picasso - Jusep Torres Campalans

Este cuadro pintado en 1912 tiene una doble historia. Una de ellas es que este fue un retrato realizado por el pintor Jusep Torres Campalans a su admirado y gran amigo Picasso con el que compartió más de una juerga en el París de principios de siglo.

La otra historia es que, Jusep Torres Campalans, nunca existió.

Jusep fue el nombre de un pintor cubista, creado por la imaginación del escritor Max Aub y al que dió vida en su novela "Jusep Torres Campalans" publicada en 1958.

En su novela, Max Aub le hace nacer en Lérida, de joven se inicia en las Bellas Artes en Gerona y con el tiempo conocerá a Picasso en Barcelona que es quien le estimulará el deseo de dedicarse a la pintura aunque el siempre había querido ser un poeta anarquista.

Con esta obra, Max Aub hizo creer al mundo que Torres Campalans existió realmente ya que, no solo volcó en ella sus propias ideas sobre la pintura y sobre los pintores de su época sino que, incluyó una serie de cuadros pintados por él.

Max Aub contó con el apoyo de amigos pintores y escritores que participaron en el engaño dando una mayor veracidad al personaje.

Los cuadros pintados por Max Aub están en manos de coleccionistas y amigos, aunque gran parte de ellos han desaparecido. En el año 2003 con motivo del centenario del escritor, el Circulo de Bellas Artes de Madrid presentó una exposición dedicada a “El universo de Max Aub” en que se exhibieron una decena de dichos cuadros, exposición que luego se complementaría con otra en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

La bailarina Anita Berber - Otto Dix

Anita Berber fue un icono de la Alemania decadente durante la república de Weimar, antes de la llegada del nacional socialismo.

Modelo, actriz del cine mudo, bisexual, drogadicta, destacó principalmente como bailarina, incorporando a su baile un estilo transgresor y erótico que fascinaba al público llegando a bailar desnuda al compás de la música de compositores de la talla de Strauss o Debussy. Sus detractores la consideraban vulgar y de mal gusto, mientras que sus seguidores la admiraban por su sofisticación y atrevimiento.

Su adicción al alcohol y la cocaina le acabaron pasando factura y en este retrato que Otto Dix le hizo en 1925 la muestra ya como una vampiresa envejecida y demacrada. Su pálido rostro destaca sobre el rojo vestido y la postura en un último reclamo sensual produce la tristeza de lo esperpéntico, juego habitual en Otto Dix, el gran espoleador de aquella sociedad alemana de entreguerras.

El 10 de noviembre de 1928 fallecía en Berlín, Anita Berber, víctima de la tuberculosis. Tenía solo 29 años.

Este cuadro se exhibe en la Staatsgalerie, Stuttgart.

Café de Los Incoherentes - Santiago Rusiñol

"Los Incoherentes" fue un movimiento de finales del XIX fundado por el escritor y editor Jules Lévy en 1882 que, junto con "Los Nabis" o "Los Hidrópatas" agrupó a la bohemia artística de vanguardia del todo París en los cafes y cabarets de la zona de Montmartre y sus alrededores con el fin de romper moldes con el arte establecido, el lenguaje y los espacios y formas de diversión. Había que utilizar el humor, el espectáculo público y contradecir las normas establecidas para intentar sentar las bases de lo que sería el arte más innovador del siglo XX.

En estos lugares de diversión se juntaron Van Gogh, Matisse, André Derain, Renoir, Toulouse-Lautrec, y Degas entre otros muchos y por allí pasaron también Picasso y dos grandes pintores catalanes, Ramón Casas y Santiago Rusiñol.

Este cuadro, titulado “Café de los Incoherentes” y de acuerdo con los datos aportados por Josep de C. Laplana en su libro “Santiago Rusiñol: el pintor, l’home”, no está pintado en ese café parisino, ya que, al parecer, no concuerda la imagen reflejada en el cuadro con las que se tienen de cómo era dicho café.

Otras fuentes indican que el “Café de Los Incoherentes” abrió sus puertas en 1884, en la Rue Fontaine, en Pigalle, y más tarde, en 1893, adoptó el nombre de "Los Decadentes" convirtiéndose en un "café-concert".

Gracias a unos datos escritos por Rusiñol en el reverso del cuadro sabemos que el hombre sentado en una mesa y bebiendo una absenta en compañía de una joven es el pintor Ramón Casas mientras que, el que lee el periódico unas mesas más atrás es Miguel Utrillo, ingeniero y periodista catalán que acababa de trasladar su residencia a Paris como corresponsal del periódico “La Vanguardia”, personaje este que daría su apellido al hijo de la modelo y pintora Suzanne Valadon, el cual, años despues, sería el famoso pintor de Montmartre, Maurice Utrillo.

También se sabe que el personaje que aparece desdibujado a la izquierda del lienzo y apoyado contra la amarilla pared del café es el escultor Enric Clarasó y que el personaje con chistera situado a espaldas de la joven, corresponde al crítico teatral, Carles Costa.

Según Laplana, el titulo que le dio Rusiñol al cuadro, no tiene nada que ver con el sitio donde se pintó y más bien, se refiere a los cuatro "incoherentes" repartidos por el café, a sus "incoherentes" amigos catalanes, titulo que coincidiría con el humor burlesco que promovía el movimiento parisino de "Los Incoherentes".

Este cuadro pintado en 1890 se exhibe en el Museo del Monasterio de Monserrat, Barcelona

Lifeboat - Bo Bartlett

…….gigante ola que el viento

riza y empuja en el mar,

y rueda y pasa, y se ignora

…. eso soy yo, que al acaso

cruzo el mundo sin pensar

de dónde vengo ni a dónde

mis pasos me llevarán.

                          (Bécquer)

Cuadro pintado en 1998. Más obra de este pintor en su página http://www.bobartlett.com/

Family Portrait - Dorothea Tanning

Casada con el pintor surrealista Max Ernst, el cual la introdujo en el mundo del surrealismo y el dadaísmo, Dorothea Tanning formó parte del numeroso grupo de pintoras que se adhirieron al movimiento y entre las que estarían Leonora Carrington, Dora Maar, Valentine Penrose, Frida Kahlo, Edith Rimmington y otras muchas.

En este cuadro, tal vez la joven sentada en la mesa delante de su plato vacío es Dorothea Tanning recordando el mundo de la niñez con sus temores y sus fantasías.

Allí están, el padre, autoritario, omnipresente y gigantesco, con la mirada oculta tras las opacas lentes que no dejan adivinar que puede estar pensando y la madre, pequeñita, servicial, dominada tal vez por la figura del hombre.

Hay en el cuadro como un toque a lo Lewis Carrol, algo de "Alicia en el Pais de las Maravillas". Todo se agranda o se empequeñece según la valoración en el recuerdo.

La centenaria Dorothea Tanning nos lo podría explicar pero, ya hace tiempo que anda metida en otro arte, el de la escritura. Cuando la entrevistan, ella dice que ya hace media centuria que jugó con el surrealismo. Ahora, prefiere que la consideren "una vieja poeta emergente".

Este cuadro pintado en 1954 se exhibe en el Centre Pompidou, París.

María Tudor - Anthonis Mor Van Dashorst (Antonio Moro)

María Tudor fue hija de Enrique VIII, rey de Inglaterra y de Catalina de Aragón, hija, esta última, de los Reyes Católicos.

Cuando Enrique VIII hizo anular su matrimonio con Catalina de Aragón y se casó con Ana Bolena, María fue declarada hija ilegítima, alegándose que era fruto de una unión "incestuosa". Perdió su rango de princesa de Gales y pasó a ser dama de compañía de su hermanastra Isabel.

Esto generó una protesta de la Iglesia Católica, separando entonces Enrique VIII a la Iglesia de Inglaterra de la autoridad del Papado y comenzando la persecución a los católicos. Tanto María como Catalina se negaron a reconocer el protestantismo por lo que Enrique VIII las castigó separándolas y prohibiéndoles volver a verse.

Posteriormente Ana Bolena sería repudiada y ejecutada y Enrique VIII se casaría con Jane Seymour.

Muerto Enrique VIII en 1547 y su sucesor Eduardo VI en 1553 y siendo María la legítima heredera al trono de Inglaterra, lideró un levantamiento popular tomando Londres, erigiéndose en reina y restableciendo el catolicismo como religión oficial.

Los protestantes ingleses que no se convirtieron al catolicismo fueron perseguidos con saña y cerca de 300 fueron quemados durante su reinado por lo que María I fue apodada como "María la Sanguinaria" o "Bloody Mary".

Este cuadro pintado en 1554, un año después de su coronación, se encuentra expuesto en el Museo Nacional del Prado, Madrid.

Retrato de Gertrude Stein – Pablo Picasso.

Gertrude Stein fue una escritora y poetisa estadounidense de ascendencia judía. Afincada en Francia desde 1903, cultivó el ensayo, la autobiografía, la poesía y el teatro y a través de un estilo marcado por repeticiones de palabras, quiso traducir a la literatura el movimiento cubista de la pintura, lo que se conoció como el “litismo”. De ella es la conocida frase “una rosa es una rosa es una rosa,” parte del poema "Sacred Emily".

Mujer avanzada a su época, feminista y lesbiana, patrocinó e invirtió en obras de Monet, Cézanne, Renoir, Gauguin y Picasso cuando estos apenas eran conocidos.

Este retrato se lo encargó a Picasso, el cual, mantuvo una dura lucha de más de ochenta sesiones sin conseguir sentirse satisfecho con el resultado hasta que un día montó en cólera y lo dejó tal como se ve.

Gertrude no quedó demasiado satisfecha con el resultado ni tampoco los que la conocían pero, Picasso, contestó a las críticas que se le hacían diciendo: “Todos piensan que ella no se parece en nada a su retrato pero no hay por qué preocuparse, al final ella llegará a ser exactamente así”

Picasso tenía razón. Hoy, cuando observamos este cuadro, para nosotros, esta es la única Gertrude Stein que conocemos.

Este cuadro, pintado en 1906, se encuentra en el Metropolitan Museum of Art, New York.

Rue de Paris un jour de pluie - Gustave Caillebotte

Mientras se encaminaban con paso rápido por la Rue de Turín, buscaban con la mirada algún coche de caballos que les llevase hasta la Ópera, hasta el Palacio Garnier.

Hoy, en la casi recién inaugurada Ópera de París, se estrenaba un gran espectáculo musical y la lluvia les estaba jugando una mala pasada. Habían salido elegantemente vestidos de casa e iban a llegar empapados. Un fastidioso día de lluvia.

Este cuadro pintado en 1877 se exhibe en The Art Institute of Chicago.

Ventimiglia - Fabio Hurtado

El tren entraba ya en la estación. Había llegado el momento de marchar.

Ella volvía a París en el "Train Bleu" y él marcharía mañana desde esa misma estación de Ventimiglia en dirección a Roma.

Habían sido unos días maravillosos en la Riviera Francesa y ninguno de los dos podía evitar la tristeza de la separación.

Todavía tendrían que pasar un par de meses para reunirse otra vez. Sería en Milán, en otra estación.

Más obra de Favio Hurtado en su página http://fabiohurtado.com/

Fernande Barrey - Amedeo Modigliani

De Fernande Barrey se sabe poco de sus origenes. Para unos autores era una pintora poco conocida y para otros, una prostituta parisina que solía frecuentar el "Café de la Rotonde" en pleno barrio de Montparnasse en París. Este café era lugar de reunión de numerosos pintores, escritores y fotógrafos entre los que se podía encontrar a Modigliani, Chaim Soutine, Picasso, Nina Hamnett, Jean Cocteau, Jean Agélou y Leonard Tsuguharu Foujita, el pintor japonés afincado en París.

Ella había posado para varios de aquellos pintores como Modigliani y Chaim Soutine y también para el fotógrafo Jean Agelou aunque algunos autores dicen que no tiene nada que ver con la modelo de igual nombre que posó para este último.

Se sabe que cuando el pintor Leonard Foujita la conoció, se enamoró perdidamente casándose con ella a los 20 días de conocerla.

Fernande mantuvo una gran amistad con la novia de Modigliani, Jeanne Hébuterne, la cual se suicidaría al morir este de tuberculosis.

Las relaciones entre Foujita y Fernande fueron bastante liberales pero él no perdonó el que Fernande mantuviese una relación sentimental con el pintor Koyanagi, primo de Foujita, por lo que acabaron divorciándose yendo ella a vivir con Koyanagi hasta su muerte.

Este retrato se lo hizo Modigliani en el año 1917, el mismo año en que conoció a Leonard Foujita.

The Passión of Sacco and Vanzetti - Ben Shahn

Nicola Sacco y Bartolomeo Vanzetti fueron dos anarquistas e inmigrantes italianos que fueron acusados de haber asesinado a dos hombres en un robo a mano armada en 1920 en South Braintree, Massachussets y condenados a la silla electrica en 1927 después de un juicio irregular en el que siempre existieron las dudas sobre la culpabilidad de estos dos inmigrantes y que acabaría suscitando un movimiento popular internacional en contra de dichas irregularidades y como crítica al sistema judicial americano.

Ben Shahn, judío lituano y también inmigrante en Estados Unidos, pinta en este cuadro los féretros en los que se ven los rostros de Sacco y Vanzetti y en pie, detrás de ellos, a tres caballeros vestidos de negro que integraban el comité creado por el gobernador de Massachussets para su asesoramiento. El del centro corresponde a Abbot Lawrence Lowell, presidente en aquellas fechas de la Universidad de Harvard. Los lirios que llevan en la mano se ha interpretado como el significado de una leyenda que afirma que los lirios blancos crecen sobre las tumbas de los inocentes condenados a muerte.

En el edificio que se ve al fondo y que Shahn dibuja con el aspecto del juzgado de Norfolk en el que tuvo lugar el proceso, se ve en una de las ventanas al que fue el juez del caso, el cuestionado juez Webster Thayer, levantando la mano como si estuviera prestando juramento.

Entre mis recuerdos referentes a esta historia, está la canción "Here's To You" cantada por Joan Baez y que compuso en 1971 Ennio Morricone para la película "Sacco e Vanzetti" del director Giuliano Montaldo.

Este cuadro, pintado en 1931, se encuentra en el Whitney Museum of American Art, New York.

Dust Motes Dancing in the Sunbeams - Vilhelm Hammershøi

Hoy, en la casa de la calle Strandgade, ya no está la mujer que ayer veíamos leyendo cerca de la ventana.

La casa está vacía. Ya no hay visillos, ni muebles, ni cuadros. Solo las motas de polvo que danzan entre los rayos del sol.

¿Es antes o es después de ayer?. ¿Es la llegada o es la despedida?.

Este cuadro pintado en 1900, uno de los muchos que pintó Hammershøi en esta casa, se encuentra en el Museo Ordrupgaard en Charlottenlund, (Dinamarca).

A Woman Reading by a Window - Vilhelm Hammershøi

Esta imagen está realizada en una de las casas en que vivió Hammershøi, en la calle Strandgade en Copenhague, de cuyas habitaciones realizó numerosos cuadros.

No se sabe quién puede ser la figura que lee cerca de la ventana. Vilhelm pintó varios cuadros en los que las figuras, casi siempre de espaldas, tuvieron como modelo a su hermana Anna y posteriormente a Ida Ilsted, su mujer.

Estas estancias, de tonos blancos y grises amarillentos, sirvieron de inspiración al director de cine Carl Theodor Dreyer, autor de la obra maestra 'La pasión de Juana de Arco', para la realización del decorado de su primera película, 'El Presidente', en el año 1918, coincidíendo con una exposición retrospectiva del pintor en Copenhague.

De Vilhelm Hammershoi, comentaba el comisario de exposiciones, Casper Tybjerg, que: “plasmó en su obra los espacios vacíos y austeros para transmitir el mundo interior que no puede ser visto, pero sí sentido".

Bertolt Brecht - Rudolf Schlichter

Una de las obras más famosas de Rudolf Schlichter es probablemente el retrato de su amigo Bertolt Brecht realizada en 1927 y en el que representa a Brecht con una chaqueta de cuero arrugado, presentándolo como un miembro del proletariado.

Por esas fechas, Bertolt Brecht se encontraba colaborando con el compositor Kurt Weill en la ópera "Ascensión y caída de la ciudad de Mahagonny" de la que Brech escribiría el libreto y que se estrenaría en Leipzig el 9 de marzo de 1930.

Rudolf Schlichter, perteneció al grupo de los pintores germanos de los que el régimen nazi dijo que practicaban un "arte degenerado".

Para Brecht esta definición estaba bastante lejos de su idea del arte. Según él, la democracia en el arte estaba en convertir el pequeño círculo de entendidos en un gran circulo de entendidos porque el arte - decía - necesita del estudio y el conocimiento.

Esta obra se encuentra expuesta en la Stadtische Galerie im Lenbachhaus en Munich.

Autorretrato – Luis Fernández

En este autorretrato realizado entre 1936 a 1939, Luis Fernández se pintó con un violín en sus manos al que le faltan tres cuerdas. Solo tiene la cuarta cuerda, la que dicen los músicos que es la que da los acentos potentes y masculinos.

¿Porque se pintó con este descordado violín Luis Fernández.?

 Podríamos buscar algún simbolismo pero todo serán conjeturas.

Tal vez, Luis, quiso recordar a Paganini, el genial y único violinista que era capaz de tocar con solo esa única cuarta cuerda y cuyo tipo de ejecución fue declarada como una de las "Maravillas del mundo musical" tejiéndose una leyenda sobre él en la que se decía que había vendido su alma al demonio a cambio de la perfección de su arte y del amor de una mujer consiguiendo al parecer ambas cosas.

Luis Fernández fue masón, llegando a ser nombrado "Miembro Honorífico del Gran Oriente de Francia" y, conocida la búsqueda de la perfección que predica la masonería, podríamos también pensar en un cierto simbolismo esotérico.

Este cuadro, de este gran y casi desconocido pintor asturiano, se exhibe en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid).

Le dejeuner des canotiers - Pierre Auguste Renoir

Pierre Renoir pintó este cuadro en 1881 en el restaurante "Fournaise", un restaurante provisto de barcas de alquiler a orillas del Sena y situado cerca de una zona de baños conocida como "La Grenouillére”, un lugar muy frecuentado por la juventud parisina.

Allí se llevaría Renoir a todos sus amigos y a su novia y los colocaría en este cuadro alegre y bullicioso donde los comensales parecen haber terminado ya de comer y la escena transcurre en una sobremesa en la que todos charlan animadamente, satisfechos por la buena comida y también por la buena bebida a juzgar por las múltiples botellas que descansan sobre el mantel.

Sentados en la mesa y en un primer plano vemos a la novia y futura mujer de Renoir, la costurera Aline Charigot, tocada con un vistoso sombrero de verano jugueteando con su perrito y situado enfrente de ella a  Gustave Caillebote, un pintor y mecenas y un gran amigo de Renoir. Caillebote era también un gran aficionado al deporte del remo y construía sus propias embarcaciones. Aquí le vemos sentado a horcajadas en la silla, con el típico sombrero de los remeros, el "canotier" y junto a la actriz Ellen André, una de las modelos habituales de Renoir y que aparece en un elevado número de sus obras. A sus espaldas aparece el elegante periodista italiano, Adrien Maggiolo, que observa con gran interés a la bella Ellen. A la izquierda y apoyado en la barandilla vemos al otro remero de la escena, el fornido  Alphonse Fournaise Jr. el hijo del dueño de el "Fournaise", observando a sus clientes y amigos. Gran amigo de Renoir se cuenta que este comía muchas veces en este restaurante y en las épocas de penuria económica le pagaba a Alphonse con alguna de sus pinturas. 

También apoyada en la barandilla del restaurante podemos ver a la hermana de Alphonse, Louise-Alphonsine, charlando con un íntimo amigo de Renoir, el barón Raoul Barbier (de espaldas), un aristócrata del que se decía que solo se interesaba por los caballos, las mujeres y las barcas de remos.  Observándole, mientras  ella bebe de una copa, vemos a una mujer llamada Angéle Legault, una florista perteneciente al mundo de las prostitutas de Montmartre y que acabaría cazando a un joven de buena familia que la convertiría en una dama de buena reputación. (Recientes estudios arrojan distintas opiniones en cuanto a la identificación de esta mujer indicando que ella sería Ellen André y que la que conversa con Caillebote sería realmente Angéle Legault).  

A sus espaldas se encuentran dos hombres charlando. Uno de ellos, el del sombrero de copa era un banquero, coleccionista y crítico de arte llamado Charles Ephrussi, dueño también de una revista de arte llamada "La Gazette des Beaux-Arts". El otro interlocutor es su secretario personal, el joven poeta, Jules Laforgue.

Completan la escena el grupo formado por los tres personajes situados en el extremo superior derecho del lienzo. El hombre cubierto con un sombrero negro es un amigo de Renoir llamado Eugéne-Pierre Lestringuez, y el que está a su lado es Paul Lhote, un joven periodista. Ambos hablan con una mujer que se tapa los oídos, tal vez para no escuchar alguna galantería o algún chisme inadecuado, llamada Jeanne Samary, una actriz que en algún momento pretendió los amores de Renoir pero que sería desbancada por la bella y cariñosa Aline.

Una extraordinaria composición en la que Renoir trabajó desde abril hasta el otoño de 1880 en la terraza del "Fournaise" acabándola durante ese invierno. De esa actividad comentaría ilusionado durante el proceso de ejecución: "Hace buen tiempo y dispongo de modelos".

Los personaje son conocidos gracias a una foto en la que se identificó a los mismos por sus nombres escritos al dorso de la misma a excepción del que asoma su rostro a la altura del hombro de Adrien Maggiolo y que no se ha podido identificar. 

Este cuadro se conserva en la Phillips Collection, Washington, D.C.

Room 100. Chelsea Hotel - Dexter Dalwood

A Leonard Cohen y Janis Joplin les esperaban siempre las limousinas en la puerta del Hotel Chelsea mientras ellos se amaban.

Cuenta Cohen en la letra de su canción  que a Janis le gustaban los hombres guapos pero que, con él, hacía una excepción.

Esa fue una historia de amor pero, no todas las historias del Chelsea han sido como esa.

El 12 de octubre de 1978, a Nancy Spungen no la esperaba ninguna limousina en la puerta del Chelsea Hotel. Solo la esperaba la muerte en la habitación nº 100 a manos de, tal vez, su amante, Sid Vicious, el bajista de los Sex Pistol.

Así imaginó Dexter Dalwood la habitación del horror. La habitación nº 100 del Chelsea Hotel.

Este cuadro, pintado en 1999 se exhibe en la Saatchi Gallery, Londres.

Asta Nielsen - Pyke Koch

Asta Nielsen fue una gran actriz danesa que llegó a interpretar más de 70 películas en el cine mudo, la mayor parte de ellas en Alemania en donde trabajaría hasta la llegada del nazismo.

Su lanzamiento a la fama le llegaría a través de su interpretación en "Afgrunden" (El Abismo), película dirigida por su marido el director Urban Gad y en la que realizaba un baile con una gran carga erótica alrededor de un gaucho al que iba acariciando y enrollando con un lazo.

Su aspecto algo andrógino le permitió también representar el papel de Hamlet caracterizada de hombre.

Dicen que fue la maestra de Greta Garbo y de Marlene Dietrich y de ella, la propia Greta Garbo dijo que: "En términos de expresión y de versatilidad ... no soy nada en comparación con ella."

Murió a los 92 años, cuatro años después de haberse casado por tercera vez y de haber dirigido una película basada en su propia vida.

Pyke Koch, el principal representante del “realismo mágico” la pintó dándo a su rostro ese aire de máscara que Asta tenía. El color verdoso forma parte de los simbolismos que Koch imprimía a su obra y seguramente de los experimentos que el gustaba de realizar con el color.

Solo comentar que en 1929 pintó este retrato de Nielsen, y dos años más tarde, el de "Bertha van Antwerpen” en el que la colocó el mismo sombrero, la bufanda y la flor que luce Asta en este cuadro.

Este cuadro se encuentra en el Centraal Museum de Utrecht.

On Ramp - Larry Groff

La vida es como un cruce de carreteras sin señalizar.

Puede pasar que elijas la correcta y llegues a tiempo al lugar previsto donde encontrarás lo que buscabas.

También puede pasar que pierdas un tiempo precioso en dar vueltas y más vueltas en ese cruce hasta dar con la salida correcta. Conseguirás llegar a tu destino pero cuando llegues se habrán terminado varias de las opciones que pretendías escoger y tendrás que conformarte con elegir algo de lo que quede todavía.

La última posibilidad es que elijas la carretera equivocada y nunca llegues al destino prefijado teniendo que dejar que el azar elija por ti.

En cualquier caso, en ninguno de los tres itinerarios conseguirás que el viaje esté exento de peligros.

Cuadro pintado en 2007. Más obra de este pintor en su página http://www.larrygroff.com/

Proceed at your own risk - Jean-Marie Boomputte

Había decidido "jugar al rojo". Bajo su propio riesgo. Sabía que era un juego erótico pero......

Además, si la cosa no funcionaba, siempre podía seguir haciéndose unos cuantos modelos más con esas gigantescas bolas que se apelotonaban a su alrededor seduciéndola con su color.

Más obra de este pintor en su página http://www.boomputte.be/

Eugenia Martínez Vallejo (La monstrua vestida) - Juan Carreño de Miranda

Cuando Eugenia tenía seis años, sus padres decidieron que dado el aspecto monstruoso que su hija iba tomando lo mejor sería presentarla al Rey Carlos II sabedores de lo aficionados que eran los Austrias a rodearse de enanos, bufones y tarados.

El rey quedó impresionado con Eugenia y la hizo retratar, tanto vestida como desnuda, por Carreño, su pintor de cámara.

A las fiestas que se hacían en palacio, la hacían venir para que distrajera a la corte juntándola con los enanos Macarelli, Michol y Nicolasito y otros bufones que por el Alcázar andaban.

La rumorología se extendió por Madrid acerca de la monstruosidad de Eugenia y el cronista de la época Juan Cabezas llegó a escribir de ella que: "La cabeza, rostro y cuello y demás facciones suyas son del tamaño de dos cabezas de hombre, su vientre es tan descomunal como el de la mayor mujer del mundo a punto de parir. Los muslos son en tan gran manera gruesos y poblados de carnes que se confunden y hacen imperceptible a la vista su naturaleza vergonzosa. Las piernas son poco menos que el muslo de un hombre, tan llenas de roscas ellas y los muslos caen unos sobre otros, con pasmosa monstruosidad y aunque los pies son a proporción del edificio de carne que sustentan, pues son casi como los de un hombre, sin embargo se mueve y anda con trabajo, por lo desmesurado de la grandeza de su cuerpo".

Pobre Eugenia.

Antonio Saura, denominó con la expresión "la mirada cruel" la representación española de lo monstruoso a lo largo de nuestra historia.

Yo creo que Carreño no la pintó con crueldad, solo pintó una niña gordita y seguramente enferma. Para Eugenia, con solo seis años, la vida y aquella Corte si que fueron realmente crueles con ella.

Este cuadro pintado hacia  1680 se exhibe en el Museo Nacional del Prado, Madrid.

Cut the Line - Thomas Hart Benton

1944. La botadura del buque se ha iniciado. Los obreros cortan las amarras y dentro de unos instantes este deslizará por los carriles para penetrar en el mar. El encargado, el público, todos parecen hacer fuerza para que el barco coja impulso. Este "LST" (Landing Ship Tank) o buque nodriza de transporte de tanques y vehículos pesados, navegará  dentro de unas semanas rumbo hacia Europa. El desembarco de Normandía está próximo.

Este cuadro pintado en 1944 se encuentra en el Naval Historical Center en Washington D.C.