Pola Negri y Rodolfo Valentino - Federico Beltrán Massés

Federico Beltrán Massés (1885 – 1949) fue un gran pintor nacido en Cuba de padres españoles y que recogería en sus primeros años de aprendizaje en España las enseñanzas impartidas en Madrid y Barcelona por sus maestros Joaquín Sorolla y Antoni Cabo.

Considerado un pintor del periodo de transición entre el tardo simbolismo y el modernismo o Art decó bebió en las fuentes de sus coetáneos Zuloaga, Romero de Torres y Anglada Camarasa. De Zuloaga y Romero de Torres capta esa esencia de la España Negra y esas mujeres morenas con influencias goyescas a las que aportará su toque erótico desnudándolas y dejándolas solo con su mantilla y la peineta. Majas marquesas, majas malditas, majas lesbianas, majas de luto y majas con abanico, todas ellas con una fuerte carga de sensualidad, poblarán sus lienzos provocando la sorpresa y también la crítica en la sociedad decadente de principios de siglo.

Su paso por París y Londres donde conoce a simbolistas como Rousseau y Whistler son la antesala del éxito al triunfar espectacularmente en la Bienal de Venecia de 1920.

Afincado en París recorre el camino de la gloria exponiendo en Nueva York, Los Ángeles, Londres y recibe condecoraciones de medio mundo cultural: Invitado de honor de la Sociedad Nacional de Bellas Artes de Francia (1921), miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (1924), comisario de la Exposición Internacional de Bellas Artes de Burdeos (1928), miembro de honor de la Hispanic Society of América (1939), etc.

Los aristócratas, los papas, los reyes y los políticos de medio mundo se disputan el honor de ser retratados por Beltrán posando para él personajes como el Sha de Persia, el rey Alfonso XIII, Jorge VI, Humberto II de Italia, el papa Pío XII, Jorge II de Grecia, el Maharaja de Kapurtala y muchos más que añadir a una larga lista de famosos de la época en la que no faltarán los procedentes del mundo de la fiesta y el espectáculo que el reflejará a través de sus cuadros en los que el tema son esas fiestas, los bailes, el lujo, y el erotismo elegante y refinado.

Para él posarán las estrellas del cine, del Hollywood que se estába formando en aquellos años 20 dos de las cuales aparecen en este cuadro que hoy vemos: Rodolfo Valentino y Pola Negri

Rodolfo Pietro Filiberto Raffaello Guglielmi di Valentina más conocido como Rodolfo Valentino era un pobre emigrante italiano que había trabajado en Nueva York como friega platos y jardinero hasta que después de trasladarse a Hollywood había conseguido introducirse en el naciente mundo del cine en pequeños papeles secundarios. El éxito le llegaría en 1921 con su interpretación del papel de Julio en "Los Cuatro jinetes del Apocalipsis" y posteriormente con "La dama de la camelias". A raiz de estas películas su éxito sería imparable y su imagen llegaría a despertar grandes pasiones entre las mujeres y también entre el mundo homosexual masculino de aquellos años. Su muerte cuando solo contaba 31 años, debida a la perforación de una úlcera de estómago, produjo una gran convulsión entre todos aquellos que le amaban o le admiraban.

Entre ellos estaba una mujer llamada Pola Negri.

Pola Negri, era una actriz polaca que había tenido la suerte de trabajar con éxito para el director alemán Ernst Lubitsch lo que le había reportado un jugoso contrato con Hollywood a donde marcharía. Allí conocería a Rodolfo Valentino después de terminado su anterior romance con Charlie Chaplin enamorándose ambos perdidamente.

Se cuenta que en el funeral de su amado, en 1926, se lanzó o se desmayó encima de su ataúd lo que no fue bien visto por la sociedad americana contribuyendo a su declive en el mundo de la cinematografía. Pola Negri volvió a Europa donde trabajó en algunas películas llegándose a comentar que era la actriz favorita de Adolf Hitler. En 1938 salió de Alemania donde las autoridades nazis la estaban empezando a colocar la etiqueta de ascendencia judía volviendo nuevamente a Estados Unidos donde residiría hasta su muerte, acaecida cuando contaba 93 años.

En este romántico cuadro de Beltrán Masses se les ve a ambos a la luz de la luna delante de lo que parece ser un embarcadero con una gran embarcación situada en él. Rodolfo Valentino, canta acompañado de una guitarra, mientras ella, elegantemente vestida, mira a ninguna parte.

Este cuadro, de propiedad particular, se puede contemplar estos días en el Museo Diocesano de Barcelona con motivo de la exposición que con el nombre de "Un pintor en la corte de Hollywood" se dedica a una parte de la obra de este gran pintor olvidado, Federico Beltrán Massés.

Más obra de este pintor se puede ver en este agradable video.

Cléo de Merode - Giovanni Boldini

Giovanni Boldini (1842-1931) fue un pintor italiano que nacido en Ferrara marcha a Florencia para estudiar Bellas Artes en esta ciudad. Con apenas veintidós años ya se codea con la alta aristocracia florentina para la que realizará numerosos trabajos antes de viajar a París y a Londres donde conocerá a Manet, Sisley yDegas. En 1871 se establece ya definitivamente en París donde se especializará en el tema del retrato plasmando a la plural sociedad parisina de finales de siglo y comienzos del siglo XX, la sociedad del denominado periodo de "La Belle Epoque", período que se interrumpirá con el estallido de la I Guerra Mundial.

En ese periodo de "La Belle Epoque" parisina pinta este cuadro en el que retrata en 1901 a la famosa y bella bailarina Cléo de Merode.

Cléo de Merode tiene en esos momentos 26 años y su fama se ha extendido por toda Europa después de haber actuado ya en los principales escenarios como bailarina y dejado grabada su imagen de la que se llegó a considerar la mujer más bella del mundo, una imagen que recorrerá este en forma de tarjetas postales provocando la admiración y el deseo en los que las contemplan. Sus grandes ojos, su negro pelo siempre recogido atrás con un moño, su aire de chica buena, su fama de mujer deseada, forman parte del imaginario que circula en esas tarjetas postales.

Cléo de Merode, primer icono de la fotografía había sido ya fotografiada por esas fechas por Paul Nadar, Leopold Reutlinger y Henri-Pierre Oger convirtiéndola en un icono de la sensualidad.

A Cleo de Merode la retratarán también los pintores Edgar Degas, - muchas de sus bailarinas son ella - , Toulouse Lautrec, Boldini, Manuel Benedito, Francois Flameng, Georges Clarín y József Rippl-Ronai siendo también modelo de los escultores Alexandre Falguiére y Luis de Perinat.

Cleo de Merode no ha pasado a la historia como una gran bailarina, sino como una obra de arte en si misma, como la encarnación de la belleza femenina. Son muchos los hombres que la desearon, entre ellos el pintor Gustav Klimt, el escritor Marcel Proust, el arquitecto vienés Adolf Loos, el magnate Randolh Hearst y se dice que hasta el mismisimo Sha de Persia pero, solamente dos, según sus memorias plasmadas en el libro "Le ballet de ma vie", fueron sus amores, un conde que murió joven y el escultor y diplomático español Luis de Perinat.

Una historia le acompañó a lo largo de su vida y fue el pretendido romance con el rey Leopoldo II de Bélgica del que se dijo que estaba locamente enamorado de ella y con el que mantenía una relación en secreto que ella siempre negó. El chismorreo y la rumorología hicieron que se pusiera al rey Leopoldo el apodo de "Cleopold", y de ella se dijera que se peinaba siempre tapándose las orejas porque se las había cortado el rey por no amarle, bromas que provocaron que Cleo marchase indignada de París durante una larga temporada.

A pesar de la mala fama de cortesanas que acompañaba a las mujeres que actuaban como bailarinas en aquellos años, ella siempre mantuvo su imagen de mujer casta y jamás actuó ligera de ropa en ningún espectáculo. Era ya septuagenaria cuando ganó una demanda en 1950 contra la escritora Simone de Beauvoir que la había tachado de cortesana en su libro "Le deuxième sexe".

Todavía en 1964 se dejó fotografiar con 89 años por el fotográfo Cecil Beaton, exigiéndole antes coquetamente, que las fotos en las que no saliese favorecida se destruyesen. Murió dos años después en Biarritz.

Este cuadro, perteneciente a una colección particular, se puede ver estos días en la exposición que con el título de "Retratos de la Belle Epoque" se exhibe en el antiguo Convento del Carmen (Centro del Carmen) en Valencia, junto al retrato que le pintó el valenciano Manuel Benedito en 1910.

Más obra del pintor Giovanni Boldini se puede ver en este agradable vídeo y unas bellas imágenes de Cléo de Merode en este otro.

Truman Capote - Andy Warhol

Escribía Julia Luzán hace ya algún tiempo que: "Warhol, más que pintar, maquilla. No pinta rostros sino que capta la imagen del personaje a través de las polaroids: Marilyn, Liz Taylor, Reagan, Jakie Kennedy y lo hace con la misma asepsia con la que pinta una lata de sopa. Es el distanciamiento absoluto".

Efectivamente, la obra de Warhol es fría, aséptica, sistemática, reiterativa y fabril y sin embargo ha pasado a la historia del siglo XX como la obra de un pintor destacado, cotizado y también, conocido popularmente.

Tal vez el secreto de Warhol estuvo en trasladar lo rutinario, lo popular, la política, el mundo rosa y el glamour a sus lienzos para que el espectador no tuviera que pensar demasiado en que es lo que se le ofrecía porque el producto era un producto conocido, un producto que entraba por los ojos.

En la década de los setenta se sentaron delante de su Polaroid cientos de clientes ricos y famosos. Personajes como Liza Minelli, Grace Jones, Mick Jagger,Yves Saint Laurent, Rudolf Nureyev, Dennis Hopper, Willi Brandt, David Hockney, Farah Dibah Pahlavi, Jane Fonda, Robert Mapplethorpe, Meryl Streep, Jerry Hall, Michael Jackson, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring y muchos más, aguantaron horas de posado para las innumerables fotos que de cada personaje hacía Warhol. Después, cuando él había elegido la que más le gustaba, se la enseñaba al cliente y si a este también le gustaba la foto pasaba a su proceso de conversión al lienzo. Al maquillaje como diría Julia Luzán. Uno de estos personajes que posaron para Warhol fue el escritor Truman Capote.

Para Warhol, Truman Capote fue un ídolo desde su más temprana edad, exactamente desde el año 1948 en que procedente de Pittsburgh, su ciudad natal, y recién llegado a Nueva York en busca de trabajo, tuvo la ocasión de contemplar la foto de Capote tomada por Harold Halma que ilustraba la contraportada de su libro "Otras voces, otros ámbitos" lo que provocó que desde ese momento se propusiera conocerlo en persona. Contaba Capote que estuvo recibiendo cartas de Warhol casi a diario durante un año y que al salir de su domicilio raro era el día que no encontraba a aquel jovencito esperándole a la puerta de su casa con la intención de conseguir un autógrafo y una entrevista.

Cuatro años más tarde, Warhol presentaba su primera exposición individual en la galería Hugo de Nueva York con el título "Fifteen Drawings Based on the Writings of Truman Capote" (Quince dibujos basados en la obra de Truman Capote) que resultaría un éxito y a la que asistiría su gran ídolo y con el que entablaría una amistad que duraría toda la vida.

A lo largo de esa vida, ambos se buscarían para exhibirse y exhibir al otro en las grandes fiestas del todo Nueva York. Así, era fácil ver a Capote como un invitado de excepción en la inauguración del espectáculo lanzado por Warhol, su "Explodin Plastic" con el grupo "Velvet Underground" y el cantante "Nico" interpretando sus canciones sobre la heroína, los transexuales y el sadomasoquismo y a los pocos días ver a Warhol en compañía de Henry Geldzahler en la legendaria fiesta de etiqueta que organizaba Capote en el hotel Plaza, la "Black and White Ball", rodeados por personajes de la talla de Frank Sinatra, Mia Farrow, Sammy Davis Jr., Norman Mailer o Harper Lee.

Warhol fotografió a su amigo en numerosas ocasiones a lo largo de su vida y lo pintó otras tantas siendo uno de esos retratos portada de la revista "Interview", la revista fundada por el mismo Warhol.

El retrato de Truman Capote que hoy contemplamos es una de las muchas versiones en distintos tonos que realizó sobre la base de una foto polaroid que le tomó en 1979, y que nos muestra a un Capote que empezaba a reflejar ya en su rostro los efectos del alcohol y las drogas a las que se convertiría en asiduo en sus últimos años y que le añaden unos cuantos más a los solo 55 que tenía cuando Warhol le retrata. Atrás quedaban los años de fama y sus grandes éxitos como novelista con "Desayuno en Tiffany’s" y "A sangre fría". Este Capote es ya únicamente el alcohólico Capote de las noches de borrachera en la legendaria discoteca Studio 54, rodeado por sus amigos Warhol, Bianca Jagger, Elizabeth Taylor y muchos otros asiduos de las noches neoyorquinas de finales de los 70

Portrait of Lili Elbe - Gerda Wegener

Gerda Wegener, (1889-1940), fue una pintora danesa, hija de emigrantes franceses y que realizó sus estudios de Bellas Artes en la Escuela de Copenhague viajando después a Italia, Inglaterra y Francia donde fijaría su residencia en París en 1912.

Con ella se estableció también su marido, el también pintor danés, Einar Mogens Wegener, al que había conocido estudiando en Copenhague y con el que se había casado en 1904 y que es el aparece retratado en este cuadro.

Al parecer, a Einar que tenía un cuerpo muy femenino y hasta sus facciones eran suaves y agradables, siempre le había gustado vestirse con ropas de mujer y ya, la propia Gerda, había notado al poco de casarse la tendencia femenina de su marido. Se cuenta que con motivo de un retrato que estaba haciendo Gerda para una conocida actriz danesa llamada Anna Larse, esta le comunicó que no podría asistir durante unos días a las sesiones de posado por lo que Gerda utilizó a su marido como modelo femenino vistiéndole de mujer y de acuerdo a los consejos de la propia Anna Larse que ya le había indicado anteriormente que las  piernas de su marido eran francamente bonitas y podían sustituir las suyas en el posado.

Einar era una mujer metida en el cuerpo de un hombre y Gerda aceptó y comprendió su mundo interior animándole a que viviese como una mujer y convirtiéndole en su modelo habitual, una modelo que ilustraría las revistas de moda para las que ella trabajaba como ilustradora tales como la Vie Parisienne, Fantasio, Rire, o La Baïonnette. También en 1925 ilustró el libro del poeta y escritor francés Louis Perceau con doce acuarelas de alto contenido erótico cuyas serigrafías acompañaron a los 350 ejemplares que se editaron del libro. En casi todas estas acuarelas aparece una mujer de pelo oscuro cuyo modelo fue Einar.

La misma Gerda animó años más tarde a Einar a que se sometiese a una operación de cambio de sexo, ante las noticias que llegaban de Alemania relativas a las modernas teorías de la posibilidad de realizar ese tipo de intervenciónes y que abrían una esperanza de poder ser lo que el cuerpo le negaba y la mente le pedía. Así, en 1930, viajó a Berlín para someterse a una primera intervención en la que se le realizó una castración y una remodelación de sus organos genitales, siendo el primer ser humano que era sometido a una operación de cambio de sexo.

A raiz de aquella operación Einar adoptó el nombre de "Lili Elbe" y aunque, su matrimonio fue anulado por el Rey de Dinamarca debido a la conmoción pública creada por la noticia, ellos continuaron vivendo durante algún tiempo juntos hasta su separación motivada por la marcha de Gerda para casarse con un oficial italiano enamorado profundamente de ella.

Lili Elbe también se casaría después, al parecer con un médico, sometiéndose a otras cuatro durísimas operaciones más con la esperanza de poder llegar a cumplir su gran deseo que era el de ser madre y en las que le llegaron a transplantar unos ovarios y un útero. La quinta operación no la soportó y murió en 1931 a consecuencia del rechazo y las graves complicaciones sufridas.

Su vida relatada autobiograficamente por la propia Lili Elbe en su libro "Man into Woman" escrito en 1931, fue recogida y novelada en 2001 en otro libro del escritor David Ebershoff’s titulada "The Danish Girl", novela que servirá de base para el guión del proyecto puesto en marcha hace tiempo de llevar la vida de Lili Elbe al cine, papel que será interpretado por la actriz Nicole Kidman que hace ya varios años intenta producir esta película.

La obra de Gerda Wegener está muy desperdigada y en gran parte desaparecida. La obra que hoy vemos una acuarela sobre papel, pintada alrededor de 1925, pertenece a una colección privada.

The singing butler - Jack Vettriano

Este pintor autodidacta, un escocés de 59 años y que no ha conseguido ser aceptado por la crítica de su Escocia natal, es una auténtica máquina de generar dinero a través de su obra y de las reproducciones de la misma, reproducciones que se pueden encontrar en decenas de objetos, desde separadores de libros, naipes o posavasos, superando a las de Monet, Van Gogh y hasta las de la propia "Mona Lisa".

Muchos críticos han dicho de Jack Vettriano que no sabe pintar, que su obra es repetitiva, limitada y sin alma o que es una copia de escenas del cine negro pero el caso es que su obra original se la quitan de las manos y eso que esta no baja de las seis cifras.

"The singing butler" (El mayordomo cantante), es una de sus primeras obras realizada en 1992, tal vez la más conocida, un lienzo que alcanzó en una subasta celebrada en 2004 la nada desdeñable cifra de 744.000 libras y de la que se venden todos los meses cientos de reproducciones en forma de litografías.

En el cuadro, una pareja vestida elegantemente baila sobre la arena de una playa mojada por la lluvia mientras una criada y el supuesto mayordomo, que no sabemos si es el que canta para que la pareja dance, se cubren o les cubren con unos grandes paraguas negros.

El cuadro, con un aire algo surrealista, tiene un cierto poder hipnotizador y los ojos del espectador no pueden evitar recorrer la escena de un lado al otro del cuadro, escena dominada por el rojo del vestido de la mujer y la luz que se cuela entre los nubarrones iluminando la arena de la playa y dando al conjunto un colorido que nos trae a la mente el recuerdo de la pintura de Edward Hopper.

En 2005, esta obra fue objeto de polémica pues se acusó a Vettriano de haber copiado las figuras que aparecen en su cuadro de un pequeño manual de pintura denominado "The Illustrator's Figure Reference Manual". Una de las modelos que posó para el citado manual es una tal Orla Brady, una actriz de teatro inglesa que se ganaba la vida en sus comienzos posando como modelo. Ella afirmó haber posado vestida con un traje de noche y también como una sirvienta cobrando 50 libras por su trabajo. El citado manual se había realizado como ayuda para pintores que no tenían medios para costearse modelos y eso mismo es lo que argumentó Vettriano quién en ningún momento desmintió haberse basado en dicho manual. Lo que si indicó Vettriano es que él pudo tomar las distintas figuras del manual pero la composición y la escena, que en  realidad eran lo que daba valor o diferenciaba al cuadro, eran suyas.

También en 1992 pintó Vettriano una segunda versión de este cuadro denominada "Dancer in Emerald" en la que no aparece la sirvienta y la bailarina lleva un vestido verde color esmeralda, de ahí el nombre del cuadro. Este lienzo, que él había vendido por esas fechas, tuvo ocasión de recomprarlo en el 2005 pagando una abultada cantidad por él, cosa que hizo, adornando este su estudio desde entonces.

Para saber más sobre Jack Vettriano se recomienda visitar su página web. También puede ver un magnifico video sobre su obra pulsando aquí.

La Dama con l'ermellino - Leonardo da Vinci

El cuadro "La Dama del armiño", pintado entre 1488 a 1490, no fue atribuido a Leonardo da Vinci hasta finales del siglo XVIII, opinión que fue posteriormente confirmada con los modernos métodos de examen radiográficos.

Conocido el pintor se investigó quién podía ser la retratada llegándose a la conclusión de que debía de tratarse de una mujer que estuvo relacionada en esas fechas con la sede de los Sforza en Milán llamada Cecilia Gallerani.

Al parecer, Cecilia Gallerani, una bella y culta adolescente de poco más de diecisiete años cuando Leonardo la retrató, se había convertido en la amante secreta de Ludovico Sforza "El Moro", gobernador de Milán, a pesar de estar este prometido con otra bella y culta mujer llamada Beatrice d'Este. Ludovico acabaría casándose con esta última en 1491 después de haber dejado embarazada a Cecilia Gallerani la cual, pasaría a engrosar la larga lista de amantes de Ludovico entre las que estarían Lucrezia Crivelli y otra mujer de nombre desconocido denominada como "La Belle Ferroniére" y que en un principio se pensó que era la mujer retratada en "La Dama del armiño". Estas tres mujeres fueron inmortalizadas por Leonardo da Vinci, quién también pintaría a Beatrice d’Este, todas ellas por encargo de Ludovico Sforza.

"La Dama del armiño" inaugura la modernidad en el retrato del Renacimiento. La figura ya no está de perfil, ni mira estáticamente sino que está en movimiento, girándose hacia algo o alguien. Su rostro y el del animal miran casi en la misma dirección, como atraídos por algo, lo que confiere al cuadro una dinámica y pone de relieve que Leonardo da Vinci experimenta ya con la transmisión a su pintura de las sensaciones y la psicología del personaje.

Mucho se ha comentado acerca de si el animal que aparece en el cuadro es o no un armiño aunque se cree que el animal sería seguramente un hurón al ser este un animal más pacífico y fácil de mantener en los brazos de la modelo que un inquieto y agresivo armiño. El simbolismo del citado animal se cree que podría estar en lo que de blancura o pureza trasmite a su dueña o bien, simplemente, en una referencia al propio Ludovico que era miembro de la Orden del Armiño desde 1488.

El fondo del cuadro era primitivamente de un color azulado habiéndose oscurecido posteriormente y también parece que existía  una puerta o ventana que es la que daba la luminosidad al rostro de la modelo. Los estudios realizados han descubierto que se han realizado retoques posteriores en algunos dedos así como en los tonos del velo debajo de la barbilla. También la inscripción "LA BELLE FERONIERE" y la firma que aparecen en la esquina superior izquierda están hechas posiblemente por algún restaurador en el siglo XVIII.

Como dato curioso comentar que las huellas dactilares de Leonardo da Vinci aparecen en la cabeza del armiño y en la mejilla y la frente de la modelo lo que demuestra que Leonardo trabajó esas zonas con la punta de los dedos, cosa frecuente en él y que se aprecia en otros de sus trabajos.

El cuadro perteneciente a la Princes Czartoryski Foundation de Cracovia (Polonia) ha sufrido innumerables vicisitudes a lo largo de su historia. La pintura fue adquirida en Italia en 1798 por Adam Jerzy Czartoryski, uno de los miembros pertenecientes a una antigua e ilustrada familia polaca pasando a formar parte de la colección de la familia Czartoryski en 1800. Con motivo de la guerra entre Rusia y Polonia se consiguió llevar el cuadro entre otras obras a París donde estuvo en el Hotel Lambert. Posteriormente el cuadro volvió a Cracovia y al comienzo de la 2ª Guerra Mundial se escondió emparedado entre los muros de un castillo siendo encontrado por los nazis que invadieron Polonia en 1939 y mandado al museo del Kaiser Friedrich en Berlín. Hans Frank, general del gobierno de Polonia se lo llevó a su mansión en Baviera donde fue encontrado por los aliados al terminar la guerra . Por último, en 1946, el cuadro fue llevado de vuelta a Cracovia donde, después de la llegada del comunismo, la colección se convirtió en una sección del Museo Nacional. En 1991, después de los últimos cambios políticos, la Princes Czartoryski Foundation se estableció en el Museo Nacional de Cracovia, que es en la actualidad el encargado de la supervisión de las colecciones.

Este cuadro está de actualidad estos días con motivo de su venida a España para ser exhibido en el Palacio Real dentro de la exposición "Polonia, Tesoros y Colecciones Artísticas", organizada por Patrimonio Nacional, visitable desde hoy día 3 de junio hasta el 4 de septiembre. 

Un video acerca de la inauguración de dicha exposición se puede ver pulsando aquí.